Píldoras de Cine (Diciembre 2018)

Cuando ya el 2018 está a punto de pasar a mejor vida, recuperamos nuestra querida sección de cine en pequeñas dosis, para pasar revista a algunas películas con mucho ritmo y agilidad.  Pues sí, lo habéis adivinado:  son nuestras PÍLDORAS DE CINE.

“EL REGRESO DE BEN”

Me habían hablado bien de esta película, y, además, la mayoría de las críticas la respaldaban.  Sin embargo, lo que yo ví no fue sino un telefilm sin ninguna pretensión estética, de esos que proliferan en la programación dominical de Antena 3, con una temática ciertamente peliaguda (una madre coraje tratando de evitar por todos los medios que su hijo recaiga en la drogadicción) pero desarrollado de manera más bien tópica y light.  Lo mejor, la última media hora, en la que el tono de dramedia deviene en un thriller que bordea el terror y en el que el espectador llega a sentir verdadera angustia.  En su contra, citaría la escena final, por la que el realizador Peter Hedges pasa tan de puntillas que uno no tiene claro qué es lo que sucede o no sucede;  en otras ocasiones tengo clarísimo que extender un film como un chicle es un grave error, pero también debo decir que terminarlo tan abruptamente resulta contraproducente.  Seguramente la gran Julia Roberts cosechará una nueva nominación al Oscar por este papel, aunque quien está realmente inspirado es el joven Lucas Hedges, que interpreta al joven ex-drogadicto y en la realidad es hijo del director.

Calificación:  7 (sobre 10)

“ROBIN HOOD”

Cada pocos años, el Séptimo Arte nos brinda la posibilidad de revisar la leyenda de Robin de Locksley, el noble inglés que, en el siglo XIV, se alzó contra la injusticia y encabezó un movimiento cuya táctica era robar a los ricos para beneficiar a los pobres.  A la larga lista de intérpretes que han dado vida al mito (Douglas Fairbanks, Errol Flynn, Sean Connery, Kevin Costner, Cary Elwes o Russell Crowe) se une ahora el joven Taron Egerton (“Kigsman”), dando vida a un Robin encapuchado (por fin se han dado cuenta de que “Hood” en inglés significa “Capucha”), en un producto de acción dirigido al público juvenil que el año pasado disfrutó con la muy similar “El Rey Arturo”.  Digamos que la nueva “Robin Hood” es como una relectura de la infravalorada “Robin Hood, Príncipe de los ladrones”, con Egerton a años luz de Kevin Costner y Jamie Foxx siguiendo los pasos de Morgan Freeman.  Plagada de premeditados anacronismos (el vestuario, la escenografía y ese arranque que traslada las Cruzadas a la Guerra del Golfo), en realidad es muy poquita cosa y se olvida enseguida, pero hay que reconocer que te hace pasar un buen rato si no eres muy exigente.

Calificación:  6 (sobre 10)

“SLENDER MAN”

Slender Man (una especia de Hombre del saco posmoderno) nació en un foro cibernético allá por 2009, con vocación de erigirse en terrorífica leyenda urbana.  La “historia” del hombre alto y delgado que se lleva consigo a niños y adolescentes alcanzó rápidamente una gran popularidad en todo el mundo, y no es de extrañar que haya acabado convirtiéndose en película.  Sin embargo, según diversas fuentes no autorizadas, el director asignado al proyecto, Sylvain White, se excedió en el gore y la truculencia, de modo que los productores, algo asustados, optaron por mutilar y remontar la cinta a su antojo, de modo que lo que finalmente se ha estrenado es poco menos que un sinsentido carente de tensión y de verdaderos sustos.  Sólo destacaría su hermosa fotografía de exteriores, muy poco bagaje para un film que pretendía aterrorizar y sólo consigue aburrir.

Calificación:  4 (sobre 10)

Cine actualidad/ “DURANTE LA TORMENTA”

La frecuencia de Adriana McFly

En aquella época ya lejana en la que uno podía pasarse horas enteras recorriendo los pasillos de los videoclubs, recuerdo que un día alquilé “Frequency” (Gregory Hoblit, 2000) con muchísimas ganas de verla, pero la casualidad o el destino, en forma de repentina indisposición de mi padre, me obligaron a pasarme toda la jornada en el hospital, de modo que, para no pagar el temible recargo, al día siguiente tuve que devolver la película…  sin haberla sacado siquiera de su estuche.  En “Frequency”, un joven (Jim Caviezel), durante una extraña aurora boreal, logra contactar con su padre fallecido (Dennis Quaid), mediante una vieja emisora de radio, y de esta manera le advierte de que aún está a tiempo de evitar los sucesos que le condujeron a la muerte.

Cine actualidad/ “CADAVER”

Esta muerta está muy viva

Una ex policía aquejada de depresiones acepta un empleo nocturno como forense en la morgue de un hospital.  Si ya de por sí el trabajar con muertos y el hacerlo además en el turno de noche son elementos que no favorecen un clima laboral muy relajado, imagináos cuando una noche ingresan en el depósito a un cadáver particularmente siniestro y con muy pocas ganas de quedarse quieto…

Apenas sabía nada de esta película hasta que, hace unas semanas, mi amigo el barbero, gran amante de los films de terror, me anunció que “Cadáver” era el próximo que iba a ver.  Y bueno, no sé si el artista de las tijeras habrá tenido ya oportunidad de comprobar si la expectación merecía la pena, pero yo sí he podido…  y debo comentaros mis opiniones.

Cine actualidad/ “VIUDAS”

La herencia de los maridos muertos

¿Qué sucede cuando un grupo de delincuentes muere en mitad de un atraco, sin haber podido completar el encargo que se les había encomendado?  Pues que sus viudas, como herederas gananciales de sus bienes, resultan serlo también de sus compromisos delictivos, por lo cual se verán obligadas a finalizar el “trabajo”…

Este sería, a grandes rasgos, el argumento de “Viudas” (“Widows”), la nueva película de Steve McQueen, el director de la multipremiada “12 años de esclavitud” (y no, este Steve McQueen nada tiene que ver con el famoso actor de los 60 y 70, fallecido de cáncer de pulmón en 1980).  El argumento del film adapta la novela homónima de Lynda La Plante, la cual transcurre en un Chicago en el que irlandeses y afroamericanos se disputan el control de la política y los bajos fondos.

Cine actualidad/ “ANIMALES FANTÁSTICOS: LOS CRÍMENES DE GRINDELWALD”

Scamander contraataca

Durante el tiempo que viví en la vecina localidad de Alhama de Murcia, realicé innumerables viajes en tren, durante los cuales tuve la ocasión de leer montones de libros, algunos de los cuales pertenecieron a la saga del niño mago creado por la multimillonaria J.K. Rowling.  A pesar de su aparente infantilismo, las novelas de Harry Potter contenían altísimas dosis de imaginación y fantasía que me hicieron vivir unos momentos realmente…  mágicos.  Hollywood no podía permanecer ajeno a semejante filón, y, como suele ser habitual, fue adaptando sistemáticamente cada uno de los libros (el último, dividido en dos entregas), con un imparable éxito de taquilla.  Cuando la franquicia concluyó en 2011, los ejecutivos de Warner Bros. decidieron no permanecer impasibles, y presionaron a Rowling para que les cediera los derechos de otros títulos vinculados al mismo universo.  De este modo, en 2016 se estrenaba la primera entrega de una nueva saga, “Animales fantásticos y dónde encontrarlos”, que esta vez se desarrollaba en los años 20 del siglo pasado y tenía como protagonista a Newt Scamander, el autor de uno de los más célebres libros de texto que se estudiaban en Hogwarts y otros colegios de Hechicería.  El (previsible) éxito de este último film posibilitó la realización de una nueva película (se prevén cinco en total), que arranca más o menos donde acababa la primera.

Cine actualidad/ “SUPERLÓPEZ”

Volador, bigotudo y español

Confieso que nunca he leído un cómic de Superlópez.  Su creador, Juan López Fernández, alias “Jan” (n. 1939), lo creó en 1973 como una parodia ibérica de Superman, pero cuando sus aventuras comenzaron a ser publicadas por Editorial Bruguera, yo ya estaba enganchado a Spiderman y a Los Vengadores, y mi cupo de comic europeo lo cubrían Asterix (Goscinny & Uderzo), Tintín (Hergé), Mortadelo y Filemón (Ibáñez) o Zipi y Zape (Vázquez).  El caso es que lo que en principio Jan había imaginado como una simple burla del Hombre de Acero, poco a poco fue adquiriendo verdadera entidad y persiguiendo objetivos más ambiciosos…

Musicales en escena/ “JESUCRISTO SUPERSTAR”

Me gusta comenzar mis artículos con una aportación personal al tema que voy a tratar, una experiencia vital propia, un recuerdo, una anécdota…  En el caso de “Jesucristo Superstar”, mis anécdotas son particularmente numerosas:  cómo me enamoré de la obra nada más editarse la banda sonora de la película de 1973, que compré primero en doble cassette y después en doble LP;  los millones y millones de veces que escuché cada canción, hasta el punto de aprenderme todas las letras de memoria (aún hoy las recuerdo);  la ansiedad y nerviosismo que me embargaron cuando, en noviembre de 1975, salió la versión española con Camilo Sesto, Teddy Bautista y Angela Carrasco;  la chapucera versión que mi amigo Fele y yo grabamos, repartiéndonos todos los papeles entre los dos y acompañándonos con una flauta y una pandereta…  Cuando en la actualidad suelo afirmar que mi musical favorito es “Los Miserables”, creo que no soy consciente de que, diciendo ésto, estoy menospreciando el impacto indeleble que “Jesucristo Superstar” ocasionó en mi vida.

Cine actualidad/ “MALOS TIEMPOS EN EL ROYALE”

Hotel, dulce hotel

En la aclamada novela de Stephen King “Insólito esplendor” (“The Shining”, 1977), que luego daría pie a la película “El resplandor”, dirigida por Stanley Kubrick en 1980, el famoso escritor de Maine supo convertir al hotel en que se desarrolla la acción, el Overlook, en mucho más que un escenario sin entidad.  Por el contrario, King logró convencernos de que aquel siniestro edificio poseía vida propia, una especie de consciencia de sí mismo capaz de influir en los estados de ánimo y, por ende, en los comportamientos de quienes lo habitaban.  De este modo, el Overlook se convertía en uno más de los protagonistas del relato, y el realizador Drew Goddard (texano de 43 años) ha tomado buena nota de este detalle, de cara a su segunda aventura como director de largometrajes.

Cine actualidad/ “OVERLORD”

Violencia disfrutable

Lo recuerdo como si lo hubiera leído ayer mismo.  Con motivo del estreno de “En busca del Arca perdida”, el artículo que trataba de ella en el Fotogramas número 1668 de Noviembre de 1981 decía que “los nazis eran los villanos favoritos de todos”, mientras que a su líder Adolf Hitler lo calificaban como “el gran malo del mundo”.  Si ya hace 37 años se daba por hecho que el III Reich era el enemigo preferido al que enfrentarse en películas de todo tipo, es normal que, en pleno siglo XXI, los supremacistas alemanes continúen nutriendo las manifestaciones culturales de todo tipo (cine, televisión, literatura), independientemente del género y el tono desde el que se les aborde.

Cine actualidad/ “INFILTRADO EN EL KKKLAN”

En la boca del lobo

El año pasado, estando con mi hijo Jorge en la querida ciudad de Cartagena, más concretamente el Miércoles Santo, entramos en una tienda de recuerdos y souvenirs y me hizo mucha gracia ver cómo, junto a un nazareno vestido totalmente de blanco (perteneciente a la Agrupación del San Juan Californio), el dueño del establecimento se había creído en la obligación de colocar un cartelito que decía más o menos lo siguiente:  “CARTAGENA HOLY WEEK…  NOT KU KLUX KLAN” (“Semana Santa de Cartagena…  No Ku Klux Klan”).

El Ku Klux Klan (también conocido por sus siglas “KKK” o simplemente como “El Klan”) tuvo su origen en los Estados Unidos de América allá por 1865, nada más finalizar la Guerra de Secesión.  Tras ganar dicha contienda los ejércitos del Norte, la esclavitud quedó abolida en la práctica totalidad del territorio, pero un grupo de sudistas reaccionarios se negaron a aceptar las políticas de igualdad instauradas por Lincoln y sus sucesores y, ocultos tras unas túnicas y capuchones blancos, emprendieron una cruzada de odio en contra de los homosexuales, los judíos, los comunistas y, sobre todo, los negros.  Incluso hoy en día, más de 150 años después de su creación, encontrarte en tu jardín una cruz llameante junto a la que se yerguen unos tipos disfrazados como capirotes no es augurio de nada bueno…

Cine actualidad/ “MILLENNIUM: Lo Que No Te Mata Te Hace Más Fuerte”

Bond, Lisbeth Bond

El escritor sueco Stieg Larsson tenía 50 años cuando, en 2005, logró publicar la primera de las diez novelas con las que planeaba completar la serie “Millennium”, cuyo nombre deviene de una ficticia revista de investigación para la que trabaja su alter ego literario, el periodista Mikael Blomkvist.  Blomkvist, en la ficción, es un reportero audaz e incorruptible, dispuesto a sacar a la luz cualquier caso escabroso que amenace la moralidad o la tranquilidad con la que se vive en su Suecia natal.  En su primera aventura novelística, “Los hombres que no amaban a las mujeres”, Blomkvist conoce a Lisbeth Salander, una hacker que, bajo su estética punk, esconde una inteligencia privilegiada pero también un carácter inequívocamente antisocial.  Blomkvist se enamora de Lisbeth y participará con ella en otras dos peripecias escritas también por Larsson, “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” y “La reina en el palacio de las corrientes de aire”.  Desafortunadamente, cuando acababa de entregar los manuscritos de los tres primeros libros y apenas había visto la luz el primero de ellos, Stieg Larsson sufrió un infarto agudo de miocardio tras el agotamiento que le produjo tener que subir andando los siete pisos que le separaban de la redacción de la revista en la que trabajaba, un día en que el ascensor se hallaba averiado.

Las pelis del CineClub/ “TULLY”

El agotamiento de la maternidad

En su denodada lucha por traer a Lorca todas aquellas películas que no hayan tenido una exhibición “normal” en salas de cine convencionales, ayer el CineClub Paraíso (al que me honro en pertenecer) proyectó, con algunos meses de retraso, la cinta “Tully”, dirigida por Jason Reitman.

Jason (41 años) es hijo del famoso realizador de “Los Cazafantasmas”, Ivan Reitman, y debutó como director en 2005 con “Gracias por fumar”, a la que han ido siguiendo “Juno”, “Up In The Air” o “Una vida en tres días”.

Historia de una canción: "RASKA-YÚ"

Cuando mi hijo Jorge era pequeño, mis padres (sus abuelos) bromeaban con él a causa de sus “extraños” gustos.  A los 5 ó 6 años, no le gustaban los perros o los gatos, sino los dinosaurios, y no le atraían los deportes como el fútbol o el baloncesto, sino los monstruos, los fantasmas y los esqueletos.  A raíz de ésto, un buen día empezaron a cantarle una vieja canción de su juventud, popularizada en su momento por el hoy semi olvidado Bonet de San Pedro, y titulada “Raska-Yú”.

Pedro Bonet Mir había nacido en el Barrio de San Pedro de la isla balear de Mallorca, y, tras muchos años tratando de abrirse camino en el mundo de la música, en 1942 constituyó el conjunto denominado Bonet de San Pedro y los 7 de Palma.  Al frente de esta formación, cosechó diversos éxitos en la España del Franquismo, entre los que destacaron “Bajo el cielo de palma”, “Canto a Mallorca” o el que le otorgó su mayor dosis de popularidad:  “Raska-Yu”.  El nombre, el ritmo y buena parte de la melodía de tan carismática pieza provenían del tema estadounidense “You Rascal You” (que podría traducirse más o menos como “Tú eres un bribón”), el cual tuvo entre sus intérpretes más celebrados a Clarence Williams, Louis Prima o el mismísimo Louis Armstrong y que, como resulta obvio, pasó del “Rascal You” original al apócope fonético “Raska-Yú”.

Cine actualidad: “BOHEMIAN RHAPSODY”

Una rapsodia bohemia

Era verano de 1978.  Yo tenía 15 años, y en un establecimiento de la cadena Woolworth que duró un suspiro en mi Alicante natal, ví en la sección de discos (sí, discos, LP’s de vinilo) la banda sonora de una película titulada simplemente “FM”, un pedazo de soundtrack en el que se incluían canciones de Steely Dan, Tom Petty, Steve Miller Band, Eagles, Boston y, cerrando el álbum, un tema corto pero imposible de olvidar en el que la base rítmica incluía un coro de palmadas y la vibrante, aguda voz del líder de la banda, rematado por un prodigioso solo de guitarra . Se trataba, naturalmente, del famosísimo “We Will Rock You” y aquel fue el primer disco que compré (no sería el último)   

del que iba a convertirse en uno de mis grupos favoritos:  Queen.

Cine actualidad/ “LA NOCHE DE HALLOWEEN”

Cuando Michael encontró a Laurie

Ví “La noche de Halloween” en Alicante en el llorado cine Rialto, una de esas salas ubicadas en la periferia de la capital y que acogía centenares de películas de terror y ciencia ficción, muchas de las cuales llevaban varias semanas estrenadas en un cine más céntrico y lujoso y posteriormente recalaban en aquel local más modesto pero en el que yo viví algunos de los mejores momentos de mi niñez.  Recuerdo, con una nitidez que os sorprendería, los gritos del numeroso público que disfrutaba asustándose al unísono, centrados sobre todo en el tramo final de aquel film, cuando la joven y prometedora Jamie Lee Curtis se enfrentaba en una lucha a muerte con el siniestro Michael Myers, una máquina de matar que parecía inhumana e imposible de parar…

Cine actualidad/ “EL FOTÓGRAFO DE MAUTHAUSEN”

Concentrado estoy

Entre 1933 y 1945, el régimen de la Alemania nazi dispuso de unos 25.000 centros de reclusión donde se encerraba sistemáticamente a todo aquel que fuera declarado enemigo del III Reich o se considerara que suponía una amenaza para la pureza de la raza aria.  De este modo, comunistas, anarquistas y social demócratas fueron los primeros huéspedes de aquellas macabras instalaciones en las que muy pronto se concentró a millones de judíos, negros y gitanos, a los cuales se unirían, según avanzaba la II Guerra Mundial, todo tipo de prisioneros de diversas nacionalidades.  Aunque en teoría las mayores atrocidades se perpetraron en los denominados “Campos de Exterminio” (cuya finalidad última era, como su nombre indica, la aniquilación), también en los llamados “Campos de Concentración” se trataba a los allí alojados con total desprecio y crueldad, como a auténticos animales a quienes se privaba de los derechos más elementales.

Series de televisión/ "ESTOY VIVO"

La reencarnación de Manuel Márquez

Como todos sabéis, no soy muy de series.  O sea, las series me gustan, faltaría más, pero no tengo el hábito de sentarme delante del televisor (o del ordenador o incluso del móvil, como se lleva ahora) y ver, uno detrás de otro, todos los capítulos de los que consta la enésima temporada de tal o cual serial.  Tampoco soy millenial, así que debo ser uno de esos pocos bichos raros que no tiene Netflix ni HBO y se conforma con ver las “novelas” de sobremesa y las ficciones nocturnas que exhiben las cadenas que emiten para TDT en abierto.

Una de las pocas series que sigo actualmente, capítulo tras capítulo, es “Estoy vivo”, creada por Daniel Ecija para Globomedia y que emite La 1 de TVE.  Ya en su

Cine actualidad/ “UN PEQUEÑO FAVOR”

Por favor, un favor

Soy blogger o bloguero desde hace 13 años.  Y, por otra parte, conozco perfectamente los fundamentos ortográficos de nuestro bienamado idioma castellano.  Por éso, lo primero que pensé fue que alguien había metido la pata hasta el corvejón cuando leí que la protagonista de “Un pequeño favor” (“A simple favor”, 2018) era una conocida “vlogger” o “vloguera”.  Así, con “v” de “vurro”, vamos…  Hasta que caí en la cuenta de que la heroína del film no tiene un blog al uso, sino un “vlog”, lo cual viene a ser la fusión de “video” + “blog”, ya que la señorita en cuestión no escribe artículos como un servidor, sino que graba sus intervenciones en soporte videográfico…

Cine actualidad/ “LA SOMBRA DE LA LEY”

Barcelona, Años 20

Este 2018 está siendo un buen año para el cine español.  Desde que  la comedia deportiva “Campeones” se estrenase con enorme éxito allá por el mes de abril, en estos últimos meses hemos podido disfrutar diversas producciones patrias más o menos taquilleras, e incluso algunas más que correctas cinematográficamente hablando.  Al selecto club en el que militan títulos como “Todos lo saben” o “El reino”, ahora hay que añadir “La sombra de la Ley”, que por derecho propio se ha ganado mi comentario en este blog.

Cine actualidad/ “HA NACIDO UNA ESTRELLA”

La estrella y el estrellado

Un artista en la cima de su éxito conoce accidentalmente a una cantante aficionada, cuya voz le cautiva y de la que se acaba enamorando.  El uno y la otra acabarán por unir sus vidas y sus carreras y, mientras la de él comienza a apagarse, la de ella despunta a todo fulgor…

El actor Bradley Cooper (43 años) debuta como director con “Ha nacido una estrella”, cuarta versión de una historia que previamente interpretaron Fredric March y Janet Gaynor en 1937, James Mason y Judy Garland en 1954 y Kris Kristofferson y la gran Barbra Streisand en 1976.  Para su puesta de largo como realizador, que asímismo co-protagoniza, Cooper se ha basado sobre todo en la adaptación que protagonizó Streisand, de la cual mantiene su ubicación en el circuito de la música country, y asimismo ha contratado a una diva del pop, en esta ocasión la histriónica Lady Gaga (32 años).

Cine actualidad/ “FIRST MAN (El primer hombre)”

De la ciudad de las estrellas a la Luna

"That's one small step for man, one giant leap for mankind"(“Es un pequeño paso para un hombre, pero un salto gigante para la Humanidad”).  Esas fueron, textualmente, las famosas palabras que pronunció el astronauta norteamericano Neil Armstrong (1930-2012) cuando, recién alunizado el Apolo 11 en el Mar de la Tranquilidad el día 20 de Julio de 1969, se convirtió en el primer hombre que pisó la faz de la Luna.  “First Man” (“El primer hombre”) cuenta el modo en que aquella misión logró alcanzar, no sin innumerables vicisitudes, la superficie lunar.

La carrera como director de largometrajes del joven Damien Chazelle (33 años) se inició en 2014 con la fabulosa, magistral “Whiplash” (extensión de un corto suyo de igual título), y se afianzó gracias al apoteósico triunfo de su posterior “La La Land” (“La ciudad de las estrellas”), una película sensiblemente inferior a su predecesora pero que sin embargo gozó de un inusitado apoyo popular.  Con “First Man”, Chazelle se aleja radicalmente de la temática musical en la que hasta ese momento se había especializado, y aborda la carrera espacial de una manera seria y dramática… demasiado seria y demasiado dramática.

Cine actualidad/ “VENOM”

 No sin mi simbionte

Fue un domingo de 1986.  Para amenizar uno de mis primeros viajes con destino a Lorca, compré en el kiosco de la estación de tren de Alicante un par de comics retapados que compilaban la mini serie “Secret Wars” que Marvel publicó originalmente entre Mayo de 1984 y Abril de 1985.  En el episodio 8 de la saga, Spiderman se metía en una extraña máquina y salía de ella con un nuevo traje negro y blanco, con el que se sentía “más sexy y más poderoso”.  A partir de ese momento, el otro yo humano del super héroe, Peter Parker, se sintió capaz de llevar a cabo fabulosas hazañas pero, al mismo tiempo, comenzó a percibir continuados síntomas de agotamiento, hasta que descubrió que su “traje” no era sino una criatura viva y extraterrestre, un simbionte que por las noches, cuando Peter estaba dormido, tomaba el control y le “obligaba” a actuar de forma violenta y despiadada.  Cuando Parker logró deshacerse del malvado simbionte, éste tuvo que buscar otro huésped y lo halló en el fotógrafo amargado Eddie Brock, que odiaba a la par a Peter Parker y a Spiderman (sin saber entonces que ambos eran la misma persona) y les culpaba de todos sus males.  El simbionte y Brock se fusionaron dando lugar a la entidad conocida como Venom (Veneno, en España), y de este modo nació uno de los más terribles y populares enemigos del Trepamuros.

Cine actualidad/ “EL REINO”

Tramas de corrupción

Desde el mismo comienzo de “El reino”, empieza a sonar una tenue música electrónica que poco a poco te va martilleando el cerebro.  Lo primero que pensé fue que aquella anda sonora (obra de Olivier Arson) era un error de bulto y que iba suceder como en “El instante más oscuro”, donde el equivocado uso de una música innecesaria y omnipresente te sacaba de la película una y otra vez.  Me equivocaba.  Los sones rítmicos de Arson poco a poco consiguen que el espectador se involucre en una trama que, mirándolo bien, tiene mucho de “bacalao”.

Manuel López Vidal (Antonio de la Torre) es uno de esos políticos cuyo objetivo es luchar por el bienestar y mejorar la vida…  de sí mismo.  Es corrupto y está corrompido hasta las trancas y, cuando sus chanchullos salen a la luz, lo único que se le ocurre es tratar de llevarse por delante a sus compañeros de partido tanto o más deshonestos que él…

PÍLDORAS DE CINE: Septiembre 2018 (II)

Estamos a mediados de la primera semana del otoño y el calor veraniego se resiste a abandonarnos.  Todo está muy calentito, sobre todo en las altas esferas de la política.  Pero no desbarremos como siempre acabamos haciendo, y lancémonos directos s la degustación de nuestras afamadas…  ¡PILDORAS DE CINE!

“PREDATOR”

Shane Black, el director y guionista de esta cuarta entrega de “Depredador” (sexta si contamos las dos partes de “Alien vs. Predator”), participó como actor en la película fundacional de 1987, y dicen las malas lenguas que también metió en el libreto que en aquel entonces se atribuyeron los hermanos Jim & John Thomas.  El caso es que Black, ascendido a mandamás creativo de la franquicia, nos presenta una historia que no sólo contiene las lógicas alusiones a la saga, sino que también es un compendio de sus inquietudes creativas, reflejadas en sus anteriores trabajos, desde “Arma letal” hasta “Iron Man 3” pasando por “El último boy scout”.  De este modo, “Depredador” contiene abundantes dosis de violencia, carismáticos personajes masculinos y, sobre todo, diálogos muy currados y divertidos.  El resultado, si obviamos un inicio super cutre que parece copiado de un telefilm de serie Z y un epílogo irrisorio y ridículo, es un entretenimiento ligero que se disfruta con tanta facilidad como se olvida.  Efectos especiales correctitos, escenas de acción que no pasan del aprobado y, lo mejor de todo, un uso comiquero y brutal de la violencia, tan salvaje y tan desmesurada que no te la puedes tomar en serio.  Aunque el plano más impactante y que este cronista nunca olvidará es aquel en el que, para evitar ser  masacrados por el Depredador, dos personajes se dan muerte el uno al otro, en un acto de valentía y generosidad plasmado con inusual belleza.

Calificación:  6,5 (sobre 10)

“TODOS LO SABEN”

Que el mundo es un lugar cada vez más globalizado lo demuestra sobradamente el hecho de que esta película aparentemente tan española, tan llena de nuestra peculiar idiosincrasia…  ha sido escrita y dirigida por un iraní.  Asghar Farhadi, el realizador de la oscarizada “Nader y Simin, una separación”, sabe retratar perfectamente no sólo la apariencia sino, sobre todo, la trastienda de esos pequeños pueblos tan característicos de nuestro país, en los que todos los vecinos se conocen entre sí y un secreto, por más inconfesable que sea, jamás permanece oculto.  Tomando como punto de partida una boda y un secuestro, Farhadi disecciona a todos los miembros de una familia sin tomar partido por ninguno, desvelando las mezquindades de cada uno y no dejando títere con cabeza.  El reparto está plagado de buenos actores (Eduard Fernández, Ramón Barea, Bárbara Lennie, Elvira Mínguez), pero el reclamo es la presencia de Javier Bardem, Penélope Cruz y el argentino Darín.  Contra todo pronóstico, la que mejor parada sale es Cruz, entregada y valiente hasta lo inimaginable, convincente y desgarradora en todas sus escenas.  Darín aparece demasiado poco y de Bardem lo mejor que puede decirse es que actúa sin su hipervirilidad y chulería habituales.  Precisamente la ausencia de un gran duelo interpretativo entre estos dos últimos (su única secuencia conjunta resulta tristemente sosa e intrascendente) es uno de los pocos defectos que pueden objetarse a esta interesante y sorprendente película.

Calificación:  8 (sobre 10)

PILDORAS DE CINE: Septiembre 2018

Las aguas bajan revueltas en política.  De hecho, nunca mejor dicho, todo lo que está sucediendo es POLÍTICAMENTE INCORRECTO.  Bromas aparte, no esperéis que en esta página de repente empecemos a presumir de Máster o Tesis Doctoral, pero sí que alardeamos de nuestro innegable amor por el Séptimo Arte, por lo que, sin más enrollamientos, nos sumergimos en las entrañas de la botica y os expendemos nuestras PÍLDORAS DE CINE:

“LA MONJA”

El universo creado por James Wan en “Expediente Warren” (“The Conjuring”) sigue expandiéndose.  Además de una secuela propiamente dicha (y además excelente) como “El caso Enfield” y de dos spin-offs basados en la muñeca Annabelle, le llega el turno ahora a aquel demonio travestido de religiosa que, en la segunda entrega, aterrorizaba a Lorraine Warren (y, cómo no, a todos nosotros).  “La Monja” ha sido dirigida por un tal Corin Hardy (desconocemos si está lejanamente emparentado con Tom Hardy, el nuevo “Venom”, o incluso con el entrañable Oliver Hardy, alias “El Gordo”), y cuenta cómo un cura experto en exorcismos y una ingenua novicia viajan hasta un desvencijado convento de Rumanía, donde, como ya os podéis imaginar, tendrán que enfrentarse a cierta criatura demoníaca que en realidad tiene de monja lo que Cristiano Ronaldo de humilde.  Obviamente, ni nos hallamos ante una gran película, ni el guión tiene por dónde cogerlo, ni los diálogos tienen fuste ninguno ni los actores (Demián Bichir y Taissa Farmiga) ganarán ningún premio como recompensa a los sustos que reciben), pero el diseño de producción, la fantasmagórica fotografía y la creación de una atmósfera verdaderamente inquietante se merecen un voto de confianza;  los (muchos) fans del terror no se sentirán engañados.

Calificación:  6 (sobre 10)

“LOS FUTBOLÍSIMOS”

En el mismo año en que “Campeones” (comedia sobre un grupo de discapacitados que se reivindican gracias al baloncesto) ha conquistado al público a incluso a la Academia del Cine español, que la ha seleccionado para representarnos en los próximos Oscar, se estrena “Los Futbolísimos”, comedia en la que un grupo de chicos y chicas que juegan al fútbol en el equipo del colegio tienen la oportunidad de reinventarse merced al balompié.  Es indudable que las buenas intenciones de todos los responsables de la producción se perciben a la legua y trascienden la pantalla, pero la excesiva blancura de su humor, ese “buenismo” tan de moda en nuestra sociedad, y lo mal que funcionan algunos chistes juegan un poco en su contra.  A su favor, lo bien logradas que están las múltiples referencias visuales y temáticas a “Los Goonies”, “It” o “Cuenta conmigo” y la estupenda banda sonora a cargo de Fernando Velázquez.  El director a cargo del proyecto ha sido Miguel Angel Lamata y, en el reparto, junto a los niños Julio Bohigas. Milene Mayer o Iker Castiñeira, aparecen populares rostros televisivos como Joaquín Reyes, Antonio Pagudo, Carmen Ruiz, Toni Acosta, Jorge Usón o William Miller.  Si la taquilla responde, podemos hallarnos ante el inicio de una franquicia, ya que el escritor Roberto Santiago tiene publicadas varias novelas sobre tan peculiares personajes.

Calificación:  6,5 (sobre 10)

“YUCATÁN”

Tras impresionarnos con los thrillers “Celda 211” y “El Niño”, el antiguo crítico cinematográfico Daniel Monzón regresa a la comedia con “Yucatán”, película que transcurre casi en su totalidad en un transatlántico que realiza un crucero de lujo con destino a México.  En el interior de la enorme embarcación se desarrollan varias pequeñas historias al final resultan estar todas entrelazadas y en las que nadie o casi nadie resulta ser lo que parece.  Por exigencias de la coproducción con diversos países de Hispanoamérica, al frente del variopinto reparto encontramos a Luis Tosar (español), Rodrigo de la Serna (argentino) y Stephanie Cayo (peruana), encarnando a tres estafadores profesionales que intentan desplumar al ganador de un premio de la Lotería (Joan Pera) que quizás no sea tan ingenuo como parece.  Aunque no es tan graciosa como pretende y el desenlace resulta tan rebuscado como decepcionante, hay que admitir que la dirección de Monzón, el diseño de producción y las interpretaciones de Tosar, De la Serna y Pera rayan a un gran nivel.  Producciones como “Yucatán” no dejan de ser una rara avis en nuestra cinematografía, no tanto por el argumento en sí sino por la rutilante parafernalia técnica, en la que todo es extraordinario, desde la iluminación hasta las coreografías, pasando por el vestuario y el sonido.

Calificación:  7 (sobre 10)

Las claves de "SANGRE"

Cuando ya lleva cuatro meses a la venta en librerías y diversas plataformas de internet, he creído que ha llegado el momento de desvelar algunas claves de mi novela “Sangre”, datos que quizás sorprenderán a algunos lectores pero que confirmarán las sospechas de otros…

—El origen de la novela es un cuento que escribí en 1993, que, por cierto, luego transformé en guión para un cortometraje que rodé dos años después…  y que nunca pudo exhibirse

—La inspiración para el cuento original proviene, como suele suceder, de diversos hechos reales:  el miedo atávico hacia la sangre en sí misma;  la incertidumbre o, directamente, el temor a “hacerse mayor”…

—El pánico a la primera relación sexual (sobre todo en épocas pretéritas) ha sido objeto de inspiración para todo tipo de historias, camufladas de una u otra manera, casi siempre con el terror como envoltorio

—Como ya he confesado en alguna ocasión, en la época en la que estaba redactando el guión cinematográfico (año 1994), estaban muy de moda los culebrones televisivos de procedencia sudamericana, que incluso algunos conocidos literatos ensalzaban.  No pude evitar dejarme influenciar en el tono que imprimí a algunas secuencias, y, cuando alguien me preguntaba de qué género iba a ser la película, les respondía sonriendo:  “Terroculebrón”

—La relación entre las dos hermanas protagonistas, Margaret y Valeria, homenajea a la que tenían los hermanos Nastassja Kinski y Malcolm McDowell en “El beso de la pantera” (Paul Schrader, 1982)

—En la película citada, la protagonista temía que, al mantener la primera relación sexual, se convertiría en pantera y devoraría a su amante;  en mi relato…  bueno, ya sabéis lo que sucede en mi relato, ¿no?

—El hecho de que la protagonista, cuanto tiene la primera menstruación, se asuste y necesite reponer la sangre que ha perdido, me pareció una simple cuestión de lógica fisiológica, y de ahí la naturaleza de la criatura en la que Margaret se transforma

—Los nombres de los protagonistas (“STEFAN” Y “MARGARET”) los elegí pensando en la escena final, en la que las olas del mar borran unas letras escritas en la arena pero son incapaces de borrar las otras, las cuales conforman el título de la obra:  “SANGRE”

—En cuanto al apellido de Margaret y Valeria, “Culdra” (lo menciona esta última en uno de los diálogos), es como un juego de palabras disléxico.  Para entender su significado, sólo tenéis que alterar el orden de sus dos sílabas y ¡gobin! (perdón, ¡bingo!)

—En un deplorable acto de nepotismo, cuando hace unos años realicé una recopilación de bandas sonoras de películas sobre vampiros, en la portada, junto al Conde Drácula, el Conde Orlok (el protagonista de “Nosferatu”), Edward Cullen (el pálido rompecorazones de “Crepúsculo”), Lestat (Tom Cruise en “Entrevista con el vampiro”) o Jerry Dandridge (el enigmático vecino de “Noche de miedo”), incluí nada menos que a…  Margaret Culdra

—No es casual la alusión en “Sangre” a los tópicos más comunes de la literatura y la cinematografía vampírica:  la estaca de madera, la carencia de imagen reflejada en el espejo, la transformación de Valeria en niebla, las hendiduras de colmillos en el cuello de Stefan, la extraña muerte de la madre de las hermanas tras haber quedado expuesta a la acción del sol…

—La identidad de la médico forense que muestra a Margaret el cadáver de su hermana responde también a un juego metalingüístico.  En el guión del cortometraje, me atreví a llamarla directamente “Doctora Helsing” (en alusión al médico holandés Abraham Van Helsing creado por Bram Stoker), pero en la novela he querido ser más…  sutil.  De este modo, he ido diseminando pistas aquí y allá (sabemos que su nombre de pila es “Vania”, que su apellido se parece a “Helsinki” y que su abuelo, “que nunca visitó la Tierra Prometida”, se llamaba “Abraham”), para que sea el amable lector quien saque sus propia conclusiones con respecto a dicho personaje

—¿Son Margaret y Valeria hermanas mellizas?  Lo peculiar de su concepción así lo da a entender, y, de hecho, a la hora de rodar el cortometraje de 1995 (que finalmente no se llegó a estrenar), las actrices que lo interpretaron, si bien no eran hermanas en la vida real, al menos sí eran primas

—Como he dicho al principio, el formato libro es la tercera transformación que experimenta el relato original que escribí hace veinticinco años, que primero fue un cuento y después un guión cinematográfico.  Como, ciertamente, el resultado final era poco voluminoso, creí conveniente añadir un prólogo, crear una escena nueva (la de la tormenta que precede a la primera aparición de Valeria) y desdoblar en dos algunas escenas ya existentes

—El Epílogo del libro lo improvisé sobre la marcha cuando faltaban pocos días para enviar el texto a imprenta.  Me apeteció dejar abierta la puerta de cara a una posible continuación, y para ello necesitaba una antagonista y una motivación para la misma.  Sólo los lectores más perspicaces se habrán percatado de que el Epílogo empieza igual que empezaba el Prólogo, sólo que trasladando el protagonismo a la forense.  Si la novela arranca a raíz de una muerte (la de Valeria), quizás su eventual secuela tendría como origen otra muerte (la de Stefan)

—En las hojas de créditos del libro (publicado por Editorial Círculo Rojo) se lee que “Sangre” es el primer volumen del “Lucamverso”.  Llamadme egocéntrico y engreído, pero lo de “Lucamverso” quiere decir que tanto esta primera novela como las próximas que logre publicar se desarrollarán en el “Luis Campoy Universo”, en el sentido de que posiblemente estarán relacionadas las unas con las otras.  Como prueba de ello, en “Sangre” (durante la escena de la morgue) se menciona la actividad criminal del villano de “El Butanero siempre llama dos veces”, que es el libro que acabo de terminar y en el que también se referencia algo de lo acaecido en “Sangre”

PILDORAS DE CINE (Agosto 2018)

Queridos lectores, he decidido interrumpir momentáneamente mis muy merecidísimas vacaciones estivales para aportaros mi inigualable visión de algunos de los grandes estrenos cinematográficos de este verano.  Pero no hace falta que me lo agradezcáis ni me mandéis botellas de champagne a mi sancta sanctorum cinéfilo.  Simplemente, seguid leyendo y disfrutad nuestras ¡PILDORAS DE CINE!

“MEGALODON”

En 1975, un Steven Spielberg en la plenitud de su creatividad estrenaba la que, para mí, es una obra maestra inigualable del cine de aventuras:  “TIBURON”.  Desde aquel entonces, es tradición que casi todos los veranos llegue a las pantallas alguna película que tenga al mar como protagonista o al menos como escenario principal, cuando no directamente a uno o varios tiburones sembrando el caos.  En este 2018, el antaño prometedor firmante de “Mientras dormías”, Jon Turteltaub, nos presenta su aportación al género con “Megalodón”, basada en una novela de Steve Allen en la que es un escualo gigantesco, prehistórico y supuestamente extinto, el que pone en jaque a un grupo de científicos.  Para hacer frente al descomunal bichejo, nadie mejor que uno de los alopécicos más famosos y viriles, Jason Statham-  Statham ha venido siendo sinónimo de acción de bajo presupuesto, pero su participación en las sagas de “Los Mercenarios” y, sobre todo, “Fast & Furious”, le ha dado a conocer a un público más universal.  El propio actor se ha quejado públicamente de que el montaje que vemos en cines ha prescindido de las escenas más violentas y sangrientas que se rodaron, pero, aun así, “Megalodón” me parece un espectáculo como mínimo aceptable, en el que algunos buenos efectos especiales y varios agradecidos toques de humor ayudan a que la digestión de tan descomunal “boquerón” se nos haga leve y amena, regalándonos incluso algún personaje ciertamente interesante (los interpretados por Winston Chao y, sobre todo, Rainn Wilson).

Calificación:  7 (sobre 10)

“THE EQUALIZER 2”

Vaya por delante que amo (artísticamente) al gran Denzel Washington, y que cualquier película en la que él aparece tiene aseguradas mi atención y mi benevolencia.  “The Eaqualizer 2” (la primera vez en su larga carrera en la que Washington acepta rodar una secuela de un título suyo anterior) continúa lo narrado en el film original de 2014, que a su vez versionaba la serie televisiva de los años 80.  De nuevo, el “abuelete” Robert McCall tendrá que erigirse en protector y justiciero para así vengar a una persona por la que había llegado a sentir afecto, lo cual hace que esta vieja máquina de matar se nos aparezca más próximo y humano.  Para mí, lo mejor de “The Equalizer 2” son las secuencias en las que la increíble interpretación de Washington, prodigiosamente llena de matices, inunda la pantalla sin necesidad de que estalle el enésimo brote de violencia, lo cual, por cierto, también mola, y bastante.  En esta clase de películas, el espectador se compromete a aceptar de buen grado que un sexagenario que actúa solo es capaz de ventilarse a un ejército de facinerosos armados hasta los dientes (algo así como la “Venganza” de Liam Neeson pero algo más estilizada), y, a partir de este supuesto, “The Equalizer 2” me parece más completa que la primera parte, porque el protagonista puede lucirse más y porque la coreografía de la violencia alcanza una cota álgida en la última (y magistral) secuencia del film, primorosamente rodada y montada y en la que el chileno Pedro Pascal realiza un muy convincente rol de villano.

Calificación:  8 (sobre 10)

“LOS INCREÍBLES 2”

Hace tanto tiemplo que no he vuelto a ver “Los Increíbles” (2004) que, honestamente, no sabría decir si esta segunda y tardía entrega es superior o no a la primera parte.  Lo que sí sé es que, viendo las nuevas aventuras de de la familia Parr, sentí en todo momento una admiración y una fascinación que hacía tiempo que no sentía.  Los supérheroes, proscritos desde hace mucho tiempo, tienen la oportunidad de reivindicarse, pero para ello Mr. Increíble deberá quedarse en casa cuidando de los niños y será Elastigirl quien tenga que realizar las portentosas hazañas de rigor.  Con una animación sensacional (marca de la casa), unos diálogos excelentes y una partitura musical gloriosa (nuevamente de Michael Giacchino), “Los Increíbles 2” es, valga la redundancia, increíble…  y deliciosa.

Calificación:  8,5 (sobre 10)

Cine actualidad/ “MAMMA MIA!: UNA Y OTRA VEZ”

¿Cómo podíamos resistirnos?

Aunque parezca increíble, han transcurrido ya diez años desde el estreno de “Mamma Mia!”…

Confieso que, en principio, estaba muy receloso ante el rodaje de la adaptación del fenómeno teatral basado en las famosísimas canciones de Abba.  ¿Un musical en cuyo reparto ni uno sólo de sus protagonistas (Meryl Streep, Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan Skarsgaard) era cantante…?  Sin embargo, mis temores se disiparon a los pocos minutos de comenzar la película, en la que además de los bellos temas del cuarteto sueco (dignamente interpretados),  percibí un envoltorio simplemente delicioso en el que la ambientación, la fotografía, el sentido del humor y las contagiosas ganas de vivir me cautivaron…  a mí y a muchos millones de espectadores más.

Pues sí, han tenido que pasar nada menos que diez años para que una continuación, que normalmente se hubiera puesto en marcha muchísimo antes, haya visto por fin la luz.  Algunos rumores apuntan a que la protagonista indiscutible, Meryl Streep, se negaba a volver a echarse sobre los hombros el peso de un film tan exigente (no olvidemos que no sólo tenía que actuar sino también cantar, ¡y cómo cantó en la primera entrega!), de modo que todo apuntaba a que habría que planear una continuación sin su presencia.  No obstante, a alguien se le ocurrió la magnífica idea de que “Mamma Mia! 2” podría no sólo ser una secuela, sino también y, al mismo tiempo, una precuela, de modo que, si bien Streep no aparecería, su personaje si tendría protagonismo, encarnado en una versión juvenil por una joven estrella en alza.

“Mamma Mia!: una y otra vez” nos cuenta cómo la joven Sophie (Amanda Seyfried) debe afrontar la ausencia de su madre Donna en un momento muy delicado de su vida:  está a punto de inaugurar la reforma del hotel familiar y, por si fuera poco, acaba de descubrir que está esperando su primer hijo.  Por suerte, podrá volver a contar con el apoyo de su padrastro (Pierce Brosnan) y sus otros dos posibles padres (Colin Firth y Stellan Skarsgaard), así como de las encantadoras amigas de su madre (Julie Walters y Christine Baranski) y hasta de su mismísima (e improbable) abuela (Cher).  Paralelamente, somos testigos de cómo una joven Donna (Lily James) arriba por primera vez a la bellísima isla griega de Kalokairi, donde pronto nacerá la pequeña Sophie, fruto de su breve relación con tres chicos a los que decidirá ocultar su posible paternidad…

Obviamente y, como era previsible, “Mamma Mia!: Una y otra vez” NO es mejor que su predecesora, pero ¿por qué es tan evidentemente inferior?  Para empezar, la ausencia de Meryl Streep se hace insalvable, por mucho que unas entregadas Amanda Seyfried y Lily James se esfuercen por dar lo mejor de sí.  La idea de desdoblar la acción en dos tiempos (presente y pasado) tampoco funciona satisfactoriamente, ya que el espectador a quienes desea ver es a los intérpretes de la primera entrega, más maduros pero igual de encantadores, y los actores jóvenes que recrean sus papeles en los flashbacks no tienen ni de lejos su mismo carisma.  Por otra parte, el nivel de popularidad y calidad de las canciones que nutren la segunda entrega (con las excepciones de “Waterloo”, “One Of Us” y “Fernando”) ha descendido muchos enteros, al igual que la mayoría de las coreografías, que ahora parecen menos inspiradas y acrobáticas.  Finalmente, se ha prescindido de la presencia del simpático conjunto de aldeanos que, a manera de “coro griego” (nunca mejor dicho) aparecían por doquier y en las situaciones más inverosímiles, provocando no pocos momentos hilarantes.

En cuanto a la “sorprendente” participación de la diva Cher (innecesariamente revelada en los trailers), se genera una divertida incoherencia:  la intérprete de “Believe” hace de madre de Meryl Streep, pero sólo tiene tres años más que ésta;  asimismo, el cubano Andy Garcia, quien da vida a Fernando, antiguo novio de la primera, tenía apenas tres años en 1959, cuando supuestamente ambos personajes se enamoraron.  ¿Flagrante error de casting o intento a la desesperada de revitalizar una saga que, sin su genuina protagonista, ha perdido su razón de ser?  Pues obviamente es lo segundo, y de la respuesta del público se derivará el éxito o fracaso de la operación.  De momento, la anquilosada carrera musical de Cher se ha reactivado con la grabación de un disco de versiones de…  Abba.  Al final, todo queda en casa y todos salen ganando.

Luis Campoy

Lo mejor:  hace buena a la primera parte

Lo peor:  a pesar de que es menos de lo mismo (falta la insustituible Streep), es mucho más de  lo mismo…  y las canciones son bastante peores

El cruce:  “Mamma Mia!” + “El Padrino 2” (bueno, tampoco hay que pasarse)

Calificación:  6 (sobre 10)

Cine actualidad/ “EL RASCACIELOS”

Duro de matar... y de quemar

Fue un sábado, allá por Octubre del año 88 del siglo pasado…  En el cine Salzillo de Murcia, hoy reconvertido en sede de la Filmoteca Regional, se exhibía “Jungla de cristal”, una película policíaca que venía avalada principalmente por dos nombres:  el de Bruce Willis, protagonista masculino de la serie televisiva “Luz de luna” y el de John McTiernan, director de “Depredador”.  Con el paso del tiempo, recordaría aquella tarde no sólo como uno de esos momentos cinematográficos maravillosos e inolvidables, sino como toda una clase magistral de cómo construir una trepidante historia de acción mimando, al mismo tiempo, la humanidad de cada personaje, y regalando al mundo tanto un héroe inolvidable como uno de los mejores villanos vistos jamás en una pantalla.

Precisamente cuando “Jungla de cristal” celebra su trigésimo aniversario, se acaba de estrenar uno de sus enésimos hijos apócrifos, “El rascacielos”, cuyas “coincidencias” con el ya clásico film de McTiernan la convierten prácticamente en un intento de remake.  Tenemos, en primer lugar, al héroe, un ex-agente de la ley cuya esposa es una de las rehenes de un grupo de supuestos terroristas cuyas auténticas motivaciones son más bien materialistas.  El escenario en el que se desarrolla la acción es un gigantesco y ultramoderno edificio cuyo propietario es un millonario asiático, pero la alta tecnología quedará convertida en chatarra a causa de una ensordecedora tormenta de tiros y explosiones, a los que se une un pavoroso incendio que deja en pañales al de la no menos recordada “El coloso en llamas”…

Dicen que las comparaciones son odiosas, y en este caso la regla no sufre ninguna excepción.  El protagonista de la nueva aventura, el ex-luchador Dwayne ‘The Rock’ Johnson, a la sazón uno de los dos o tres héroes de acción más queridos por el público actual, cumple satisfactoriamente con su papel de tipo duro e irreductible al tiempo que padre de familia ejemplar.  Todos los títulos en los que aparece Johnson gozan de un éxito automático y asegurado, y eso no puede ser casualidad.  Sin embargo, los aciertos incuestionables se acaban prácticamente ahí.  La relación del protagonista con sus hijos es un festival de tópicos que causa un poco de vergüenza ajena;  ni el villano principal ni ninguno de sus esbirros tienen el más mínimo carisma;  el resto de secundarios son totalmente prescindibles y no aportan nada a la trama;  y, aun tratándose de una película de aventuras y no de un documental con pretensiones de ser realista, lo cierto es que las hazañas y heroicidades del protagonista rayan demasiado alto en el escalafón de lo increíble.  La capacidad de The Rock para saltar a edificios en llamas, sobrevivir a todo tipo de ataques y derrotar él solito a una piara de maleantes armados hasta los dientes es tan contundente que la suspensión de la incredulidad de la que gozan este tipo de productos resulta ampliamente rebasada.

Con todo, el balance final de “El rascacielos” no puede ser muy negativo, en parte por ese innegable carisma que destila Dwayne Johnson, en parte porque los efectos visuales están bastante logrados y, en parte, porque el director Rawson Marshall Thurber no se recrea excesivamente en la violencia, lo cual acercará la película a un público familiar .  En estas jornadas de tanto calor, no se me ocurren sitios mejores para refugiarse que una piscina, una playa o una sala de cine donde poder distraerse con un producto ágil e inofensivo como “El rascacielos”.

Luis Campoy

Lo mejor:  Dwayne Johnson, al que sólo le falta hacer buenas películas para poder equipararse a sus “hermanos mayores” Schwarzenegger y Stallone

Lo peor:  la falta de carisma de los personajes secundarios;  los tópicos familiares de la trama;  el exceso de fantasía en las hazañas superheroicas del protagonista

El cruce:  “Jungla de cristal” + “El coloso en llamas”

Calificación:  6,5 (sobre 10)