Historias e Historietas

Penne y milanesa (Prima puntata)

2012-02-10T15:40:00.000+01:00

Los italianos son capaces de casarse con ecuatorianas incluso en las condiciones más adversas. De no ser así, no estaría yo ahora mismo escribiendo estas líneas a bordo de un tren rápido que viaja desde Roma hacia Milán por en medio de un paisaje de campos y montañas nevados. Pero sí, el valiente Luca mantiene su palabra dada a la joven Priscilla aun a pesar de la gélida ola de frío siberiano que está congelando Europa. Aprovechando la coyuntura, y haciendo buena la ubicación del pueblo en el que va a residir la pareja, Treviglio, a escasos veinte minutos de Milán capital, realizamos un estudio exhaustivo de las posibilidades a nivel logístico que nos brindaba la asistencia al nupcial evento. Así, planificamos un periplo de seis días que incluía la partida y llegada al aeropuerto de El Altet en Alicante, la obligada estancia en la citada Treviglio y muy jugosos desplazamientos a Milán, Roma, Venecia y Florencia, todo ello a cambio de cuatro días de mis vacaciones y de los 200 euros que ha costado contratar a una cuidadora que estuviera dispuesta a cuidar a mis padres durante 24 horas al día. Como consecuencia de todo ello, despegamos ayer, con casi media hora de retraso, en un vuelo de RyanAir que aterrizó en una soleada Bergamo alrededor de las 13:10 horas. Sí, el sol ondeaba en el lienzo azul de Bergamo, pero en sus calles todavía se apreciaban montoncitos de nieve solidificada apilados en las inmediaciones de la estación de autobuses. En autobús viajamos hasta el centro de la ciudad, y de ahí a Treviglio en un tren pequeñito y apañado. Lo bueno de Italia es que sus habitantes responden al estereotipo asociado al tipo mediterráneo, pudiendo pasar perfectamente por murcianos, manchegos o sevillanos... hasta que abren la boca y de sus labios salen palabras con sabor a spaghetti. Con todo, la primera comida que probé en la patria de Rómulo, Remo, Julio César, Verdi y Berlusconi fue un hornado con arroz y garbanzos muy típico de Ecuador. Pero enseguida me desquité tomando un capuccino en un bar antes de partir en tren para Milán, donde, por cierto, enseguida me topé con una imagen publicitaria en el Metro, de un Zlatan Ibrahimovic cuya chulería parecía continuar cuestionando los méritos del "filósofo" Guardiola. El frío y la noche comenzaban a hacer de las suyas, pero nada pudo impedir que nos retratásemos ante el Duomo y la explanada del Castello, y que, precisamente en la Gelateria Castello, probásemos unos riquísimos conos de helado de cioccolato. A las 23:20 y después de cenar un plato de penne (no penséis mal, que sólo fueron unos macarrones), el tren nocturno inició su incómodo traqueteo en dirección a Roma. En un viejo compartimento fuimos ubicadas seis personas, y el diseño del decorado ferroviario me recordó poderosamente al del Expreso de Hogwarts de las películas de Harry Potter, por lo que todavía tuvimos que dar las gracias de que, además de la cutrería y el frío, no nos abordara algún Dementor. Pero todas las incomodidades del Universo se olvidan cuando sales de una boca del Metro romano y divisas, imponente y majestuoso, el maravilloso Coliseo. En sus faldas, un par de simpáticos centuriones que parecen escapados de "Ben Hur" (por no decir del Viernes Santo lorquino) se te acercan y, solícitos, se fotografían contigo.... sólo para exigirte diez euros por el numerito. El frío es mas intenso a cada minuto que pasa, y el cielo se convierte en una escala de grises. Un desayuno rápido, y, cuando apenas son las diez de la mañana, aparecemos en la maravillosa Piazza Venezia, donde los carabinieri izan solemnes la bandera tricolor. ¿Qué podríamos ver a continuación, en tan inhóspita mattinata? Decidimos abrazar el populismo más descarado y nos dejamos caer en la Fontana Di Trevi, espectacular e hipersolicitada, y de ahí nos dirigimos, en taxi, a ese pequeño Estado que un señor con báculo y tiara dirige dentro del Estado italiano. Nada más llegar al Vaticano, te abordan incontables pseudo-guías turísticos que te ofrecen un tour de dos horas que incluye un recorrido somero por la Capilla Sixtina, todo ello a cambio de noventa euros. Pero empezó a llover, y nos pareció que lo más sensato era retroceder hasta la Estazione de Roma-Termini, donde, al cabo de una "colitis" que duró una hora, obtuvimos los (carísimos) pasajes para el Freccia Rossa (algo así como el AVE español) desde el que estoy narrando esta primera parte de mi periplo italiano mientras me aproximo nuevamente a Milán, donde mañana, llueve, nieva o se hunda el mundo, tendrá lugar la boda que me ha traído aquí......

Una odisea pilosebácea

2012-02-03T21:51:00.005+01:00

En la cabeza de mi padre serefleja todo. No sólo sus pensamientos ylas vicisitudes de su ya larga vida, sino TODO: está calvo y su calva brilla como un espejo. La alopecia androgenética es, probablemente,la única herencia que uno rehusaría recibir de su padre (junto con las deudas,claro está), pero al final me temo que es la única segura. Como ya he contado alguna vez, los quesabemos casi a ciencia cierta que el pelo se nos va a caer si o sí, tomamosantes o después las medidas necesarias para conservarlo; yo, el que se me cae, lo guardo en unacaja. Bromas aparte, desde siempre leshe conferido a la higiene y el cuidado capilar un mimo y una atenciónespeciales. Obviamente, todas mis investigaciones al respecto demuestran que,si el pelo se ha de caer, se caerá inexorablemente, pero en nuestra mano estáel demorar el otoño lo más posible.

La otra tarde, fui ami farmacia habitual con la intención de hacerme con un frasco de champúKlorane (el cual llevo usando más de 20 años y tengo comprobado que curar, nocura, pero perjudicar, tampoco), y la amable farmacéutica, al ver que elproducto que le solicitaba era un potingue de índole dermatológica, me preguntósi quería someterme a un examen gratuito del cuero cabello. Sin estar muy convencido, accedí, y dos díasdespués, una microcámara navegaba por mi cabeza, pilotada por una jovenzuelaque tenía de dermatóloga lo que yo de millonario. Haciendo cola, otro par de hombres con pintade incautos y frente despoblada, e incluso una señora con gesto preocupado. La diminuta cámara proyectaba en un monitoruna visión espeluznante de mi pobre cabeza, magnificando no sólo los cabellossino el desértico espacio entre ellos. "Te voy a arrancar un pelito para queveas cómo está su raíz", me dijo la experta. Una finísima parte de mí fue extirpada de untirón y emparedada entre dos placas de vidrio conectadas a una especie demicroscopio. "Uy, nunca había vistouna raíz tan muerta como ésta", se mofó la niña de la bata blanca. “Mira, necesitas un tratamiento de choque,empezando por unas vitaminas que tienes que tomar cada día y te duran un mes. Además, un champú que debes usar dos veces porsemana y te dura un mes. Y, finalmente,una loción que se usa después del champú y te dura…” “…Un mes”, pensé yo, “una renta mensual apartir de ahora”. Lo más curioso delcaso era que, oh, casualidad, las vitaminas, el champú y la loción que me mandóeran todos de la misma marca (“Rougj Hair Plus Active”), y, mire usted pordónde, los tres estaban en stock en la farmacia (no como tantas medicinas de mimadre que tienen que pedir y no llegan hasta el día siguiente) y, además, elpaciente que había sido analizado antes que yo también debía padecerexactamente mi mismo trastorno, porque al salir se había marchado con la mismatanda de productos. El caso es que, enestado de shock, me dirigí al mostrador con mis manos rebosantes de frascos ycajas, y cuando la farmacéutica, nada sorprendida porque mi consulta gratuitaacabase ante la caja registradora, me reveló el precio de la fiesta, niexprimiendo mi cartera pude obtener unidades monetarias de curso legal ennúmero suficiente como para amortizar la cuenta; por suerte, aunque sólo llevaba para pagar elchampú y las vitaminas, tuvieron a bien fiarme la loción.

De camino hacia micasa, la bolsa que contenía las tres piedras filosofales para la testa mepesaba una tonelada. Tantas y tantasvueltas le estaba dando a lo que acababa de hacer, que me empecé a sentirmareado. Sesenta euros invertidos entres fármacos que duraban cada uno un mes, presuponían una sangría de sesentaeuros mensuales, además del hábito irrenunciable de ingerir una pastilla al día(afortunadamente, aún no tomo ninguna) y el (maloliente) compromiso de lavar elpelo sólo dos veces por semana. Demasiadossacrificios, y, pensándolo bien, al dictado no de un médico especialista, sinode una comercial de una empresa químico-farmacéutica, cuya prioridad no eramejorar mi salud capilar… sino aumentarsu cuenta de beneficios.

Al día siguiente, mepresenté de nuevo en la Farmacia, y le indiqué a la boticaria mi decisión dedevolver los milagrosos remedios y no acudir a más consultas. No me puso ninguna pega, me tomó los tresproductos, me restituyó el dinero y, a continuación, me vengué de Rougj-No-Sé-Quévolviendo a comprar mi entrañable Klorane a la Quinina. La alopecia no se me va a curar, pero tampocome voy a arruinar al tiempo que otros se enriquecen gracias a la ingenuidad deun pardillo que olvidó que para solucionar cualquier mínimo problema de salud,lo ideal es acudir primero al galeno titulado.

Cine actualidad/ "J. EDGAR"

2012-02-01T23:34:00.001+01:00

Testigoy guardián del siglo XX

A punto de cumplir 82 años, elviejo cowboy Clint Eastwood sigue cabalgando y casi en plena forma, dándonos,éso sí, una de cal y una de arena, rasgo característico de su carrera comodirector. Tras las endebles "Másallá de la vida" e "Invictus" regresa a la dirección con"J. Edgar", biopic del famoso director del FBI, J. Edgar Hoover.

John Edgar Hoover, al que da vidaLeonardo Di Caprio, dirigió con mano de hierro la Federal Bureau of Investigation(Ojavascript:void(0)ficina Federal de Investigación), más conocida por sus siglas, F.B.I., lacual se creó, ya con él como cabeza visible, en el año 1924. Desde entonces y hasta el final de sus días,lidió con comunistas, gangsters, secuestradores, terroristas, enemigos deAmérica en general y con hasta siete presidentes, a los que tenía poco menosque amedrentados gracias a la información confidencial que poseía sobre cadauno de ellos. Sin embargo, su vidapersonal no fue en absoluto dichosa. Bajo la falda de su madre dominante, no llegó a casarse nunca, y supertinaz y recalcitrante soltería dio pie a no pocas especulaciones sobre suorientación sexual. "J.Edgar", la película, con guión a cargo de Dustin Lance Black, pasa revistaa 50 años de historia de los USA tomando a Hoover ya sea como protagonista ocomo testigo de la acción, centrándose especialmente en cuatro momentos: los agitados años 20 (con el pánico a losagitadores comunistas), la época de la Depresión (los años de mayor auge delgangsterismo, así como el secuestro del hijo del aviador Charles Lindbergh), lapresidencia de John Fitzgerald Kennedy y la llegada al poder de Richard Nixon,que coincidió con el final de su trayectoria vital. Tomando como excusa la redacción de un librobiográfico, Hoover rememora su juventud y madurez, narrando a su manera lossucesos de los que fue partícipe pero omitiendo los entresijos de su relacióncon el hombre y la mujer que nunca le abandonaron: su íntimo amigo y lugarteniente Clyde Tolson(Armie Hammer) y su leal secretaria Helen Gandy (Naomi Watts). Según el guión de Dustin Lance Black, Hoovery Tolson no sólo vivieron un romance platónico sino que formaron una pareja dehecho bien avenida; si llegaron aconsumar o no tan duradero amor no es exteriorizado por el guionista y eldirector, que se quedan en el plano sutil de las miradas, las cariciascontenidas y los apretones de mano. Encualquier caso, de las propias palabras de los personajes se desprende queellos mismos lucharon con todas sus fuerzas contra sus propios sentimientos,tan arraigada estaba su convicción de que la homosexualidad era pecaminosa yantinatural.

A diferencia de lo sucedido en"La dama de hierro", donde la acción se narraba de atrás haciadelante y de delante hacia atrás, alternando diversas épocas sin orden niconcierto, "J. Edgar" sí logra un equilibrio dramático en suplasmación de los últimos tiempos de Hoover, cuyos recuerdos se visualizan amodo de ordenados flashbacks. Técnicamente,Eastwood ha bebido en sus propias fuentes (la no nunca bien ponderada “Elintercambio”, que me encantó) y ha sabido recrear medio siglo de historia ehisteria estadounidense con un gusto exquisito, cuidando especialmente elvestuario y la fotografía. Sobre elmaquillaje, nominado al Oscar, no entiendo muy bien por qué están tan logradaslas caracterizaciones de Leonardo Di Caprio y Naomi Watts, pero, por elcontrario, la de Armie Hammer ha quedado tan artificial y tan ridícula, como siel maquillador estuviese ocupado y hubiese delegado en el último aprendizrecién llegado.

Sin ser su mejor trabajo, locierto es que la interpretación de Leonardo Di Caprio es correcta como decostumbre, demostrando por qué es uno de los actores más requeridos delHollywood actual, y, desde luego, el que mejor elige sus trabajos. Naomi Watts continúa explorando con éxito suvena dramática, Armie Hammer parece un poco perdido como si ni siquiera elpropio actor entendiera realmente la orientación sexual de su personaje y lagran Judi Dench se luce, como en ella es habitual, incorporando a la posesivamadre del protagonista. Como curiosidad,la participación en papeles muy breves de Dermot Mulroney ("La boda de mimejor amigo"), Josh Lucas ("Poseidón") y Lea Thompson("Regreso al futuro"), ésta última simplemente irreconocible.

Luis Campoy

Lo mejor: la fotografía y la ambientación

Lo peor: el maquillaje de Armie Hammer

El cruce: "El intercambio" + "Enemigos públicos" +"Watchmen"

Calificación: 8 (sobre 10)

Cine actualidad/ "LOS DESCENDIENTES"

2012-01-24T17:00:00.002+01:00

Muertey paternidad

Los Globos de Oro obtenidos lasemana pasada (Mejor Película Dramática y Mejor Actor Dramático: George Clooney), así como un rosario dedistinciones y el beneplácito de la crítica internacional, convierten a"Los descendientes" en una clara favorita para alzarse con alguna desus cinco nominaciones al Oscar el próximo mes de Febrero. Pero ¿de dónde desciende "Losdescendientes"…?

El origen del fenómeno estriba enuna historia corta titulada "The minor wars" ("Las guerras menores")perteneciente a un libro de relatos publicado como "House of thieves"("Casa de ladrones") y que, posteriormente fue reconvertida en novelade longitud convencional por la propia autora, Kaui Hart Hemmings, pasando aretitularse "The descendants", ésto es, "Losdescendientes". La historia,ambientada en un entorno paradisíaco (las islas que conforman el archipiélagode Hawai), sigue de cerca a Matt King, un abogado cuya esposa ha quedado encoma vegetativo a causa de un accidente sufrido cuando practicaba esquíacuático. A Matt se le cae el mundoencima. De repente, se da cuenta de que,absorto permanentemente en su trabajo, apenas tiene contacto afectivo con susdos hijas, además de lo cual descubre que su mujer le estaba siendoinfiel. Para acabar de complicar laagobiante situación, sus primos le presionan para que tome una decisión sobrela venta de unos terrenos en la paradisíaca isla de Kauai, terrenos que segúnla nueva legislación y a pesar de la existencia de un fideicomiso, no pueden conservarni aun siendo los legítimos descendientes de los reyes aborígenes hawaianos...

Como dice la voz en off delprotagonista nada más comenzar la acción, todos pensamos que en las islas Hawaitodo el mundo se pasa la vida tomando el sol y haciendo surf, sin darnos cuentade que, bajo aquel sol tropical, la gente vive y muere, ama y sufre exactamenteigual que en cualquier parte. Tópicosaparte, "Los descendientes" manifiesta una serie de temas a cada cuálmás interesante (el distanciamiento entre padres e hijos, la infidelidad, laeutanasia, la ruptura de la unidad familiar, la invasión de la Naturaleza porla especulación inmobiliaria), y lo hace combinando hábilmente el drama y lacomedia. Siempre suelo decir que lo másdifícil de este subgénero que podríamos llamar "tragicomedia" esconseguir el equilibrio entre los elementos hilarantes y dramáticos, transmitiral espectador la sensación de que, en los momentos tristes, puede permitirsellorar, porque, en la escena siguiente, se le va a brindar la oportunidad dereir. "Los descendientes"consigue este equilibrio merced a la acertada dirección de Alexander Payne(autor de "Entre copas"), que se limita a colocar la cámara y dejarque un grupo de actores en estado de gracia se desahoguen frente a ella. El mérito de la composición de George Clooneyestriba en que, aunque todos conocemos su temperamento real, su faceta deindómito soltero de oro, su activismo izquierdista, nos lo creemos a piesjuntillas cuando interpreta a un pobre hombre traicionado por su esposa,ignorado por sus hijas y sobrepasado por sus responsabilidadeseconómico-familiares. Muy preciso eltrabajo de Clooney, no sería de extrañar que se alzara con el Oscar. Los demás personajes también están muy bienretratados: la hija traumatizada por latemprana ausencia de la madre, la hija adolescente concienciada, el yernocachondo, los amigos partidistas, los suegros doloridos, los primos chupópterose incluso el amante avergonzado. Enapenas unos segundos, ya sabemos de qué pie cojea cada uno, somos capaces deintuir cómo va a reaccionar ante cada situación. Naturalmente, ésto se logra merced a una grandirección de actores, y a unos intérpretes que, sin robarle el protagonismo ala estrella, cumplen a la perfección. Destacan por méritos propios el veterano Robert Forster (el suegrogolpeador) y la joven Shailene Woodley, que no sólo posée el físico de unalibidinosa Lolita sino también el talento de una verdadera actriz en ciernes.

Rodada a caballo entre Honolulú yla maravillosa Kaui (bellísima isla en la que se filmaron películas como el"King Kong" de 1976), "Los descendientes" conmueve yentretiene a partes iguales, y consigue humanizar a una de las estrellas máspoderosas de la Meca del Cine, el galán arquetípico por excelencia, GeorgeClooney. Por cierto que tanto se lehumaniza que hasta se le ridiculiza un poco, ¿o no es ridículo que su esposa leengañara con el impresentable Shaggy de "Scooby Doo", el gesticulanteMatthew Lillard? Otra curiosidad podríaser la presencia de Beau Bridges, cuyo hermano Jeff fue el protagonista de laversión de "King Kong" también rodada en la isla. En fin, si conseguimos empatizar con elprotagonista y entender y aceptar sus planteamientos vitales (ese empeño quepodría parecer absurdo por conocer al amante de su mujer), podríamos concluirque "Los descendientes" es una auténtica delicia y terreno abonadopara la proliferación de Oscars.

Luis Campoy

Lo mejor: George Clooney, la fotografía, los paisajes

Lo peor: la música incidental, machacona y agobiante, una sobredosis de folklorehawaiano

El cruce: "Mi vida es mía" + "Escala en Hawai" + "Mipadre, mi héroe"

Calificación: 8,5 (sobre 10)

Cine actualidad/ "MILLENNIUM: Los hombres que no amaban a las mujeres"

2012-01-23T18:21:00.001+01:00

Morboen la nieve

Suenan los primeros acordes de"Immigrant Song" de Led Zeppelin, en una versión más salvaje y másrítmica. Mikael Blomkvist, famosoperiodista curtido en mil batallas, ha salido mal parado en un juicio por habertratado de revelar una serie de informaciones acerca de un poderoso empresariocorrupto. Apartado de la carreraperiodística, Blomkvist recibe un curioso encargo: escribir las memorias del ya anciano HenrikVanger, antaño uno de los hombres más poderosos de Suecia. Pero lo que a Vanger en realidad le interesa,va mucho más allá de poner en orden sus recuerdos. Lo que espera que Mikael consiga esdesentrañar el misterio de la desaparición y asesinato de su joven sobrinaHarriet, acaecida cuarenta años atrás. Sin nada mejor que hacer, Blomkvist acepta el encargo y se traslada avivir de Estocolmo a la nevada localidad de Hedestad, donde los Vanger, un clanparticularmente antipático (algunos fueron nazis y los que no, se odian amuerte los unos a los otros), no le ayudan demasiado en su investigación. Necesitado de un ayudante, Mikael pide lacolaboración de la escurridiza Lisbeth Salander, una joven hacker cubierta depiercings y tatuajes, quien acaba de tener un mal encuentro con su nuevo tutorlegal. Lisbeth, que de niña fueinternada en diversas instituciones psiquiátricas tras haber tratado de quemarvivo a su padrastro, es una muchacha retraída e insociable, pero posée unamemoria fotográfica, una inteligencia superior y una habilidad única para lainformática. Juntos, Blomkvist ySalander se pondrán manos a la obra para desentrañar un misterio que resultaser muchísimo más turbio y apasionante de lo que se pensaban.....

Este podría ser, a grandes rasgos,el argumento tanto de la celebradísima novela de Stieg Larsson"Millennium: Los hombres que noamaban a las mujeres" como de su versión televisiva sueca (estrenada aquíen salas de cine) y, obviamente, de la reciente adaptación cinematográfica queacaba de aterrizar en nuestras salas proveniente de los Estados Unidos. Supongo que todos nos preguntamos si eranecesario realizar una nueva versión de una película que se estrenó hace apenastres años, y, para entenderlo, hay que conocer la pereza o la soberbia delpúblico estadounidense, incapaz de aceptar un film europeo plagado de molestossubtítulos. El éxito de las novelas deLarsson ha sido poco menos que universal, y lo más triste es que el infortunadoautor no pudo disfrutarlo, ya que falleció de un infarto poco después deentregar el borrador de la tercera parte la trilogía, y antes de que la primerase convirtiera en el fenómeno universal que le habría de inmortalizar. El caso es que un libro tan famoso no podíaquedarse sin su adaptación a cargo de Hollywood, y la suerte que hemos tenidoha sido que el director asignado al proyecto ha sido nada menos que DavidFincher, realizador de las magníficas "Seven", "Zodiac", "Elcurioso caso de Benjamin Button" y “La red social”. Enamorado de los relatos de Larsson, Fincherha recurrido a uno de los mejores guionistas actuales, Steven Zaillian, con unaindicación de partida extremadamente clara: la acción debía seguir transcurriendo en Suecia. Todos los remakes de títulos foráneos queacomete el cine norteamericano suelen trasladarse a Nueva York o Chicago, perola complejidad de las subtramas y la incidencia del paisaje aconsejaban en estecaso que los nuevos Mikael y Lisbeth siguiesen operando en las gélidas tierrassuecas.

Como quiera que las comparacionesson tan odiosas como inevitables, hay que reconocer que el guión y laambientación de la "copia" estadounidense no difieren mucho de losque poseía la primera versión sueca, que dirigió con indudable corrección NielsArden Oplev. El interrés para loscinéfilos residía en comprobar cómo visualizaría la historia el señor Fincher,uno de los directores más dotados para el suspense y la fantasía, y quiénesserían los actores a cargo de los papeles principales. Para encarnar al periodista Mikael Blomkvist(a quien, obviamente, al seguir siendo sueco, no se le ha cambiado el nombrepor una americanada del tipo "Michael Bloomfish") se ha elegido nadamenos que a Daniel Craig, el actual James Bond, que recientemente (en"Detrás de las paredes") había demostrado que sabe actuar sin portarsmoking ni una Walther PPK. Lo másmorboso era encontrar a una Lisbeth Salander que lograra hacer olvidar a laexcelente Noomi Rapace, que en la versión anterior había logrado lo que parecíaimposible: convencer a casi todo elmundo. Sobre Rooney Mara, la Salander deDavid Fincher, sólo se me ocurren un par de pegas: es demasaido esbelta, es demasiadoguapa. Si mal no recuerdo, en los librosno dejaba de repetirse que la primera impresión que Lisbeth causaba era la de serun muchachito muy joven y asexuado, cosa que en este film no podríadecirse. Por lo demás, la joven Mara(vista en "La red social" o el remake de "Pesadilla en ElmStreet") cumple satisfactoriamente con su papel, aunque si dijera quecuaja una actuación deslumbrante, también estaría exagerando. Lo que sí me deslumbró fue la dirección deFincher, que, si bien mantiene Suecia como aparente epicentro del relato,consigue trasladar la acción a su propio universo de refinada maldad, iluminación desasosegante y fotografíasobrecogedora. Además, el montaje es deésos que no pasan inadvertidos: lasimágenes se suceden con una precisión y un ritmo que rozan la perfección. Fantástica puesta en escena de Fincher (yaintuída a partir de los magnéticos títulos de crédito iniciales), que casiconsigue que no nos demos cuenta de que muchos pasajes del guión son confusos oprecipitados, y sólo se enterarán de todo quienes hayan leído el libro o hayanvisto la peli sueca.

El reparto de secundarios tienealgo de cal y un poco de arena. Formidable la interpretación de Stellan Skarsgard y entrañable laaparición del veteranísimo Capitán Von Trapp de "Sonrisas ylágrimas", Christopher Plummer, pero sorprende que papeles importantescomo los de Dragan Armanskij, el jefe de Lisbeth, y el abogado Nils Bjurman, eltutor que la viola brutalmente, hayan recaído en actores tan grises y sososcomo Goran Visnjic y Yorick Van Wageningen, respectivamente. Será porque con esos nombres tan poco yanquiscubren el cupo europeísta de la función......

Luis Campoy

Lo mejor: la puesta en escena, el montaje, los títulos de crédito, Rooney Mara,Stellan Skarsgard

Lo peor: el afán de mantener demasiadas partes del libro hace que la tramaresulte un poco confusa en algunos momentos

El cruce: "Zodiac" + "La zona muerta" + "Atrapado en eltiempo"

Calificación: 9 (sobre 10)

Un globo, dos globos, tres globos... de oro

2012-01-16T22:58:00.001+01:00

El palmarés de los Globos de Oro entregados anoche ha dejado bastante claro que las películas favoritas a arrasar en la próxima entrega de los Oscar son "The Artist" y "Los descendientes". Recordemos que dichos galardones los otorga la Asociación de la Prensa Extranjera destacada en Hollywood y, durante muchos años, se les ha venido considerando algo así como el termómetro que medía la temperatura del sobaco del guerrero calvo, desnudo y dorado.

El presentador de la velada, el británico Ricky Gervais (que el año pasado montó un cirio descomunal al burlarse cínicamente de todo bicho viviente) ha estado bastante más comedido que en 2011, y sólo se ha permitido unas pocas bromas hirientes (como la despachada a Madonna, quien, como luego comentaremos, tampoco se mordió la lengua), procurando, éso sí, mantener un ritmo entretenido. Nuestro Pedro Almodóvar se ha venido de vacío con "La piel que habito", siendo derrotado por la iraní "Nader y Simin, una separación". Los que se han atiborrado a bolas del mundo han sido, como decía al principio, los films dirigidos por Michel Hazanavicius y Alexander Payne, aunque ellos, personalmente, no han alzado ninguna. La Mejor Película Dramática ha sido "Los Descendientes" y el mejor film de comedia, "The Artist", aunque habrá que ver lo que sucede cuando en los Oscar, donde no hay desdoblamiento en estas categorías, ambas vuelvan a enfrentarse. Quizás para no contrariar a ninguno de sus realizadores, el ganador del Globo ha sido el veterano Martin Scorsese por "La invención de Hugo", cuyo trailer es, francamente, una preciosidad. Meryl Streep confirma los pronósticos llevándose el reconocimiento como Mejor Actriz Dramática por "La Dama de Hierro", y Michelle Williams derrota a mi favorita, Kristen "La boda de mi mejor amiga" Wiig, con su recreación de Marilyn Monroe en "Mi semana con Marilyn" en la sección de Comedia o Musical. El Mejor Actor de Drama ha sido, ¿cómo no?, George Clooney por "Los descendientes", y su contrapartida “cómica” ha recaído en Jean Dujardin por "The Artist". Para la estupenda "Criadas y señoras" un premio de consolación, el de Mejor Actriz Secundaria para Octavia Spencer (su compañera Jessica Chastain lo hubiera merecido tanto o más), y el ya anciano Coronel Von Trapp de "Sonrisas y lágrimas", Christopher Plummer, ha sido Mejor Actor de Reparto gracias a "Principiantes". Woody Allen reverdece viejos laureles con su guión para "Midnight in Paris" (que también competirá en los Goya, por haber sido financiada parcialmente con capital español), y el poco conocido Ludovic Bource fue laureado como mejor compositor por la banda sonora de "The Artist". El Mejor Film Animado del año no ha sido, como viene siendo habitual, la producción Pixar/Disney de turno (este año "Cars 2" no convenció a casi nadie), sino "Las aventuras de Tintín" de Steven Spielberg (cuya "War horse", "Caballo de batalla" en español, me interesa mucho más). Como anécdota, citar la ácida respuesta de Madonna al chistecito de turno de Ricky Gervais, que esta vez se había burlado de los años transcurridos desde que la "Ambición Rubia" se hiciera famosa por su canción "Like a virgin" ("Como una virgen"). Madonna, mientras pronunciaba su discurso al recoger el Globo de Oro por la mejor canción, "Masterpiece", perteneciente a su película "W.E.", replicó a Gervais: "Ricky, si te sigo pareciendo una virgen, ¿por qué no vienes y haces algo al respecto? Yo hace años que no beso a una mujer, al menos no en televisión". Sobran comentarios... En cuanto al apartado televisivo, premios para "Homeland", "Modern Family", “Downton Abbey" (que aquí emite Antena 3), Kelsey Grammer, Laura Dern, Matt LeBlanc, Claire Danes, y las famosas Jessica Lange y Kate Winslet, cuyo "Titanic", por cierto, volverá a navegar (y a hundirse) en Abril, esta vez tridimensionalizado...

CRÍTICAS PENDIENTES (Parte II)

2012-01-13T21:06:00.001+01:00

Como el tiempo pasa inexorable ycada vez se me van quedando más adormecidos los recuerdos de tantas películasde las que no había podido hablar, voy a pergeñar otra tanda de mini dosis conla que despachar lo pasado para ir abriendo camino a lo futuro.

ASESINOS DE ÉLITE

No sé bien por qué fui a ver estapelícula, que, en principio, como todas aquéllas en las que interviene JasonStatham, el Van Damme calvorota de nuestros días, no me parecía nadainteresante.... a no ser por la presenciade Robert De Niro. Claro que hay quereconocer que tampoco De Niro se caracteriza por escoger demasiado bien sustrabajos, y en esta última década parece fijarse más en la cuantía del chequeque en la calidad de los guiones. "Asesinos de élite" no es una excepción. En ella se produce una evidente luchainterna, como si la narración esteticista quisiera reivindicarse más allá deltosco guión que bebe indisimuladamente de Le Carré, pero al final todo queda enun quiero y no puedo, "El topo" fotografiada al estilo "Resacónen Las Vegas". Extraña mixtura deinterpretaciones que no casan entre sí (parece que haya tres directoresdiferentes, uno para De Niro, otro para Statham y un tercero para Clive Owen),un par de buenas secuencias de acción… yla sensación de una ocasión desperdiciada. Calificación: 6,5 (sobre 10)

UN GOLPE DE ALTURA

Fue durante el rodaje de estapelícula cuando empezó a fraguarse el varapalo que la organización de lainminente ceremonia de entrega de los Oscar sufrió hace unos meses. Brett Ratner, el responsable de la repelentesaga "Hora punta" y de las reivindicables "Dragón rojo" y"X-Men III" dirige a Eddie Murphy (presentador dimisionario) y a unelenco fabuloso en el que están Ben Stiller, Alan Alda, Matthew Broderick,Michael Peña, Tea Leoni, Casey Affleck o Gabourey "Precious"Sidibe. Es cierto que con tal reparto sepodía haber construído un espectáculo aún más divertido, pero uno tiene sucorazoncito y las reminiscencias a Buster Keaton y a Frank Capra son deagradecer. Simpática y familiar, que yaes bastante. Calificación: 7 (sobre 10).

EL GATO CON BOTAS

Un "spin-off" es una derivación,una secuela indirecta o parcial, una prolongación sesgada de una historia,protagonizada no por todos sino por alguno de los personajes que aparecían en eltítulo original. Así, podría decirse quela serie "Frasier" era un spin-off de "Cheers","Aida" lo fue de "Siete vidas"... y ahora, "El gato con botas" lo esde la franquicia, ya agotada, de "Shrek". Antonio Banderas logra su mejorinterpretación en años (en gran parte porque sólo se le oye) volviendo aincorporar a un espadachín felino que a veces parece mosquetero y a veces elZorro al que el propio actor malagueño dio vida años atrás. Si no fuese por dos o tres secuencias untanto sobredimensionadas (en tiempo y en cursilería), estaríamos hablando deuna gran película de animación sin paliativos. Pero ¿qué diablos?, el humor cómplice, la acción espectacular y eseguiño chicano al spaghetti-western de toda la vida, se merecen el enorme éxitoque han cosechado. Calificación: 8,5 (sobre 10).

CRIADAS Y SEÑORAS

Casi se me escapa estainteresante película, que en Lorca permaneció algunas semanas como detapadillo, confinada en el pase de las diez de la noche. En la línea de "Imitación a lavida" o "Paseando a Miss Daisy", esta sorprendente cinta que hadirigido Tate Taylor nos traslada a la Norteamérica sureña de los años 50 delpasado siglo, para narrarnos la pequeña gran historia de las criadas negrasque, descendientes de las esclavas que criaban a las rancias señoritingasblancas de las plantaciones sudistas, empiezan a rebelarse contra la opresiónde sus patronos (bueno, sobre todo de sus patronas). Fotografía, vestuario y ambientaciónexquisitos y estupendas actuaciones de Emma Stone, Bryce Dallas Howard y la yaveterana Sissy "Carrie" Spacek, que, sin embargo, palidecen ante lasfabulosas Viola Davis, Jessica Chastain y Octavia Spencer, cualquiera de lastres susceptible de alzarse con algún Oscar interpretativo. Calificación: 9 (sobre 10).

UN MÉTODO PELIGROSO

Nunca he sido muy fan de DavidCronenberg, cuyos films setenteros llenos de violencia gore me produjeron uncierto repelús del que jamás me he recuperado del todo. Con todo, sus grandes obras"serias" ("La mosca", "Inseparables", "M.Butterfly", "Una historia de violencia") le otorgaban el créditosuficiente como para hacerme acudir a ver sus últimos trabajos, la estupenda"Promesas del Este" y esta nueva "Un método peligroso". Con un plantel de actores irrenunciable (elubicuo y ascendente Michael Fassbender, el cada vez más maduro y competenteViggo Mortensen, el enfant terrible Vincent Cassel y, ah, mi adorada KeiraKnightley), "Un método peligroso" cuenta los inicios delpsicoanálisis moderno, ejemplarizado en la relación profesional y afectivaentre Ersnt Jung (Fassbender) y Sigmund Freud (Mortensen), ambos fascinados poruna bella paciente (Knightley). Tantotrata Cronenberg de convertirse en director "formal" que factura unapelícula tan sosegada como tediosa, tan académica como soporífera. ¡Leñe, que me quedo, sin dudarlo, con"Una terapia peligrosa", con Billy Crystal y Robert De Niro!. Lo siento por el encomiable esfuerzo a cargodel trío protagonista, pero “Un método peligroso” me parece una de las mayoresdecepciones de estos últimos meses. Calificación: 6 (sobre 10).

DETRÁS DE LAS PAREDES

Algo en "Detrás de lasparedes" remite a otra época, a los años 70, la década de "LaProfecía", "La Centinela", "Al final de la escalera"y, por poco, no de "El resplandor" (esta última data de 1980, pero esque el cartel de "Detrás de las paredes" la homenajea de formainequívoca). Daniel "JamesBond" Craig y Rachel "Agora" Weisz se enamoraron rodando estahistoria de fantasmas que cuenta con un giro inesperado que lo cambiatodo. Claro que esos giros inesperados,para que funcionen, deben estar hacia el final de la película (véase "Elsexto sentido" o "Los otros"), y revelar las cartas a mitad delmetraje sólo hace que, durante media proyección, el espectador se limite acontemplar la acción con distanciamiento, suficiencia y bastante incredulidad. Buen trabajo de Craig y Weisz, desdibujadasaportaciones de Naomi Watts y Elias Koteas y una dirección absolutamenteimpersonal de Jim Sheridan. Vamos, quesi en los títulos de crédito no apareciera el nombre del director de "Mipie izquierdo", "En el nombre del padre" y "El prado",ni Dios se daría cuenta de que el antaño reivindicativo cineasta ha claudicadoante el totalitarismo hollywoodiense. Calificación: 6 (sobre 10).

Poco de arriba, bastante de los lados

2012-01-12T20:10:00.002+01:00

Hay actividades que unen a laspersonas.... y no, no me estoyrefiriendo a una unión física, marital o copulativa. Hablo de hacer algo a la misma vez, decompartir un momento que puede ser lúdico o simplemente necesario. En este último caso, soy de los que piensanque se puede convertir lo más intrascendente en inolvidable, a poco que uno seesfuerce. De cada nimiedad se puedeextraer una gotita de magia, y, para comprobarlo, sólo hay queproponérselo. Cuando yo era pequeño, mispadres me llevaban a la peluquería más renombrada de Alicante, y yo me quedabamuy quietecito mientras mi madre le indicaba al peluquero por dónde debíaatacar. Con el paso del tiempo, cuandome tocaba ir a pelarme, empecé a ir en compañía de mi padre, que, al fin y alcabo, era más susceptible de ser arreglado, simultáneamente, por el mismobarbero. Pero un día, coincidí con miamigo José Luis, y, a partir de ahí, estuvimos un tiempo pelándonos juntos (nola pava, evidentemente).

Cuando me desplacé a vivir a laregión de Murcia, aquella buena costumbre quedó también atrás, y, poco a poco ysin casi darme cuenta, acabé cayendo en las redes del buen Antonio, el barberosocialista de Lorca, que, por el mismo precio, te daba un pedazo de corte depelo y un sabroso mítin. Aún recuerdo suvehemencia, sus paradas, sus manos armadas de tijeras que gesticulaban en elaire... Luego, en el tiempo que viví enAlhama, puse mi menguante cuero cabelludo en manos del no menos carismáticoSebastián, en cuyo establecimiento no sólo se ponía uno al día del devenirpolítico o de los cotilleos de la localidad, sino que se podía disfrutar de susimpensados conocimientos artísticos, y es que cada cual invierte como quiere elfruto de su trabajo, y el lo hacía en pinturas de afamados artistas murcianos.

Hace 3 años retorné a Lorca (comoretorna la cigüeña al campanario, que diría Machado), y, cuando fui a buscar alviejo Antonio, en su viejo local ya no estaba él, sino su hijo. También yo empecé a ir con mi propio retoño,y es curioso cómo cada uno manifestamos nuestra idiosincrasia, nuestraadscripción a una edad cronológica ineludible. Yo me aferro a mi estilo clásico (que, dicho sea de paso, me vienecojonudamente a la hora de disimular los estragos de la herencia alopécica queme dejó mi padre), y mi zagal pide que le corten sus pelos de punta y se losengominen enhiestos hacia el cielo. Lomejor de todo es que, paradójicamente, ha cambiado la persona física que portael peine y la tijera, pero el estilo permanece inmutable, señal de que Antonioinculcó sabiamente su arte en la persona de su heredero. Lo que sí ha variado, y muy notoriamente, hasido el ambiente que se respira en el establecimiento. Mientras hace veinte años se hablabaapasionadamente de política, ahora la música es la banda sonora de cadapelada. Y no cualquier clase de música,sino ésa que no envejece: la Buena, asícon mayúsculas. Otros días, Tomás (asíse llama el joven barbero) se había descolgado con Pink Floyd o Dire Straits, eincluso una vez me dejó boquiabierto con una portentosa versión del"Wanderwall" de Oasis grabada en plan doméstico por un amiguetesuyo. Pero ayer se superó a símismo. Fuimos tres generaciones (mipadre, mi hijo y yo) quienes pudimos deleitarnos no sólo con la música sinotambién con las imágenes en movimiento de fabulosos conciertos a cargo deScorpions o Metallica, si bien a mí lo que me dejó cegado (¿o sería porque,cuando me pelo, me quito las gafas para permitir la maniobrabilidad delartesano?) fue una maravillosa interpretación del "Money for nothing"de Dire Straits a cargo de (siéntate para no desmayarte) Mark Knopfler en lavoz y la guitarra de acompañamiento, Sting en los coros, Eric Clapton en laguitarra solista y Phil Collins a la batería. ¡Menudo regalo para los oídos! Nada más llegar a casa, con el fríoentrándome por oquedades craneales que antes no tenía, me subí a la mula parabuscar tamaña obra de arte, que, por cierto, pertenece a un concierto benéficocelebrado en 1997 en el Royal Albert Hall londinense y que está editado bajo elepígrafe "Music for Montserrat". Así da gusto, pardiez. Te tomanel pelo y sales esquilado, pero, a cambio, ensanchas el espíritu con músicamaravillosa de la que, por cierto, ni mi hijo ni mi padre se quejaron (esteúltimo porque, el pobre, no sólo sufre de alopecia... sino también de algo desordera).

Críticas pendientes (Parte I)

2012-01-11T20:29:00.004+01:00

Sabido es por todos lo mucho queme gusta el Cine, entendido como entretenimiento, pero también comomanifestación cultural, como oasis de evasión e incluso como forma devida. Es por éso por lo que escribotanto sobre el Séptimo Arte, lo que, al fin y al cabo, me permite ser un poco partícipe deaquéllo que más me gusta. En estosúltimos tiempos, época convulsa por mil y una razones, he seguido viendo tantaspelículas como solía (aunque nunca tantas como quisiera), pero, lamentablemente,se me han ido quedando en el tintero tantas críticas que, llegado este momento, hedecidido despacharlas en pequeñas píldoras con tal de, al menos, tener laocasión de hablar un poquito sobre ellas. Así pues, paso breve revista a un torrente de títulos de los que no oshabía hablado hasta ahora, algunos ya relegados a un merecido olvido...

COWBOYS & ALIENS

Basada en un comic muy similar ensu planteamiento a "Alien Vs. Predator", la nueva película de JonFavreau, encumbrado por su muy correcta "Iron Man", cuenta con elmáximo aliciente de reunir a dos generaciones de galanes: el eterno Indiana Jones, Harrison Ford, y elactual James Bond, Daniel Craig. Sientocuriosidad por saber cómo habría sido este alien-western si se hubieraprescindido de los rupturistas e infantilizadores elementos fantásticos, perola verdad es que el componente extraterrestre estropea bastante el productofinal. Muy bien Craig y un poco perdidoFord, en un film de esos que se ven, se sufren con bastante decepción, seolvidan y luego no apetece mucho recordar. Calificación: 5 (sobre 10).

LA CARA OCULTA

Un thriller malsano ydesasosegante, insólita coproducción entre España y Colombia. El director y co-guionista Andrés Baiz escolombiano, y el reparto es mixto: QuimGutiérrez y Clara Lago (españoles) frente a Martina García (colombiana). Gutiérrez da vida a un poco creíble directorde orquesta, Lago es su esposa y García encarna a su amante. Jugosos desnudos que no vienen a cuento,escenas de sexo subiditas de tono y un desenlace casi, casi, sorprendente. El mundo visto desde detrás de un espejonunca había resultado tan tentador e inalcanzable. Calificación: 7 (sobre 10).

CON DERECHO A ROCE

Justin Timberlake, actor que,desde "La red social", está que no para, protagoniza junto a MilaKunis (la bella y sensual robaescenas de "Cisne negro") esta comediaalgo "picante" sobre la delicada y lubricada frontera entre laamistad y el sexo, y cómo de la mezcla de ellos puede llegar a surgir el amor. Para espectadores desinhibidos y preferiblementejóvenes. Lo mejor.... el trailer. Calificación: 6 (sobre 10).

LOS TRES MOSQUETEROS

D'Artagnan y sus inmortalesamigos creados por Alejandro Dumas cabalgan de nuevo, en una trepidanteaventura orquestada por un insospechado Paul W.S. Anderson, el director devarias entregas de la saga "Resident Evil". Todo el mundo se puso a temblar cuando sesupo que Anderson se iba a ocupar de esta enésima versión, pero el resultado noes malo del todo. Tampoco bueno,evidentemente, que se trata de un producto de acción para adolescentes, pero se agradece el respetosemántico a la filosofía del texto. Logan Lerman ("Percy Jackson y el Ladrón del Rayo") esD'Artagnan, Matthew MacFadyen ("Orgullo y Prejuicio") incorpora aAthos y, cómo no, la bella Mila Jovovich (heroína de "Resident Evil"y, ah, esposa del director) encarna (o "carnaliza") a Milady, con elgran Christopher Waltz divirtiéndose como el villano Richelieu y un ridículoOrlando Bloom caricaturizando al Duque de Buckingham. Ojalá alguien se decida alguna vez a realizarla gran película de historia, drama y aventura que Dumas se merece (lo másparecido que recuerdo, en cuanto a fidelidad al "tono" del original,sería "El hombre de la máscara de hierro", y aquélla, aun así, dejóbastante que desear). Calificación: 7 (sobre 10).

INTRUDERS

Lamento mucho decirlo, pero elmuy promocionado realizador tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo logró que unanoche de cine se convirtiera, al menos para mí, en un festival de ronquidos (ocasi). "Intruders" me parecióuna especie de tontorrón remake de la reciente "Insidious", con CliveOwen y Clarice Van Houten totalmente desperdiciados y una Pilar López de Ayalaque es lo mejor del film. Uno de losterrores más aburridos a los que me he enfrentado (el otro sería"Exorcista II: El Hereje",hace ya varias décadas). Calificación: 5,5 (sobre 10).

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS

Sin ser exactamente una granpelícula, un thriller de acción y ni siquiera un auténtico entretenimiento,este nuevo trabajo de Enrique Urbizu ("Tu novia está loca","Todo por la pasta" y "La caja 507") logra ser algo que sinduda es tanto o más importante: un filmde culto. Y si no, al tiempo. Un sobresaliente José Coronado consigue quesu Santos Trinidad se convierta en un icono del cine español, y, a pesar deltrasfondo poco edificante del personaje, hace que el espectador se quede conganas de más. ¿Qué tal una trilogíasobre tan carismático policía, o incluso una serie de televisión? Nominada a 12 premios Goya, con una estatuíllaque ya debe llevar grabado el nombre de Coronado. Calificación: 8 (sobre 10).

MIENTRAS DUERMES

A algunas películas se lesperdona todo... o casi todo. "Mientras duermes" (nada que vercon la pastelosa "Mientras dormías" de Sandra Bullock) tiene una realizacióntan poderosa y una interpretación de Luis Tosar, tan magnífica e impactante,que casi no nos damos cuenta de los absurdos que abundan en su guión. Tosar hace que su villano (un serdespreciable e injustificable) se erija en legítimo héroe de la función, hastael punto de que deseamos secretamente que sus muchas maldades quedenimpunes. Desde luego, a nadie le daninguna lástima que se cepille al antipático Alberto San Juan ni mucho menosque amedrente (sin hacerle daño, éso sí) a la repelente niña mimada quepretendía chantajearle. Ya hubieraquerido Hilary Swank (protagonista de "La víctima perfecta", queposée una temática semejante) ser incordiada por un malvado tan carismático. Calificación: 8,5 (sobre 10).

Cine actualidad/ "LA DAMA DE HIERRO"

2012-01-09T21:13:00.004+01:00

El ocaso de una dama oxidada

En un mundo aún más machista que el actual, Margaret Hilda Roberts, conocida como Margaret Thatcher tras su matrimoniocon el burócrata Denis Thatcher, dirigió el Partido Conservador británico apartir de 1975, y llegó a ser Primera Ministra de Inglaterra entre 1979 y 1990. Conocida por su terquedad y firmeza, no tardóen hacerse merecedora de un apodo que pronto dio la vuelta al mundo: “The Iron Lady" (“La Dama deHierro").

“La Dama de Hierro", la película, trata de ser una aproximación a lavida de la ex-mandataria, narrada de modo no lineal y justificando tal decisiónen el punto de partida: una Thatcher anciana y senil dejavolar su memoria, azuzada por el fantasma imaginario de su difunto maridoDenis. Así, lo mismo presenciamos cómo una Margaretadolescente abandona el hogar paterno, que la niñez de sus propios hijos; sus inicios como parlamentaria que los preliminares dela Guerra de las Malvinas. Naturalmente, el aliciente para elgran público no loconstituye el errático guión y ni siquiera la correcta y a veces imaginativapuesta en escena, sino la portentosa interpretación (otra más) de la simpar einsigne Meryl Streep. Streep ya había trabajado con ladirectora de “La Dama de Hierro", Phyllida Lloyd, en la triunfal “MammaMia", por lo que a nadie sorprende que una y otra se hayan buscadomutuamente para poner en marcha este nuevo largometraje.

El actual gobierno británico que preside David Cameron acaba de presentaruna queja formal no sólo por el contenido propiamente dicho del film, sino porla oportunidad de estrenarlo precisamente ahora, cuando Thatcher todavía vive ysu salud mental actual queda frágilmente retratada. Desde mi punto de vista, el problema de"La Dama de Hierro" no tiene que ver con su inoportunidad odiscutible falta de respeto, sino con su propia construcción narrativa. Una historia como la de la homenajeada no sólopierde fuerza dramática si empieza a ser contada desde la senectud, sino que elhecho de alternar, sin orden ni concierto, los diferentes momentos temporales,acaba no sólo por cansar sino por aburrir, algo impensable durante los primerosy afortunados diez o quince minutos. Por otra parte, los sucesos másarraigados en nuestra memoria (los atentados del IRA, la contienda de lasMalvinas, la forzada renuncia) son tratados con excesiva ligereza o desligados de contexto, de modoque su impacto emocional es casi nulo. Ante un guión tan desenfocado, de poco sirvenlas virguerías visuales de Phillida Lloyd (ese ocurrente plano cenital deThatcher vestida de azul desfilando entre una barahúnda de hombres ataviados denegro), y solamente las interpretaciones y, sí, también el maquillaje y lapeluquería, no defraudan. Jim Broadbent encarnando a DenisThatcher resulta divertido y entrañable, pero es que lo de Meryl Streep notiene otro calificativo que un nombre propio: Oscar.

Luis Campoy

Lo mejor: Meryl Streep, la puesta en escena

Lo peor: el guión, anacrónico y demasiado superficial

El cruce: "LaReina" + "Love Actually" + "Amadeus"

Calificación: 7 (sobre 10)

Política, ¿drama o comedia?

2012-01-04T21:36:00.003+01:00

Jamás un Gobierno había soliviantado, contrariado odecepcionado tanto a tanta gente en tan poco tiempo. Desde luego, los recién llegados cuentan contodo tipo de coartadas con las que justificar la plataforma de medidasim-populares que han adoptado..... y las que están por venir... pero ¿acaso no se imaginaban, siquiera aproximadamente,lo que se iban a encontrar cuando abriesen los cajones, cuadrasen los balances,desclasificasen los documentos y mirasen bajo las alfombras? Todas las promesas y todas las insinuacionesvertidas en campaña (“No habrá subida de impuestos”, “Quizás se modifique laLey Anti Tabaco”…) se han quedado en nada, en absolutamente nada, arrastradaspor el torrente del olvido prematuro. Repito: yo y todos entendemos quela cosa está chunga y que Merkel y Sarkozy están muy pero que muyrequetependientes de los primeros pasos de los Rajoy Boys, pero está muy feo prometerlo que se intuye que no se va a cumplir.

No les arriendo la ganancia a los recién llegados, porque está claro quesi quieren reducir el déficit, bajar la prima de riesgo y sanear los mercados,van a tener que contratar a Eduardo Manostijeras y a toda su afiladacasta. Claro que ¿recortar dedónde? El copago sanitario y el cierrede algunos centros de acogida (de momento, sólo en Cataluña) o la congelaciónsalarial para los funcionarios son sólo la punta del iceberg, y ya se habla deuna reforma laboral traumática, insinuando que es mejor que todos lostrabajadores nos sacrifiquemos un poco (es decir, aceptemos cobrar menos a finde mes) con tal de que no se les conceda a los empresarios el despido libre ydespendolado. Y nosotros, los pobresespañolitos, aquí tragando como borreguitos idiotas. Pero vamos a ver, señor Rajoy, ¿no está deacuerdo en que antes, mucho antes de bajarle el sueldo a un solo trabajador,habría que bajárselo al Rey, a la Reina, al Príncipe, a las Infantas, a losMinistros, a los Directores Generales, a los Subsecretarios, a los PresidentesAutonómicos, a los Consejeros y Consellers y a los chupópteros burocráticos engeneral? ¿Cómo se atreven a anunciarrecortes cuando ellos no se privan de nada, cuando siguen disfrutando delujosísimos coches oficiales, de injustificables gastos de representación? ¿Hay derecho a que a mí (o a ti) nos pretendanbajar el sueldo, mientras los exPresidentes cobran una pensión vitalicia delcopón, como premio a sus “leales” servicios a la Patria? Parece mentira que en plena Era de laIndignación estemos dispuestos a callarnos estas cosas y muchas otras, pero asísomos y así nos va… La Generalitat de ArturMas tiene muy claro lo que debe hacer: apretarleel torniquete a la clase trabajadora con tal de mantener abiertas las embajadasde Catalunya orbi et orbe, no sea que pudieran acusarles de perder su seny y suidentidad. En Valencia, mientras Campsno le pagaba un traje ni al Sastrecillo Valiente, su Comunitat se convertía enla más deudora y endeudada de España. IñakiUrdangarín sigue disfrutando de un estilo de vida principesco en tanto encuanto no se pueda demostrar palmariamente lo que todos sabemos: que robó hasta las huchas de sus hijos,amparándose en el tirón popular de su real matrimonio y en su tierna jeta deniño bueno. Pero consolémonos: no estamos solos… En Rusia, esos pobres hijos de Putin lloraninútilmente pidiendo la repetición de las elecciones; en Italia, han dejado a la mitad de las meretricessin trabajo al promover la marcha de Berlusconi; en Venezuela, Chávez acusa al Demonio Yanquide infectar de cáncer a todos los políticos sudamericanos de izquierdas; en Siria tienen más misiles que libros escolares, y en Corea del Norte, el Querido Líder Kim Jong-unsucede al Querido Líder Kim Jong-il ante la histeria del populacho que sabe quees mejor llorar ante las cámaras de televisión que en las cámaras de tortura dela policía militar. Menos mal que vamosa tener cuatro años más de bucólica e inspiradora democracia estadounidense,porque con rivales tan poco amedrentadores como los que escupen los caucus republicanos(Romney, Santorum o Paul, a cada cual más impresentable), Obama tiene lareelección asegurada.

Cine actualidad/ "LA CONSPIRACIÓN"

2012-01-03T20:22:00.003+01:00

Condenada sin remisión

Abraham Lincoln, el decimosexto presidente de los EstadosUnidos de América, el que dirigía los destinos del Norte republicano durante laGuerra Civil, el que abolió la esclavitud en el Sur sin ni siquiera haberacabado la contienda, fue asesinado por un actor de ideología sudista, JohnWilkes Booth, mientras presenciaba una representación en el Teatro Ford deWashington, el Viernes Santo de 1865. Booth fue localizado y abatido muy pronto,pero estaba claro que no había actuado solo, de modo que los otros conspiradores(incluyendo a la madre viuda de uno de ellos, Mary Surratt) fueron perseguidos,capturados, juzgados, condenados y ejecutados sin piedad alguna, en un procesosumarísimo que quiso ser tan implacable como ejemplar.

“La conspiración", la nueva película como director delya septuagenario galán Robert Redford, reconstruye los sucesos arribamencionados, centrándose en la figura de Mary Surratt y la de Frederick Aiken,el abogado a cargo de su defensa. Redford, de reconocida ideología liberal,aprovecha el guión de James D. Solomon para trazar evidentes paralelismos conla actualidad: incluso en el paíssupuestamente más democrático de la Tierra, ante un suceso detrascendencia capital (el magnidicio de Lincoln, el 11-S), la Justicia actúa demodo cruel, despiadado y vengativo para con los teóricos criminales, violandoel derecho elemental a la presunción de inocencia. En más de un momento, se siente sobrevolar elfantasma de Guantánamo, con esos prisioneros encadenados y encapuchados a losque se condena en base a pruebas circunstanciales y sin permitirles una defensacon probabilidades reales de salvación. Quizá,sólo quizá, se le haya ido un poco la mano a Redford a la hora de presentar alos militares yanquis y a toda la malherida sociedad nordista como los villanosde la función. Por lo demás, “Laconspiración” sorprende por su sobria puesta en escena y maravilla por suacabado preciosista. Los decorados yvestuario son impecables y la música de Mark Isham resulta de lo más apropiada,pero la fotografía se erige en auténtica obra de arte. El operador Newton Thomas Sigel (iluminadortambién de la muy apetecible “Drive”, que me temo que tampoco vamos a poderdisfrutar en Lorca) nos presenta uno de los estudios sobre la luz másfascinantes que se han visto en los últimos años, aportando una visualizaciónúnica de tan convulso período histórico.

En el terreno actoral, James McAvoy (visto en “El último Reyde Escocia”, “Wanted” o la reciente “X-Men: Primera generación”) estásimplemente cumplidor, pero quien se lleva el gato al agua con unainterpretación inolvidable es Robin Wright (ex novia de Forrest Gump y ex mujerde Sean Penn). Ya quisiera yo ver adivas como Angelina Jolie realizando un papel así: dramático y desgarrador y sin absolutamenteuna gota de maquillaje, con ojeras y arrugas y una pátina inconfundible deautenticidad. También aparecen unantipático Kevin Kline, un amenazador Danny Huston y el fabuloso y cada vez mássolicitado Tom Wilkinson, que se está hinchando a hacer secundarios de lujo comosi de un Gene Hackman o un Robert Duvall se tratara.

La floja carrera comercial de “La conspiración” debe seratribuída a su condición de película “seria” y a su pésima campaña depromoción, pero os aseguro que resulta conmovedora y que sus 122 minutos sepasan en un suspiro.

Luis Campoy

Lo mejor: eltratamiento de la luz, la composición de Robin Wright

Lo peor: elmaniqueísmo de algunos pasajes, la mala elección de ciertos actores secundarios

El cruce: “Tiemposde gloria” + “Algunos hombres buenos” + “El intercambio”

Calificación: 8 (sobre 10)

El peor año de mi vida

2012-01-02T18:09:00.001+01:00

El 2011 ya es historia... gracias a Dios. Por mi parte, lo voy a recordar como el peoraño de mi vida, y mira que he vivido algunos malos....

Empezó con mal pie, o, mejordicho, mal brazo, el de mi madre, que arrancó convaleciente de su rotura decodo, todavía curándose bajo una aparatosa escayola. Nada más liberarse de esa incómoda prisión deyeso, le cedió el testigo del infortunio a mi padre, que una mañana de febrerodespertó aletargado por una trombosis... leve, pero trombosis al fin y al cabo. Fue una mañana neblinosa, pero ni siquiera entre la bruma pude dejar deescaparme a la certeza de que no somos nada, que no poséemos lo que creemos quetenemos, que somos como títeres de unos designios a los que no nos podemosescapar.

Los días de hospital se pasaronrápidos, y mi padre siguió la recuperación entre la casa y la fisioterapia, ymejoró tanto que hasta me atreví a irme a ver las procesiones de Cartagena,cosa que desde tiempos inmemoriales no hacía.... Mi hija participó con éxito en un torneotriangular de gimnasia rítmica que nos permitió acompañarla en susdesplazamientos a las vecinas localidades de Totana y Alhama (que tan bienconozco), y parecía que iba a ser el año de los viajes y el turismo. También por aquel entonces se me recompensaronmis primeros 25 años de servicio en mi empresa, con una paga extra para la quetenía multitud de planes.... hasta queen la tarde del 11 de Mayo todo cambió.

Ante una catástrofe como la quesufrió Lorca aquel día, lo primero es dar gracias, sí, por no haber sido una delas nueve personas fallecidas, y también por no haber perdido todas nuestrasposesiones y nuestros recuerdos materiales en los derribos posteriores. Pero lo cierto es que fuimos gravemente afectados,hasta el punto de quedarnos sin casa. ¿Dequé nos sirvió que nuestro edificio obtuviese desde el primer día el puntoverde que reconocía su carencia de daños estructurales, si nuestro arrendadordecidió que no le interesaba reparar la vivienda (que había quedado hechafosfatina, como casi todas las plantas bajas y primeras de la ciudad) yprefería rescindir el contrato de arrendamiento? De repente estábamos en la calle, y no sólonosotros, de modo que los pisos de alquiler se convirtieron en un bien escaso yde primera necesidad en Lorca, por lo cual aparecieron especuladores por todoslados. Encontramos un domicilioprovisional en el que en teoría debíamos residir seis meses, y, mientras tanto,contratamos a una empresa de mudanzas para que trasladase y mantuviese a buenrecaudo todos los muebles y enseres que no podíamos llevarnos a ese piso quesabíamos que no iba a ser definitivo.

Llegaba el verano y quiseregalarme otro viajecillo, esta vez a mi tierra, Alicante, pero a mi regreso,con las pilas nuevamente cargadas, descubrimos que mi madre padecía cáncer ytenía que ser operada casi de inmediato. Todos nuestros sueños veraniegos quedaron, también, hechos añicos, pero,aun así, pudimos improvisar una breve estancia en un complejo hotelero deAguilas. La operación de mi madre fue unéxito, y también por aquellos días pudimos localizar la vivienda que reunía lascaracterísticas necesarias para poder ocuparla ya de modo permanente. ¿Habría cambiado de signo nuestra suerte? Desagraciadamente, no fue así. El edificio de al lado de aquél en queestábamos residiendo, entró en la lista de derribos urgentes, y, con mi madreconvaleciente, debimos irnos unos días a un hotel para evitarnos las molestias,con tan mala fortuna de que, mientras estábamos "huídos", no se llevóa cabo la demolición, de modo que nos tocó sufrirla al poco de regresar.

El día doce de septiembre,casualmente el cumpleaños de mi madre, tuve que llevarla al oncólogo para quedeterminara cuál era la radioterapia que necesitaba, y ese mismo día debíacomenzar también el traslado de los muebles al duplex en el que íbamos avivir. De todas las mudanzas que me hevisto obligado a realizar en mi vida, ésta ha sido, con mucho, la peor. La más aparatosa, la más laboriosa, la máslarga... la más desastrosa. Cada día encontrábamos más objetos dañados,cada día descubríamos que faltaba algo, y no todo lo que perdimosapareció. De hecho, no me costó muchoasumir que una caja de juguetes de mi hija y al menos cuatro cuadros, nuncaaparecerán. El resto de septiembre ytodo el mes de octubre fueron un completo desasosiego, tratando de ponerlo todoen orden, acondicionando una casa en la que nadie nunca había vivido, reparandomuebles, aparatos y figuras dañadas en el traslado. Cuando quise hacer balance, ví que, desde eldía del terremoto hasta entonces, no sólo me había gastado, íntegra, la pagaextra de los 25 años, sino una buena parte de mis ahorros, y, por mucho que lointenté, no logré que institución alguna me resarciera por las pérdidas, ya queni era propietario de la vivienda dañada ni tenía seguro del contenido.

Entre noviembre y diciembre, mimadre tuvo que ir a Murcia casi a diario, para recibir la radioterapiaestipulada, y, cuando ya le dieron el alta, para celebrar que por fin podíamostener un poco de tranquilidad... latierra volvió a temblar en Lorca. Laverdad es que nunca había dejado de hacerlo desde mayo, pero eran pequeñasréplicas a las que casi nos habíamos acostumbrado, por lo que el terremoto dela noche del 19 de diciembre nos inquietó a todos. Los científicos hablaban de que no podíandescartarse nuevos seísmos de cierta magnitud, pero nadie quería pensar que,sin haber siquiera empezado la mayoría de tareas de reconstrucción de laciudad, otro movimiento pudiera volver a hundirnos, más aún, en lamiseria. Así y todo, esos segundoshorribles de zozobra parecieron haberse quedado en un susto, aunque no sería elúltimo del año.

Precisamente por lo pésimo quehabía sido 2011, quisimos despedirlo con la mayor naturalidad posible, y nofaltaron el Belén ni el Árbol ni los adornos navideños, ni el pavo ni losvillancicos por Nochebuena. Pero elpenúltimo día del año, mi madre se cayó nuevamente, y se resintió del brazo quese había fracturado 12 meses antes. ¿Cómo me iba a librar de visitar nuevamente el Hospital en un año tan horriblecomo el que se acababa? Por fortuna, laradiografía reveló que sólo se trataba de una contusión sin mayortrascendencia, y pudimos celebrar la Nochevieja y comernos todas las gambas ytodo el cochinillo que nos cupo en nuestros ajetreados cuerpos, e incluso tomarlas uvas con la Pantoja y Paquirrín.

Quisiera creer que realmente 2012va a ser un año mejor para todos y sobre todo para mi familia, pero, aun siconsiguiese escapar a la paranoia derivada de las archifamosas profecías mayas,no puedo escaparme a la contemplación de la fachada del edificio contiguo a micasa, que está rajada y supurando cascotes un día sí y otro también, sobre tododesde el último terremoto de hace una semanas. Veremos si todavía no tenemosque emprender una nueva huída en fechas próximas, antes de que el fin del mundonos sorprenda todavía antes de lo profetizado…..

El arte de compartir lo que se ama

2011-12-31T12:38:00.005+01:00

"Les Miserables: Highlights"

(CD LCF11074)

Muchas veces, una interpretaciónexagerada del amor y la generosidad nos lleva a cometer las mayores locuras.Cuando nos gusta algo, cuando nos gusta verdadera y profundamente, podemos sindarnos cuenta devenir en una especie de fascismo sentimental que obliga aquienes nos rodea a compartir nuestras aficiones, sin tener la menor opción denegarse o resistirse. Claro que, como digo, ¿puede ser realmente censurable un,digamos, licito intento de compartir nuestras pasiones con aquéllos a quienesqueremos....?

Desde que descubrí el musical “LesMiserables" hace ya bastantes años, no he podido o no he querido guardarmepara mi una obra que, desde mi punto de vista, ostenta tanta calidad y tantabelleza. Eso quiere decir que mis familiares y amigos han venido siendobeneficiarios o víctimas, perjudicados o agraciados, según se mire, por lassucesivas y reiteradas audiciones de la magna obra de Claude-Michel Schönberg(partitura) y Alain Boublil (libreto) basada en la novela de Víctor Hugo. Lasveces que he escuchado el disco o visionado el concierto conmemorativo deldécimo aniversario del estreno londinense serían incontables, por no hablar delos viajes en coche en los que nos han acompañado el redimido Jean Valjean y elinflexible inspector Javert. Pero claro, no basta con “obligar" a misallegados a oír un puñado de canciones.... hay que conseguir que las amentambién, que las reconozcan, que aprendan a valorar el espectáculo en su justamedida. ¿Y cómo conseguirlo? Con tesón, con paciencia, con perseverancia, ybrindándoles lo más dulce del pastel, de lo bueno..... lo mejor. Poco a poco,en mi mente fue gestándose la idea de realizar una recopilación, una selecciónde los temas más bellos y más significativos de un musical que, representado,dura dos horas y media y contiene mas de cuarenta canciones. Lo cierto es quela mera criba hubiera podido realizarse de modo más o menos rápido y sencillo,pero, ya puestos, decidí que merecía la pena desarrollar la idea de un modo lomás atractivo e instructivo posible. “Les Miserables" se lo merece.

Tal y como escribí en un largo ylaborioso articulo publicado hace un año en este mismo blog, existen cincoversiones de “Les Miserables" que todo buen aficionado debería conocer.Para empezar, el disco conceptual francés publicado en 1980 y que fue el queoriginó el fenómeno posterior; en segundo lugar, la grabación del estreno enLondres de 1985, así como el correspondiente a la representación norteamericanaen Broadway (1987). También es preciso conocer el triple disco que contiene laVersión Sinfónica de 1988, el único que contiene todas y cada una de lascanciones que engloba la función teatral. Finalmente, yo recomiendo a todo elmundo la grabación del maravilloso concierto (1995) que celebraba el décimoaniversario de la subida de telón en la capital británica.

Así pues, lo primero que determiné quehabía que hacer era cribar las canciones más bellas que pudieran caber en undisco convencional de 80 minutos, y, acto seguido, decidir cuál era la mejorversión de cada una. En el caso del "Prólogo", la tarea era especialmentefácil, pues ni el álbum francés ni el británico contienen ese número. Como quiera que el del concierto vieneprecedido de aplausos y el de la versión sinfónica es un pelín menos brioso delo que a mí me gustaría, elegiría el de Broadway, recortándolo, eso sí, paraempalmarlo con el primer tema cantado del concierto, que no sólo posée losmejores grupos corales sino que, muy adecuadamente, recibe por algo el merecidoapodo de “Dreamcast Concert” (concierto del reparto soñado). Porque una cosa que tuve clara desde el principioera que los solos (es decir, las “arias” según la terminología operística) demi recopilación debían estar cantados por quienes para mí constituyen susmejores intérpretes. Así, Colm Wilkinson(Londres, Broadway y Dreamcast Concert) debía ser Valjean, Philip Quast (versionsinfónica y Dreamcast Concert) sería Javert, Michael Ball (Londres, versiónsinfónica y Dreamcast Concert) tenía que ser Marius, Patti LuPone (Londres)sería la Fantine ideal y Lea Salonga (DreamCast Concert) recrearía mi canciónfavorita, el “On My Own” de la desdichada Eponine. Pero en seguida comenzaron a surgir losproblemas….

Cuando “adquirí” mi colección degrabaciones de “Les Miserables” no pude permitirme el lujo de hacerlo “legalmente”,de modo que la calidad de alguna de ellas no era todo lo perfecta que mehubiera gustado, y ni siquiera pude recuperar la totalidad del álbum deBroadway, ya que lo tenía grabado en uno de esos discos de 100 minutos que tande moda estuvieron años atrás pero que no son reconocidos por muchos lectoresde hoy en día. Así pues, tuve que volvera descargarme la mayoría de estas ediciones, e incluso “estrené” mi cuenta deiTunes para adquirir una copia legitimada del DreamCast Concert. Una vez en el ordenador todas las cincoversiones que enumeré anteriormente, ya podía llevar a cabo la selección en símisma, tarea que me llevó todo un fin de semana y aún tendría que retocar másadelante. Como dejé claro hace unospárrafos, quería no sólo que apareciesen las canciones más hermosas, sino tambiénque la audición fuese cronológica y todo lo comprensible que los 80 minutos deldisco permitían. Haciendo gala de misrudimentarios conocimientos de edición musical, realicé una versión de “LovelyLadies” (el tema en que Fantine, una vez despedida de la fábrica de Valjean, seve obligada a trabajar como prostituta) de apenas 1:31 minutos, cuando laoriginal de Londres dura 4:31; edité lomejor que pude “Little People” (la pegadiza canción infantil del pequeño Gavroche)y “On My Own” (que no me canso de decir que es mi tema preferido) y logré unaversión de “Red and Black” (el tema insignia de los estudiantesrevolucionarios) por primera vez desligada del resto del número conocido como “ABCCafé”. Lamentablemente, ni siquiera deese modo me cabían todas las canciones que hubiese querido, y me dolióparticularmente tener que prescindir de “Javert’s Suicide” (que, al fin y alcabo, no es sino una repetición del “Soliloquio” inicial de Valjean sólo quedesde el punto de vista del Inspector).

Culminada la parte estrictamentemusical, la tarea no había hecho más que empezar. Ya dije antes que no me bastaba con acariciarlos oídos de mis potenciales oyentes, sino que también quería que tuviesen todala información posible sobre el argumento de la obra y, por qué no, seducirlestambién con el aspecto visual de la presentación. La redacción de los textos explicativos de loque va sucediendo en cada canción me ocupó otro fin de semana, y al final loque hice fue narrar la totalidad del argumento de la función, incluyendo lo queacontece en las canciones que se me quedaron en la mesa de edición. Ahora había que trasladar las palabras alpapel… pero no a un papelcualquiera. Me decidí por el papelfotográfico de 140 gramos por el brillo que potencia los colores, y, cómo no,por su grosor y resistencia, ya que era obvio que iba a tener que “fabricar” uncuadernillo en el que las hojas irían impresas a doble cara. Decidir cuál sería la portada de mi selecciónfue relativamente sencillo: no podía sero no quería que fuese ni la original francesa, ni la de Londres o Broadway,porque, en tal caso, ya no sería “mi” obra, mi creación. Seleccioné un poster y lo retoqué para darleel formato de 120 x 120 mm que exige cualquier carpetilla de CD, y para lacontraportada pensé que lo mejor sería buscar fotos de los artífices delmusical. Víctor Hugo (insignenovelista), Claude-Michel Schönberg (compositor), Alain Boublil (letrista),Cameron Mackintosh (productor) y Herbert Kretzmer (autor de las letras eninglés) figuran regios y solemnes, orlados por algunas instantáneas de losnúmeros más famosos y reconocibles del evento. Por lo que respecta a los retratos de los cantantes destacados (ColmWilkinson, Philip Quast, Patti LuPone, Michael Ball, Lea Salonga, Leo Burmester- que seleccioné como intérprete del mesonero Thenardier en “Master of the House”-y Anthony Warlow – voz de Enjolras, el líder revolucionario, en “Red and Black”y “Do You Hear the People Sing?” -), aparecerían en la trasera del estuche,bajo el listado de canciones. Por ciertoque construir tal listado tampoco fue cosa fácil, ya que no quise escribir sinmás el nombre de cada canción, sino que junto a éste especifiqué la procedenciadel tema (Broadway Cast, London Cast, etc.) y se me ocurrió redondearloescribiendo el nombre de los cantantes respectivos. Claro que ¿cómo diablos se llama elintérprete del Obispo en el DreamCast Concert? ¿Quién interpreta al capataz de la fábrica en “At the End of the Day”según la versión sinfónica? ¿Cómo sellamaban los niños que hicieron de Cosette en Londres y de Gavroche en laversión sinfónica? Me dejé los ojoshurgando en las entrañas de internet, aunque creo que al final mereció lapena. Pero volvamos a la carpetilla enla que debían figurar los textos que tanto me costó escribir. Pasarlos de Microsoft Word a CorelDRAW (elprograma de maquetación que llevo utilizando más de quince años, a falta delanzarme a por el PhotoShop) sabía que no iba a ser muy complicado, pero unacosa es ver las letras en la pantalla, y otra muy distinta transportarlas alpapel. Las carpetillas de los CDs seimprimen en láminas de papel de 120 mm de alto por 240 mm de ancho, que luegose doblan por la mitad, y claro está, han de ser impresas por delante y pordetrás. Llevar mi narración de “LesMiserables” al papel me iba a ocupar exactamente 5 hojas, y tuve que ajustar eltexto procurando que el tamaño de la letra resultase legible (seleccioné Calibride 9 puntos). Pero claro, no puedesimprimir las 14 caras interiores de una tirada ni en orden consecutivo. La lámina de papel que lleva por el ladobrillante la portada y la contraportada también tiene que llevar, por el dorsoopaco, la página 1 (a la izquierda) y la 14 (a la derecha) de la narración. La siguiente hoja, debe llevar por fuera laspáginas 2 y 13, y por dentro, la 3 y la 12… y así sucesivamente, teniendo en cuenta que en algunas de las páginastambién incluí alguna foto y éstas debían quedar en el lado brillante delpapel. En un alarde de narcisismo, ubiquépor todos lados mi particular “copyright”, para que quedara constancia delautor y el año de ejecución y constara fehacientemente que se trataba de unaobra… única.

Una vez impresas las 5 hojas por las doscaras, las recorté con mimo, las doblé meticulosamente y, una vez rechazada laidea inicial de graparlas, las pegué cuidadosamente. El resultado: un horror. Por mucho que me había esmerado, la impresión no había sido perfecta ylos bordes de las hojas interiores sobresalían de la portada. Traté de recortarlo, pero, al hacerlo, seperdieron algunos márgenes de dentro. Volví, pues, a imprimir las 5 hojas, teniendo cuidado de reducirligeramente las dimensiones de las caras interiores y aumentar levemente los márgenes. Cuando ya lo tenía todo recortado, doblado ypegado, un hilito de pagamento cayó sobre la portada, y, al retirarlo, se llevódetrás una tirita de color. Evidentemente, me creí en la obligación de volver a imprimir todas lashojas, logrando, esta vez, lo más parecido a lo que yo soñaba. Claro que, al ir a meter la carpetilla por elinterior de las guías de la cajetilla de plástico, descubrí con horror que a)era demasiado voluminosa y b) al forzarla, la portada y la contraportada resultaronarañadas. ¿Qué hacía entonces? ¿Resignarme a tener mi “obra maestra” dañaday, encima, no atreverme a sacarla para no incrementar los arañazos…? Obviamente no, así que se me ocurrió realizaruna doble carpetilla: una, la que sequedaría permanente ligada al estuche de plástico, y otra, que iría en elinterior, suelta y fácilmente extraíble y manipulable… pero claro, más estrecha de lo previsto. Volví a retocar las medidas en Corel y denuevo la imprimí (y ya casi perdí la cuenta de las veces que había tenido quehacerlo), logrando un resultado que al fin me satisfizo.

Sólo quedaba un pequeño detalle, y erael CD propiamente dicho. Después detanto trabajo, ¿iba a conformarme con escribir con rotulador y a mano el nombrede la obra? Estaba claro que no, así queeché mano de un paquete de etiquetas adhesivas para CD’s que adquirí bastantesaños atrás, y no paré de probar y probar hasta que logré que sobre el discoquedase impresa y perfectamente encajada la misma imagen de la portada. El trabajo había finalizado… y ya podía sentirme mínimamente orgulloso.

Ahora, ya puedo abordar a mis inocentes víctimascon arte y alevosía, para tratar de que, sin más excusas, se entreguen a lacausa de “Les Miserables” como yo me he entregado. Bromas aparte, por fin he conseguido tener enla palma de la mano y accesible para cualquiera, no sólo la música, sinotambién la explicación pormenorizada del argumento y las fotos de larepresentación del mismo, así como el rostro de sus artífices. Para mí, ésto no tiene precio.

Por cierto que, si todo marcha según loprevisto, en febrero dará comienzo el rodaje de la versión cinematográfica de “LesMiserables”, que ha sido asignada al oscarizado Tom Hooper (“El discurso delRey”) y que, según la casi infalible IMDB, protagonizarán Hugh Jackman(Valjean), Russell Crowe (Javert), Anne Hathaway (Fantine), Sacha Baron Cohen(Mr. Thenardier), Helena Bonham Carter (Mme. Thenardier) y Eddie Redmayne(Marius), con vistas a su estreno el día 28 de Diciembre de ese mismo2012. Lo malo es que, leyendo esa fecha malsonante,sólo se me ocurre pensar una cosa: ¿seráuna inocentada…?

Cine actualidad/ “EL REY LEÓN"

2011-12-29T21:26:00.004+01:00

El retorno de un clásico moderno

Viendo ayer “El Rey León" con mis hijos, recordé con nitidez las otras dos veces que la vi en el cine, hace la friolera de 17 años y en sendas salas que, lamentablemente, ya no existen, la primera en el remozado Casablanca de Alicante, y la segunda en el llorado Cristal Cinema de Lorca. En cualquier caso, me pareció que, como sólo sucede con las grandes películas, no había pasado el tiempo por ella....

El majestuoso león Mufasa es el dueño y señor de la vasta sabana africana, y el pequeño Simba está llamado a sucederle un día. Pero ese día llega antes de lo previsto y Simba, manipulado por su traidor y asesino tío Scar, se ve obligado a huir, de sí mismo y de lo que hubiera sido su reino, y sólo mucho después se decidirá a regresar para ocupar el sitio que le corresponde en el ciclo de la vida.....

Tras muchos, muchísimos años en que las nuevas producciones Disney no alcanzaban ni de lejos la repercusión y el nivel de aceptación popular que los viejos clásicos de la casa, llegó un tal Jeffrey Katzenberg y lo cambió todo. Katzenberg, que a no mucho tardar abandonaría la factoría de Tío Walt para formar, con Steven Spielberg y el productor discográfico David Geffen, el estudio DreamWorks, revitalizó el hogar de Mickey Mouse con una fuerza inusitada. A partir del híbrido “¿Quién engaño a Roger Rabbit?" (1987) y, sobre todo de “La Sirenita" (1989), se sucedió una cadena de éxitos formidables cuyos brillantísimos eslabones fueron “La Bella y la Bestia" (1991), “Aladdin" (1993) y “El Rey León" (1994). Para esta última se quiso romper con la tónica general que había caracterizado a la mayoría de los grandes títulos de la casa, que se basaban en cuentos clásicos o novelas populares, y se encargó a la escritora Linda Woolverton la elaboración de una historia original. Claro que, de original, el argumento de “El Rey León" tiene poco o nada, ya que no hace falta ser un experto en Shakespeare para percibir las notorias reminiscencias de “Hamlet" y “El Rey Lear": un magnicidio, un heredero débil y asustadizo, un pariente maquiavélico, una culpa perpetua y agobiante y la certeza de una lucha sangrienta para recuperar el normal statu quo de las cosas...

Insospechadamente oscura y adulta, “El Rey León" mezcla con maestría el drama y la comedia, la aventura y el musical, la luz y las tinieblas. Como en “Bambi", se produce la temprana muerte de un personaje sobre el que basculaba el peso de la historia, con la sutil diferencia de que la pobre cierva fallecía en off (fuera de cámara), mientras que el regio león muere delante de nuestros ojos. Pareciera que la ausencia de un personaje tan carismático (doblado en el original por James Earl Jones y en español por Constantino Romero) podría lastrar el devenir posterior del film, y en parte así es, aunque la proliferación de secundarios cómicos consigue que el espectador no desvíe la atención. También contribuye la acertadísima música de un Hans Zimmer que estaba empezando a abrirse camino en Hollywood y que, utilizando elementos e instrumentación propios del folklore africano y mezclándolos con los sintetizadores que le son tan queridos, firma una partitura de recuerdo imborrable. Las pocas canciones, que no rompen la acción y están particularmente bien encajadas, las pone un Elton John que en el CD las interpreta también él mismo, con letras del famoso Tim Rice, el libretista de “Jesus Christ Superstar" y “Evita". Tanto Zimmer como la canción “Can You Feel The Love Tonight?" (la más ñoña de todas) se alzaron con el Óscar, y John y Rice disfrutaron tanto de la experiencia que poco después compondrían conjuntamente el musical “Aída".

Repleta de escenas simplemente magistrales (el prodigioso arranque al ritmo de “El ciclo de la vida", con toda la fauna africana rindiendo pleitesía al hijo del Rey; el número “Be prepared", diseñado y coreografiado como si de un desfile nazi se tratara; la magistral estampida de ñus, realizada parcialmente por ordenador; la elipsis que convierte a Simba de niño en adulto mientras canta el celebérrimo “Hakuna Matata"; la lucha final entre Simba y su malévolo tío...), “El Rey León" lo tiene todo para convertirse casi en un mito: argumento de resonancia teatral, atractiva banda sonora, personajes inolvidables, un colorido exultante y una realización ejemplar a cargo de Roger Allers y Rob Minkoff. Además de alguna endeble secuela videográfica, “The Lion King" se convirtió no hace mucho en exitoso musical, y ahora regresa a los cines en espectacular 3-D, permitiendo a las nuevas generaciones disfrutar de una película maravillosa por la que doy fe de que no ha pasado el tiempo..... a pesar de haber transcurrido una buena parte del ciclo de nuestra vida.

Luis Campoy

Lo mejor: todo (fotografía, música, canciones, color, diseño de personajes, doblaje...)
Lo peor: no se me ocurre
El cruce: “Hamlet" + “Bambi" + “El Libro de la Selva"
Calificación: 9 (sobre 10)

Cine actualidad/ "FUGA DE CEREBROS 2"

2011-12-09T21:10:00.002+01:00

Carcajadasmalolientes

A menudo confundimos lo bueno conlo populista, lo excelente con lo taquillero, lo ingenioso con lochabacano. "Fuga de cerebros"(Fernando González Molina, 2009) fue un claro ejemplo de todo ello, pero suéxito incontestable entre cierto sector juvenil ha hecho prácticamenteinevitable la realización de una secuela, que, como a veces pasa, es poco menosque un remake. Si en la primera parte senos contaba cómo el joven Emilio (Mario Casas) viajaba a la prestigiosauniversidad de Oxford para seguir los pasos de su adorada Natalia (AmaiaSalamanca), acompañado por su variopinta troupe de amigos disfuncionales, en"Fuga de cerebros 2" presenciamos cómo el hermano de Emilio, Alfonso(Adrián Lastra), surca los mares rumbo a Harvard para no perderle la pista a labella Sara (Paula Prendes), naturalmente en compañía de los impresentables peroleales colegas de su hermano.

Cualquier análisis mínimamenteserio para una película de las características de "Fuga de cerebros2" (así como para su precursora) resultaría tan innecesario comoinútil. Hay comedias y comedias, y elsubgénero al que pertenece el film que comento no se caracteriza precisamentepor su ingenio argumental, por la riqueza lingüistica de sus diálogos o por laelegancia de su puesta en escena. Losprecedentes, los modelos y fuentes de inspiración, están claros: "American Pie", "Resacón enLas Vegas" y todo ese batiburrillo de films yanquis en los que losprotagonistas son un puñado de tarados a los que tan sólo les motivan el sexo,las drogas/el alcohol y, en ocasiones, el éxito inmediato. Las características de todos estos productosde consumo y olvido rápido son las mismas para todos: humor chabacano, cientos de palabras soeces,abundancia de flatulencia y una visión desvergonzada de la cosa sexual. Si a todo ésto se le añaden unos actores nosólo atractivos sino más o menos conocidos por sus participaciones en series detelevisión, tenemos un reclamo casi irresistible para según qué personas,capaces de llenar algunas salas... mientras que películas realmente interesantes como "La deuda","Un dios salvaje" o "Premonición" permanecen inéditas porfalta de público.

No hay grandes diferencias entrelas dos "Fugas de cerebros", ni siquiera teniendo en cuenta que tantoel director como los actores protagonistas han variado. El nuevo realizador, Carlos Therón, se limitaa poner en imágenes un argumento reiterativo sin la más mínima personalidad, ytanto el héroe (un sosísimo Adrián Lastra) como la heroína (un par de ellas eneste caso, Paula Prendes y Patricia Montero) son un cúmulo de tópicos exentosde interés. El peso específico de lafunción vuelve a recaer, cómo no, sobre los hombros de los cuatroimpresentables amiguetes, ésto es: elciego Chuli (Alberto Amarilla), el paralítico Ruedas (Gorka Lasalosa), elgitano Cabra (Canco Rodríguez) y el gay reprimido Corneto (Pablo Penedo). Eso sí, el mensaje subyacente no varía, y dealguna manera, dignifica un poco a semejante engendro: pase lo que pase, con razón o sin ella, losamigos de verdad siempre estarán contigo, apoyándote y acompañándote dondequiera que vayas, juntos como los dedos de una mano... y casi siempre perjudicándote más que beneficiándote,tal es su torpeza. Pero bueno, es laintención lo que cuenta... Al elencoactoral se incorporan un par de nombres significativos, uno de ellos en unpapel con cierta entidad (el rapero Juan Manuel Montilla, "ElLangui"), y otro haciendo poco menos que un cameo, el antaño famoso DavidHasselhoff, que se bajó del coche fantástico y se despojó del bañador devigilante de la playa para abandonarse a todo tipo de excesos etílicos mientrassu hija le filmaba. Si es que "Dioslos cría...".

Sucesión de chistes de lo másdesagradable a costa de los discapacitados, los homosexuales, los gitanos, losancianos, los sudamericanos, los hindúes (o, mejor dicho, pakistaníes), conguiño final a "Slumdog Millionaire", "Fuga de cerebros 2"no defraudará a aquéllos que se desternillaron con la primera entrega, pero lasalmas cándidas no totalmente desprejuiciadas harían bien en evitar afrontar unfilm de estas características….

Luis Campoy

Lo mejor: el mensaje subliminal acerca del valor de la amistad

Lo peor: Adrián Lastra, el exceso de flatulencia

El cruce: “American Pie” + “Porky’s” + “Los incorregibles Albóndigas” + “SlumdogMillionaire”

Calificación: 5,5 (sobre 10)

Cine actualidad/ "IN TIME"

2011-12-05T23:34:00.003+01:00

Eltiempo es oro

Allá por 1997 (¡leñe, que hace yacasi 15 años, cómo pasa el tiempo…!) un guionista semidesconocido llamado Andrew Niccol sorprendió ala comunidad cinéfila realizando un thriller de ciencia ficción bastanteinteresante, "Gattaca", que protagonizaron Ethan Hawke, Uma Thurman yJude Law. Ya entonces, Niccol fabulabacon un futuro en el que las personas carecen de libertad, obligados a creardescendientes genéticamente perfectos, tanto que incluso deben ser manipuladosen aras de obtener un mayor grado de pureza hereditaria. Con todo, y a pesar del beneplácito de lacrítica, el film no puede decirse que fuera un bombazo comercial, ni tampocolos dos nuevos intentos de Niccol por triunfar en Hollywood, "Simone"y "El Señor de la Guerra". Con"In Time", recién estrenada en España, las cosas pueden cambiar, o almenos es posible que el gran público se digne a echarle una mirada a este filmcomo mínimo interesante.

En un futuro alternativo, no seráel dinero la moneda de cambio con la que realizar las transacciones comerciales. Tampoco serán el petróleo o el agua, losbienes cuyo acopio posibilitará la riqueza. No, si se puede considerar a alguien afortunado y poderoso será porqueposée grandes cantidades de... tiempo. Todos los seres humanos están provistos de unreloj corporal que les otorga una existencia fija y limitada de 25 años. A partir de ese momento, el tiempo es oro(nunca mejor dicho), y los minutos, los días o los años adicionales constituyenun bien precioso que es vital ir consiguiendo para sobrevivir...

Si Andrew Niccol hubiesedesarrollado "In Time" de una manera más, digamos, seria,probablemente nos hallaríamos ante una película memorable. El planteamiento general que he expuesto meparece de lo más original, y no puede decirse que la originalidad sea hoy endía lo habitual en el Séptimo Arte. Sinembargo, Niccol, quizás necesitado del triunfo comercial que hasta ahora se leha resistido, convierte el film en un recital de persecuciones protagonizadaspor un joven que pretende abolir la tiranía del tiempo y una bella heredera quese une a su causa, perseguidos ambos por un implacable guardián temporal. No hace muchos meses, veíamos "Destinooculto", con Matt Damon y Emily Blunt, que partía de una premisa muchomenos original y estaba mucho peor narrada, pero diríase que ambas han sidofilmadas, al menos en lo que a la acción se refiere, por los mismos autores,conscientes en ambos casos de que quien más frecuenta las salas (Y más en estostiempos "crepusculares") son los adolescentes, y que es a esteespectro demográfico a quien a quien hay que dorarle la píldora para que comprela entrada. No es de extrañar, pues, quetodos los intérpretes que pululan por la pantalla sean jóvenes y guapos (yasabéis, la coartada de que sólo existen 25 años de vida legal, y los que seconsiguen a partir de ese momento se viven... sin envejecer), y que la pareja protagonista disponga de sobradasocasiones de lucimiento de su bello palmito. A Justin Timberlake le acabamos de ver en "La red social" y"Con derecho a roce", y Amanda Seyfried viene de "MammaMia" y "Caperucita Roja". Sobre sus interpretaciones en "In Time" bien poco hay quedecir; gesticulan un poco, recitan susdiálogos y punto. Quien mejor paradosale es el villano, un mucho más entonado Cillian Murphy, el"Espantapájaros" de las dos últimas entregas de Batman.

"In Time" (que podríahaberse traducido por "A tiempo", "En el tiempo" o algoparecido, pero... es más barato noretocar demasiado la cartelería estadounidense) no es un producto desdeñable, apesar de que es demasiado evidente cuál es su target predeterminado. Eso sí, la sorpresiva riqueza de algunas desus ideas y la reconstrucción visual de este mundo futurista pero menos,merecen muy mucho la pena y podían haber dado lugar a una película bastante,bastante mejor.

Luis Campoy

Lo mejor: la originalidad de su premisa argumental (el tiempo como moneda)

Lo peor: que enseguida acaba convirtiéndose en una vulgar cinta de persecuciones

El cruce: "La fuga de Logan" + "Dark City" + "Bonnie& Clyde"

Calificación: 7 (sobre 10)

Cine actualidad: "La Saga Crepúsculo: AMANECER, Parte I"

2011-11-29T00:49:00.001+01:00

Sueñosadolescentes… que hacen roncar

La joven humana, el vampiro y elhombre lobo de “Crepúsculo” maduran a ojos vista. Al igual que en la saga de “Harry Potter”, nopuede demorarse la producción de películas sobre los exitosos libros deStephanie Meyer, si no se quiere correr el riesgo de que Kristen Stewart,Robert Pattinson y Taylor Lautner se hagan demasiado mayores y no resultencreíbles en sus papeles. Al igual,también, que en la serie del niño mago, el último libro de la colección se hadividido en dos películas para exprimir aún más el filón. Así pues, “Amanecer” se estrena en dosentregas, la una estos días y la otra, justo dentro de un año. Tal y como ya se barruntaba en los episodiosprecedentes, Bella y Edward están decididos a vivir su amor hasta las últimasconsecuencias, y, como parte de ese proceso, en “Crepúsculo – Parte I” se narrala boda, el vertiginoso embarazo e incluso el parto de la joven, que tras unaespecie de coma despertará convertida en…. (puntos suspensivos, dejemos actuara la imaginación del lector).

Yo no sé si fui uno de los pocosa quienes les gustó realmente “Crepúsculo”, el primer eslabón de la cadena quedirigió la luego defenestrada Catherine Hardwicke, y no precisamente por lospálidos encantos del imberbe Pattinson. Me encantaron el tono romántico, la lánguida fotografía y la químicaexistente entre los protagonistas. En elfondo, era simplemente una historia de amor con muy ligeros ribetes fantásticos. Sin embargo, en las dos siguientes partes,quizás por la presión de saberse ya dirigidas a una audiencia fanática ymillonaria, el amor se desdibujó y la acción fue ganando enteros, con lo que lasvirtudes detectadas en "Crepúsculo" perdieron peso específico endetrimento de sus, para mí, defectos, ésto es, el romance sensible se transmutóen pseudo-terror granguiñolesco, en su acepción más "teen". El caso es que, después de la muydecepcionante "Luna nueva", llegó la estimable "Eclipse",que, así y todo, se decantaba abiertamente por el espectáculo en detrimento dela introspección psicológica. Quizáspara compensar ese hecho, con "Amanecer - Parte I" se pretende darmás peso específico (y muchos minutos) a los personajes y sus circunstancias, yson mucho más aislados los momentos de acción. El problema es que hay muchas formas de contar una historia, digamos,dramática, y la forma escogida por el realizador Bill Condon se me antoja lapeor. Mucho primer plano, muchas escenassupuestamente intimistas pero que no aportan absolutamente nada y sólo hacenque la narración no avance, y unas interpretaciones entre caricaturescas ysimplemente sonrojantes (¿alguien dijo la de la madre de Bella?). Bill Condon (por favor, pronúnciese "Cóndon") causó muy buena impresióncon su excelente "Dioses y monstruos", pero sus posteriores"Kinsey" y "Dreamgirls" no estuvieron a la altura. Con "Amanecer - Parte I" se hahundido artísticamente del modo más lamentable, y miedo da pensar que ha sidoél quien también se ha hecho cargo de la quinta y última película de la serie,"Amanecer - Parte II", que se rodó simultáneamente a ésta.

Luis Campoy

Lo mejor: ups, no se me ocurre nada destacable

Lo peor: la ñoñería, la bobería, el ritmo soporífero... y algunas interpretaciones indefendibles

El cruce: "Crepúsculo" + "Luna nueva" + "El árbol de lavida"

Calificación: 4,5 (sobre 10)

Convivir con el miedo

2011-11-25T20:45:00.002+01:00

A pocos días de cumplirse los seis primeros meses del doble terremoto que convulsionó Lorca en el mes de mayo, los grandes diarios provinciales y la televisión autonómica murciana volvieron a hacerse eco de una inquietante noticia: los geólogos no descartan la posibilidad de un nuevo seísmo de proporciones similares. Esta información, divulgada a finales de octubre, no hacía sino incidir (reincidir) en lo ya expuesto por los mismos científicos a mediados de julio, profetas de lo apocalíptico y oráculos de la catástrofe. Tal como hice entonces, me pregunto y me vuelvo a preguntar sobre la conveniencia de difundir este tipo de comunicados. Vale, es una noticia de alcance y de un indudable interés (y muy morbosa, por cierto), pero, además de conseguir que “La Verdad” y “La Opinión” se vendieran como rosquillas ese día (me cuentan que en algunos kioscos ya no quedaban ejemplares a las 9 de la mañana), ¿cuál es realmente la utilidad final de ese bombazo informativo? ¿Provocar el pánico indiscriminado en la población? ¿Causar una emigración en masa de los aterrorizados lorquinos? ¿Dar trabajo a los monitores de seguridad especializados en la realización de simulacros antisísmicos actualmente desempleados?

Que yo sepa, no existen equipos de operarios hipertecnificados trabajando en las profundidades de la tierra para corregir el progresivo hundimiento del municipio (recientes estudios han revelado que Lorca se ha hundido al menos 1,5 metros desde 1995, a causa de la sobreexplotación de los ya precarios recursos hídricos), ni me consta que “los americanos” estén aplicando sus “bombas sónicas” a la tarea de estabilizar las placas tectónicas que todavía no se han calmado. Es decir, tiran la piedra del alarmismo y esconden la mano paliativa de la resolución. Muy mal, señores sabihondos. Y peor todavía para los mercenarios del Cuarto Poder, que tan sólo aspiran a vender periódicos y captar telespectadores sin pensar en el daño anímico provocado. Cuando un médico revela la existencia de un tumor a un paciente, a continuación le prescribe el tratamiento que le curará o al menos le ayudará. ¿Pero qué han hecho estos geólogos? Tan sólo recomendar paupérrimas medidas arquitectónicas a largo plazo y poco más….. Los que nos vemos obligados a residir en la Ciudad Sísmica tenemos que aprender a convivir con el miedo, o, tal vez, a forzar mecanismos mentales que nos impidan pensar en tan negros presagios. La población está todavía viviendo las consecuencias del drama de mayo, y cada día surgen nuevos edificios dañados que hay que derribar…. A continuación, vendrá la reconstrucción propiamente dicha, que poquito a poco y muy tímidamente se ha ido iniciando a nivel particular. Los pronósticos más locamente optimistas calculan que Lorca podrá volver a ser lo que fue dentro de ¡5 años!, y esa difícil, compleja y lentísima labor constituye en sí misma un medio y un fin, una tarea sobrehumana pero también una ilusión vitalista y revitalizadora. Si tuviéramos que estar pendientes de que cualquier día de éstos se va a rajar de nuevo el suelo bajo nuestros pies, de que todo lo que estamos levantando con tanto esfuerzo y lágrimas va a volver a hundirse sin compasión, tal vez lo más fácil sería no hacer nada y abandonarse a la desidia de lo funesto. ¿Para qué vivir, si se sabe que al final nos toca morir? No, el vano alarmismo debería estar no sólo prohibido… sino penalmente sancionado.

Cine actualidad: "LAS AVENTURAS DE TINTÍN: El secreto del Unicornio"

2011-11-13T09:38:00.001+01:00

IndianaJones se mete a reportero

En el cartel anunciador de"Las aventuras de Tintín" puede verse, en grandes caracteres, eltítulo de la película, y, muchísimo más pequeño, de modo casi inapreciable,figura el nombre de su realizador: Steven Spielberg. Es tristepensar que algunos fracasos comerciales ("Atrápame si puedes") oincluso artísticos ("La terminal"), algunas obras que no han estado ala altura de su inmenso talento ("Amistad", "La guerra de losmundos", "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal") ouna sobreexposición de mecenazgo a la hora de subvencionar productos de lo másdispar (la saga "Transformers", "Cowboys and Aliens","Cartas desde Iwo Jima", los dos títulos sobre "El Zorro"con Antonio Banderas, "Memorias de una Geisha", "Men inBlack" y "Men in Black II" o "Deep Impact") impidan alas nuevas generaciones darse cuenta de que nos hallamos ante el realizador másimportante que continúa en activo, uno de los creadores más grandiosos de laHistoria del Cine. Me pregunto siquienes pagan una (carísima) entrada para ver este Tintín digitalizado ytridimensionalizado son conscientes de que su máximo responsable es el autor de"Tiburón", "E.T.", "Encuentros en la tercerafase", "En busca del Arca perdida", "La lista deSchindler" o "Salvar al soldado Ryan", ésto es, algunas de lasmejores películas de género de todos los tiempos, las que más espectadores hanllevado a las salas y las que han conseguido que muchos de nosotros amemos elCine.

Pero ¿cómo llegó Spielberg ainvolucrarse en esta aventura? Cuentanque en 1981, mientras presentaba en Europa "En busca del Arcaperdida", la primera de sus cuatro producciones acerca del arqueólogo másfamoso del mundo, Indiana Jones, alguien comparó las peripecias que sufre Indycon las que se narraban en los tebeos de Tintín. Spielberg no tenía ni idea de quién era elreportero pelirrojo creado por Hergé allá por 1929, pero, un poco avergonzadopor su incultura, se compró y se leyó todos los comics del susodicho e inclusointentó, cuando Hergé todavía vivía, llevar a cabo una adaptacióncinematográfica. Mucho tiempo después,el ya sexagenario director se ha aliado con otro de los grandes nombres delcine comercial de entretenimiento, Peter Jackson (artífice de la trilogía de"El Señor de los Anillos"), para por fin trasladar a la pantalla lasaga tintinesca con generosidad de medios y ambiciones. La idea de la pintoresca pareja es la derealizar una trilogía , tres películas en las que irán rotando en tareas dedirección y producción, de modo que, cuando uno dirija, el otro se limitará aproducir, y así sucesivamente. Con todo,tengo mis sospechas de que la autoría de Jackson es mayor que la del propioSpielberg. No en vano el primero es elpropietario de la prestigiosa compañía Weta Digital, que maravilló al mundo porsus creaciones en "El Señor de los Anillos" y "King Kong" yque ahora se encarga de convertir en píxels a los actores que protagonizan estapelícula. Porque, al igual que sucedieraen "Polar Express", "Beowlf" o incluso “Avatar”, hablamosde un film de animación (ya sería incorrecto tildarlo de "dibujosanimados") rodado mediante elsistema de "captura de movimiento": los actores interpretan sus papeles mientras un millón de electrodosrecogen todos sus gestos y movimientos y los trasladan a un potente ordenadorque les convierte en personajes informáticos. El caso es que, sea Jackson o Spielberg quien en definitiva ha partidoel bacalao, el producto final transmite la sensación de que, realizada enimagen real, a la antigua usanza, la película habría sido todavía mejor. Eso es lo primero y principal que tengo quedecir. Porque, si ya Spielberg se havenido caracterizando por rizar el rizo de lo posible en no pocos momentos deadrenalítica tensión, las casi infinitas posibilidades que le da el ordenadorle conducen a una orgía cibernética en la que pasan tantas cosas que llega unmomento en que es imposible asimilarlas todas. Con un poquitín más de mesura y contención y menos megapixels, seguroque estaríamos hablando de un título clave para el Séptimo Arte, y esasensación no hace sino entristecerme un poco. "Las aventuras de Tintín" está muy bien y constituye un granespectáculo, de eso no cabe duda, pero es tan hiperbólica que su exceso deambición y su ritmo desenfrenado acaban por hacerse un pelín pesados. Unejemplo: después de la portentosasecuencia en la que Tintín y Haddock escapan de un Marruecos de guardarropía yen la que Spielberg ciertamente borda unos minutos primorosos, viene otra nuevaescena de acción que pretende ser tan aparatosa que sólo consigue deslucir loslogros de lo anterior. La acumulación aveces funciona y a veces fatiga... yeste caso entra de lleno en la segunda categoría, por muy asombrosa queresulte, en líneas generales, su puesta en escena.

En el terreno interpretativo,Jamie Bell da vida a Tintín (aunque su versión pixelada parece demasiadoinfantil y asexuada), el gran Andy Serkis (uno de los actores más expresivosdel mundo, prueba de ello son sus otras interpretaciones digitales, como las deGollum en "El Señor de los Anillos", King Kong en el film homónimo oel chimpancé César en "El origen del Planeta de los Simios")personifica al Capitán Haddock y Craig, Daniel Craig, incorpora al malvadoRakham el Rojo; ninguno de ellos serárecordado, obviamente, por estas interpretaciones.

Queriéndolo o sin querer (enalguna entrevista le he leído que no ha sido del todo premeditado), Spielbergrevisita el universo de Indiana Jones que aquel reportero comparó con el delTintín de papel. Las persecuciones, laspeleas y la sucesión de escenarios remiten muy evidentemente a la tetralogía deHarrison Ford, y quizás por ello la partitura del eterno John Williams (79añitos y aún en la brecha) pretende desmarcarse un poco, con el mismo vigor desiempre pero un poco huérfana de inspiración en su decepcionante temaprincipal.

Luis Campoy

Lo mejor: la puesta en escena

Lo peor: el ritmo vertiginoso; la sucesiónde escenas cumbre, que produce agotamiento

El cruce: "Tintín" (comic) + "En busca del Arca perdida" +"Indiana Jones y la Ultima Cruzada"

Calificación: 8 (sobre 10)

Cine actualidad/ "CONTAGIO"

2011-10-31T23:37:00.002+01:00

Elvirus de la apatía

Allá por 1995 (desde luego, eltiempo no corre, sino que vuela), el alemán Wolfgang Petersen dirigió "Estallido",una película que contaba la casi incontenible expansión de un virus y los esfuerzosdel ejército y los médicos civiles que tratan de atajarlo. Eran los años del Ebola, y Petersen, ademásde con su pulso firme y correcto, contó con un reparto en el que destacabanDustin Hoffman, Morgan Freeman, Rene Russo y Kevin Spacey. Dieciséis otoños más tarde, un tipo tanecléctico como Steven Soderbergh ha realizado "Contagio", en el queotro virus mortal (¿alguien dijo "Gripe A"?) pretende extenderse portodo el mundo casi con la misma velocidad que la "indignación" se propaga gracias a las redes sociales.

Yo no sé si en la mente deSoderbergh estaba la idea de versionar abiertamente a Petersen, ni si en algúnrincón de los títulos de crédito se reconoce que "Contagio" no essino un remake de "Estallido". Un remake, éso sí, bastante aburrido. Es decir, allá donde el film antiguo resultaba poco creíble porque casiconvertía al pobre Dustin Hoffman en un héroe de acción, la ficción que ahoranos plantea Soderbergh pretende ser tan realista, tan veraz y tan aséptica quecasi parece un documental en el que se han colado algunos rostrosconocidos. Porque, palabrita del NiñoJesús, el único "gancho" que hacía a priori interesante a"Contagio" era su extraño e interesante reparto, con nombres comoKate Winslet, Laurence Fishburne, Jude Law, Marion Cotillard, Matt Damon oGwyneth Paltrow. Yo no sé cómo se habránsentido estos conocidos actores haciendo de imanes humanos, pero me supongo quemuy bien, por cuanto Steven Soderbergh está especializado en aglutinar arepartos estelares (véase la trilogía de "Ocean's Eleven"). Sin embargo, visto desde fuera, da laimpresión de que la mayoría de ellos están desaprovechados, de que aparecen enla pantalla pero no viven de verdad, no sufren, no sienten realmente. Sólo Jude Law se suelta un poco el pelo; los demás parecen conformarse con soltar susfrases y cobrar el cheque.

No me atrevo a afirmar que"Contagio" sea un film mediocre o fallido. Está narrado con oficio, no cede alalarmismo, no sucumbe a la ñoñería en los momentos en que así habría podido hacerlo. Pero su exceso de contención y su ritmopausado también impiden que aflore la emoción, y sin emoción, sin sentimientosa flor de piel, se origina el distanciamiento del espectador. Uno contempla un producto que se sabe correctoe interesante, pero la carencia de drama y de pasión es como un virus que teafecta sin vacuna posible. Yo, desdeluego, me lo pasé mucho mejor con la mucha más floja "Estallido".

Luis Campoy

Lo mejor: Jude Law

Lo peor: el ritmo monótono, la ausencia de sentimiento en un clima de asepsiatotal

El cruce: “Estallido” + “El escritor”

Calificación: 7 (sobre 10)

Cine actualidad/ "CAPITÁN TRUENO Y EL SANTO GRIAL"

2011-10-26T17:22:00.002+02:00

Uninsulto a nuestra infancia… y a nuestrainteligencia

Sólo conservo un cómic delCapitán Trueno, pero, lamentablemente, no es uno de los clásicos, losoriginales, sino un intento de relanzamiento que se produjo a finales de losaños 80. Sin embargo, en mis años mozosllegué a poseer un buen puñado de tebeos de este personaje creado por VíctorMora y dibujado por Ambrós a partir de 1956, los cuales imagino que seperderían en alguno de los traslados que en mi vida se han producido. Lo cierto es que, junto con El Guerrero delAntifaz, Roberto Alcázar (y Pedrín) y el Jabato (una evidentísima copia deTrueno, perpetrada autocomplacientemente por el propio Víctor Mora), elgallardo cruzado español constituye uno de los mejores ejemplos de historietasde aventuras juveniles jamás producidos en nuestro país. Son ya muchas las generaciones que se hancriado leyendo sus hazañas ambientadas después de las Cruzadas y en las que leacompañan sus inseparables compañeros de armas Crispín y Goliat y la bellaprincesa nórdica Sigrid, y todos estos españolitos nostálgicos de su infanciaimagino que alguna vez habrán soñado con ver a sus amigos de infanciaconvertidos en criaturas de celuloide... y a fe mía que hubiera sido mejor seguir soñando que contemplar elsimpar desatino que ha ¿dirigido? Antonio Hernández.

Aunque viendo esta horrenda"Capitán Trueno y el Santo Grial" parezca otra cosa, AntonioHernández posée una carrera cinematográfica interesante, con títulos como"Lisboa" y "En la ciudad sin límites", y habiendo realizadopara televisión algunos episodios de series como "Al sair de clase" y"Los Borgia". ¿Cómo puede unprofesional del Séptimo Arte, uno con un cierto prestigio, atreverse a presentaren sociedad un engendro como éste y esperar continuar trabajando? Yo, lo juro por Spiderman, no seríacapaz. Porque "CapitánTrueno..." no es que sea mala (que lo es) y no es sólo que presenteevidentes deficiencias presupuestarias (que las tiene, y a mucha honra), es quees un escupitajo en la cara de cualquiera que haya leído algún tebeo de estepersonaje. Allá donde el dinero noalcanza, están la imaginación y el talento para paliar las carencias monetariasy rellenarlas como sea, todo con tal de revestir de dignidad la obra que estásfabricando. Pero no. Aquí no. Aquí no hay dinero, cosa ya sabida, pero es que ni siquiera hayimaginación, y mucho menos talento. Desde el primer al último fotograma, la película no inspira otra cosamás que risa, o, perdón, risa, vergüenza ajena... y lástima. Mucha lástima. Porque, después de un fracaso tan clamorosocomo el que justamente ha cosechado este film, pasarán muchos años hasta queotro productor se atreva a tratar de relanzar las aventuras cinematográficas deun personaje que se merecía más, muchísimo más.

La génesis del proyecto ha sidolarga y difícil, y directores como Juanma Bajo Ulloa o Daniel Calparsoro hanestado vinculados alguna vez. Por suertepara ellos, tuvieron la inteligencia de bajarse a tiempo. Lo mismo puede decirse de Elsa Pataky, quehubiera sido una Sigrid estupenda pero debió leer el guión y comprendió que lomejor era alejarse de él como de la peste. Sergio Peris Mencheta no da el tipo en ningún momento; para encarnar a Trueno, se hubiera necesitadoun actor más maduro, más varonil, con más carisma, que infundieraseguridad... Natasha Yarovenko hace loque puede, que no es mucho, y ¿qué decir de Adrián Lamana (Crispín) y ManuelMartínez (Goliat)? El primero parece unadalid de la liberación del gay oprimido por la basta Edad Media y el segundo,que sorprende por su entonada composición, debería haber elegido un mejorvehículo para desarrollar sus talentos interpretativos (en realidad es lanzadorde peso). Todos y cada uno de lossecundarios (Gary Piquer, Asier Etxeandía, Alejandro Jornet, Roberto Alvarez, RamónLanga) realizan las peores interpretaciones de sus carreras, y no sólo bordeanla caricatura sino que parecen convencidos de que deben abandonarse aella. Honestamente, no podría salvarnada, absolutamente nada, de esta castaña pilonga que nadie en su sano juiciodebería ir a ver. Como mucho, apenassería algo benevolente con la música, que firma Luis Ivars. Pero todo lo demás... Las escenas de masas se reducen a la másescuálida y raquítica expresión, las luchas son más falsas que las del PressingCatch (los moros se quedan parados esperando que Goliat y sus aliados lesaticen), los diálogos son de una bobería que asusta y... y... ¿...qué más da? No merece la penaperder más tiempo hablando de un despropósito como éste. Ni se os ocurra verla. Me lo agradeceréis.

Luis Campoy

Lo mejor: nada (bueno, quizás la música y, ya en plan nostálgico, la canción finalregrabada por los chicos de Asfalto)

Lo peor: todo

El cruce: "Robin Hood" + "Kika Superbruja y la máquina de hechizos)

Calificación: 3 (sobre 10)

Cine actualidad/ "LA VOZ DORMIDA"

2011-10-25T16:07:00.001+02:00

Aquelloshorribles años

Cuarenta años de dictadura yrepresión dan para muchísimas historias, bastantes novelas y un buen montón depelículas. La Guerra Civil y laPosguerra españolas son foco de la imaginación e inspiración de no pocosautores que, desde que la Libertad llegó, no dudan en revivir recuerdos propioso ajenos o enmarcar tramas no del todo ficticias en aquel período triste yoscuro.

España, 1942. Pepita, una joven cordobesa temerosa einocente, llega a Madrid con la intención de estar cerca de su hermanaHortensia, encarcelada junto a otras mujeres republicanas en la cárcel de LasVentas. Sin comerlo ni beberlo, Pepitase verá inmersa de golpe en una durísima realidad de odio y castigo, perotambién de dignidad y esperanza, y los sucesos que vivirán tanto ella como suhermana, embarazada, marcarán su vida para siempre…

“La voz dormida”, la novela,escrita por la ya fallecida Dulce Chacón, se publicó en 2002 y casi deinmediato se convirtió en un gran éxito de ventas. Enganchó al público, sobre todo, la relativaoriginalidad del punto de vista, ya que plasmaba la contienda y susconsecuencias desde la óptica de su nutrido elenco de protagonistasfemeninas. A la hora de poner en imágenesla obra de Chacón, a alguien se le ocurrió la idea de que el realizador másidóneo era uno cuya ópera prima tenía también mucho que ver con el universo dela Mujer, y por ello el elegido fue Benito Zambrano, cuya sensibilidad y lassoberbias interpretaciones de María Galiana y Ana Fernández en “Solas” sobrecogieronal público en 1999.

A Benito Zambrano “La vozdormida” le ha venido un poco grande, o eso podemos suponer por el exceso deparafernalia archisabida y clichés mil veces vistos de los que adolece lapelícula. Mientras la veía,innegablemente emocionado por la apabullante calidad interpretativa de lasactrices, me preguntaba qué fallos podría imputar al film en un posteriorartículo, y el principal inconveniente es el mismo del que suelen adolecer casitodas las ficciones recientes que recrean los años treinta, cuarenta ycincuenta de nuestro pasado siglo. Laperspectiva que adoptan es, casi siempre, la de los perdedores, losrepublicanos, los rojos, y éso quiere decir que la objetividad brilla por suausencia, llegando a convertirse todo este subgénero en una especie de fantasíaque roza el infantilismo. Infantilismo,sí, porque, sin ser ni remotamente infantiles, se convierten en simplistascuentos de hadas en los que aguerridos héroes y hermosas heroínas de izquierdassufren el odio y la maldad de perversos fascistas y horrendas carceleras yreligiosas. La caracterización de lospersonajes de "La voz dormida" responde fielmente a este canon deinfidelidad histórica. No he leído lanovela de Dulce Chacón, pero estoy seguro de que no puede ser tan tendenciosa,partidista y manipuladora como su hija cinematográfica. Casi estoy deseando que llegue a España unnuevo gobierno de derechas para ver si se deciden a producir películas queexpliquen la misma guerra y sus mismas repercusiones pero desde el espejo delbando triunfador.

Pero no seamos tan duros con unfilm que por momentos deslumbra y emociona, especialmente merced al trabajoespléndido de sus dos protagonistas, en particular una que para mí fue todo undescubrimiento: María León. Esta joven de 27 años hasta ahora eraconocida por ser hermana del protagonista de "Aida", Paco León, alias"Luisma", y por haber realizado pequeños papeles en series como"Hospital Central" o "SMS" y películas como la no tan denostable"Fuga de cerebros". Gracias asu Pepita de “La voz dormida”, María León se convierte en la revelación delaño, no, mejor aún, de la década, un animal cinematográfico dotado de unaexpresividad mágica y unos ojos inmensos que transmiten todas las sensaciones ytodas las emociones sin necesidad de plasmarlas en palabras. Una gozada, un portento, un Goya a la MejorActriz Revelación. Junto a ella, InmaCuesta, popular por su papel de "Margarita" en "AguilaRoja", da vida a la valerosa Hortensia, una madre coraje que pare a suhija en medio de la barbarie carcelaria y se niega a ver su espíritu eidealismo doblegados. Jamás pensé queCuesta fuese tan buena actriz. Por sifaltaba alguien, también aparecen Myriam Gallego (la “Marquesa” asímismo de"Aguila Roja"), Anna Wagener (inolvidable en "La Señora") oBerta Ojea ("Ofelia" en "Mortadelo y Filemón"), que sinduda eclipsan con sus papeles secundarios a actores algo más deslucidos comoMarc Clotet, Daniel Holguín, Emilio Linder o el ubicuo Antonio Dechent.

Película de mujeres que pretendeser accesible a todo tipo de públicos, "La voz dormida" triunfa en el plano emocional pero naufragaen cuanto a vehículo narrativo de una historia constatable. No obstante, mis propias impresionessubjetivas me inducen a emitir un juicio positivo, pues a veces (no siempre) elpeso de los sentimientos decanta una balanza en la que el lastre delmaniqueísmo no debería emborronar la calidad intrínseca del alma del producto.

Luis Campoy

Lo mejor: Inma Cuesta y, muy especialmente, la fabulosa María León

Lo peor: el maniqueísmo que ya molesta, la caracterización de los pérfidosvillanos fascistas

El cruce: "La lengua de las mariposas" + "Los girasolesciegos" + "El crimen de Cuenca"

Calificación: 8 (sobre 10)

Mi vida como damnificado - Parte IV

2011-10-23T15:01:00.003+02:00

Viva los años que viva, recordaréeste 2011 como el Año del Terremoto, terremoto en todos los sentidos queconvulsionó mi vida y la de mi familia con tanta intensidad y dramatismo comoel seísmo del 11 de mayo afectó al suelo y a las gentes de Lorca. Ya la cosa no había empezado muy bien con latrombosis, leve por fortuna, que sufrió mi padre en febrero, y cuyos efectos yacasi parecían minimizados el día que la tierra tembló. Desde entonces, hemos entrado en una espiral oscuraen la que la tragedia lorquina (que, al fin y al cabo, y en no pocos sentidos,es también MI tragedia) y el cáncer de mi madre se han aliado para poner aprueba nuestro ánimo, nuestra fortaleza de espíritu… y nuestros ahorros.

Obligados a desplazarnos de lacéntrica vivienda en la que llevábamos un año y medio de razonable estabilidad,habíamos localizado lo más parecido al dúplex de nuestros sueños en lasinmediaciones del Santuario de la Virgen de las Huertas, patrona de Lorca cuyopatronazgo no había podido paliar los efectos de las sacudidas de mayo en laCiudad del Sol ni en su propio templo, revestido de andamios y a la espera deque alguna generosa entidad recoja el testigo de la CAM, demasiado ocupada ensu propio cataclismo financiero como para subvencionar ese tipo derestauraciones. En julio firmamos elcontrato de arrendamiento, con la idea de realizar el acondicionamiento delinmueble (íbamos a ser nosotros quienes lo estrenásemos) con tranquilidad y sinprisas y mudarnos a finales de septiembre, para empezar a vivir al tiempo queempezaba octubre. Tras el periploveraniego que ya he narrado en alguna ocasión, en los últimos días de agosto meavisaron de que la cocina ya estaba montaba y podíamos recibir las llaves,pequeños instrumentos metálicos sin los cuales no se podía acceder a lamansión. Lo primero que hice fuecontactar con mis electricistas de cabecera, para que fuesen colocando tomas detelevisión y teléfono por doquier, cosa que suelo hacer en cada casa en la quehabito. También contacté con elcarpintero que debía acondicionar los armarios empotrados, apenas tres y másdesnudos que Nacho Vidal durante su jornada laboral. Finalmente, llamé a los mudanceros para queme trajeran mis muebles y demás enseres, que llevaban desde mayo almacenados(amontonados) en una nave dejada de la mano de Dios. Los primeros que acudieron, cómo no, fueronPedro y Miguel Angel, que con eléctrica presteza casi se vinieron a vivir antesque yo, pues se tiraron infinitas horas no sólo cableando sino también ensamblandomuebles que a última hora me ví obligado a adquirir. Los que tienen un Ikea a la vuelta de laesquina saben muy bien lo mucho que pueden agradecerle a tan competente marca,pero nosotros, los de provincias, a quien habríamos de erigir un monumento esal BricoCentro Fermín (BricoFermín para los amigos), sin el cual puedo afirmarque mi humilde morada sería mucho más humilde de lo que es. En sus superpobladas instalaciones hemoscomprado de todo: desde tornillos ytuercas hasta una cama nido, pasando por lámparas, cortinas y un armario.

Los chicos de la mudanza medijeron que sólo tenían libre una fecha de septiembre: el día 12, que no sólo coincidía con elcumpleaños de mi madre sino también con su cita con el Oncólogo del hospitalVirgen de La Arrixaca de Murcia, que supuestamente le iba a implantar eltratamiento a seguir tras la operación. Me las ví y me las deseé para poder conciliar ambas cosas, pero allí queestábamos a las nueve de la mañana de aquel lunes murciano… sólo para descubrir que, por un erroradministrativo, llevábamos cita con el médico equivocado, pues quien debíaverla era el radiólogo (radióloga en este caso). Apelando a nuestra condición de “lorquinos”viajeros y despistados, la doctora en cuestión accedió a vernos entreradioterapia y radioterapia, y, con la pauta marcada para un rosario de futurasvisitas, emprendimos rumbo hacia Lorca, haciendo una pequeña escala en ElPalmar para visitar a mis tíos pero con la prisa de quien ha quedado a una horadeterminada con los transportistas. Denada sirvieron las carreras desenfrenadas y nuestra más que británicapuntualidad, pues el camión de la mudanza apareció como una hora y cuartodespués de lo acordado. Durante dos díasy medio, la mayoría de armarios, muebles, mesas, sillas, estanterías, cajas ypaquetes varios que les habíamos confiado fueron llegando y, con las mismas,empezaron a ser montados, pero he dicho “la mayoría” porque enseguida empecé aechar en falta algunas cosas. Una cajaentera de juguetes de mi hija había desaparecido, así como los cristales de lamesa del teléfono, varios cuadros y el mando de la lavadora. El horno estaba abollado pero logramosempotrarlo en su sitio, no así la vitrocerámica, que obligó al carpintero quehabía reestructurado la cocina (que es un poco trotamundos y ya había estado enuna vivienda anterior) a agrandar el hueco recortando el granito con una sierraque volvió a llenar de polvo todo lo que ya habíamos limpiado. Llamar “catástrofe” a esta mudanza seríaquedarse corto: ya daba por hecho que seiban a romper cosas (los vasos y las copas suelen resistir mal los largosperíodos de amontañamiento indiscriminado), pero de verdad que lo raro es quehayan llegado algunos objetos inmaculados. Donde quiera que miro veo rozaduras, arañazos, mellas en cristales,deformaciones apenas disimuladas. Se meocurrió pedirles que me reforzaran la base de un perchero que estaba mediosuelta, y me rompieron un brazo del pobre mueble; no sólo tardaron dos días en localizar lostornillos de la litera en las que duermen mis hijos, sino que, cuando por fin lamontaron, se quedó tan endeble que daba miedo sólo de mirarla. Tuve que pedir vacaciones para intentarorganizar un caos monumental, agravado por el hecho de que mi dúplex no es taldúplex, sino un tríplex, una estructura de tres plantas habitables y un sótanoen la que, casualmente, cuando necesitas algo o tienes que colocar el contenidode alguna caja, nunca (pero nunca) estás en la planta adecuada. Durante más de una semana, apenas podíamosmovernos por entre las cajas, ya que el carpintero no había terminado de “vestir”los armarios empotrados y no podíamos hallar las barras para colgar la ropa enlos armarios que sí estaban montados. Elúltimo día de septiembre, con todo todavía patas arriba en la casa nueva, nosvimos obligados a abandonar el hogar provisional en el que habíamos estadoresidiendo desde mayo, y donde también teníamos camas y accesorios. Después de una tarde agotadora (sobre todopara estos otros mudanceros, distintos de los anteriores), se me ocurrió (¡enqué mardita hora!) pedirles que me ayudaran a trasladar un armario de unahabitación a otra, y, durante el desmontaje, el armario quedó hecho trizas, asícomo el otro perchero que tengo (voy a tener que realizar un análisisconcienzudo de por qué ignota razón los mudanceros la tienen tomada con lospercheros). La semana siguiente, despuésde haber dormido una primera noche en condiciones infrahumanas (la caja esbella), tuve que volver a pedir vacaciones y andar como loco en busca de unarmario con el que reemplazar al destruido, pero no me lo trajeron hasta el díasiguiente, y, cuando mi compañero Mariano y yo estábamos terminando demontarlo, se nos resbaló una puerta y la bisagra se quedó arrancada; vaya por Dios, ni siquiera un segundo mehabía durado nuevo el closet, ni tan siquiera estrenarlo iba a poder. Como quiera que en mi nueva dirección noexistía cableado de ONO, mi empresa de telefonía habitual, me ví obligado acambiar de compañía, y con los nuevos, TeleLorca, contraté no sólo el teléfonosino también el internet de 20 Mb y la televisión de 70 canales. Pero tampoco fui muy afortunado en ésto: 10 de las 20 megas nunca llegaron, y 28 canalestelevisivos se perdieron por el camino. Ni siquiera mis reclamaciones ni laintervención de mi colega Pablo logró mejorar las cosas, de modo que dicen quese me va a beneficiar con un descuento en la facturación, para compensar ellargo trecho entre lo prometido y lo suministrado.

Pasé dos tardes enterasrecomponiendo muñecos y figuras que habían sobrevivido al terremoto… pero no a la mudanza. Cabezas, brazos y piernas fueronrelativamente fáciles de arreglar, pero, ¡ay!, cuando les tocó el turno a las finísimasespadas de luz de los personajes de “La Guerra de las Galaxias”, tuve que echarmano de una paciencia que ni siquiera sabía que poseía. Aprovechando que uno de los cuadros perdidosy todavía no aparecidos fue el cartel enmarcado de mi primera película, “ElButanero Siempre Llama Dos Veces”, volví a reimprimir una copia de éste y,junto con el póster hasta hoy olvidado de mi segunda y nunca estrenada producción,“Sangre”, los llevé a enmarcar los dos y desde ahora ocupan un lugar de privilegioen mi salón.

Hace casi un mes que vivimos enla nueva casa y todavía quedan algunas cosas por hacer, pero, poco a poco, unova pudiendo relajarse sin sentirse culpable de que la relajación se desarrolleen un entorno necesitado de mucho orden y trabajo. Con el mando de la lavadora recién comprado einstalado, las cajas abiertas, vacías y devoradas por el contenedor, losposters adornando el despacho y los dormitorios juveniles y los cuadros supervivientesya colgados, vuelvo a tener tiempo para sentarme a escribir esta nueva páginade mi existencia como damnificado por todo lo acaecido en este año en que latierra de Lorca tembló y nos hizo temblar a todos nosotros.

Cine actualidad/ "NOCHE DE MIEDO"

2011-09-18T08:37:00.002+02:00

Hincandoel diente a un recuerdo

Un domingo por la mañana, allápor noviembre de 1985, me sentaba en un banco de un parque de Alicante, ávidopor hojear mi revista de cine favorita, el insustituible “Fotogramas”, queacababa de adquirir en el kiosco de mi barrio. En sus páginas, un artículo llamó especialmente mi atención: trataba del estreno de una película devampiros rodada, al parecer, con amplias dosis de humor. Aquella “Noche de Miedo” original me asustó yme divirtió a partes iguales, y me dejó un recuerdo imborrable, a pesar de que,como ya entonces comprendí, no era precisamente una obra maestra.

En estos tiempos en los que locomún son los remakes y las secuelas, y lo realmente escaso es la originalidad,no era de extrañar que, más tarde o más temprano, le tocara el turno a tanexitoso film de Tom Holland, sustituído ahora por un para mí desconocido CraigGillespie. Gillespie y su guionistaMarti Noxon (de la serie “Buffy Cazavampiros”), apenas introducen unos mínimoscambios en una historia que básicamente es la misma que la original. Charley Brewster es un adolescente norteamericanoque vive con su madre. Por el día,asiste al instituto como cualquier otro muchacho de su edad, y por las nochesalterna la compañía de su bella novia Amy con el visionado de un programatelevisivo titulado “Noche de Miedo”, que presenta el supuesto cazador devampiros Peter Vincent. Este último serásu mejor aliado cuando, coincidiendo con una serie de misteriosasdesapariciones de jóvenes de la zona, Charley descubra que su nuevo vecino JerryDandridge es en realidad… un vampiro.

Para empezar, la nueva “Noche deMiedo” se diferencia de su predecesora en que el famoso cartel de aquélla (undibujo en el que se veía la casa de Charley, a éste en la ventana y las nubesdel cielo nocturno conformando la figura de un vampiro) ha sido sustituído porun deleznable póster que muestra en primer término a Charley portando un hachay el rostro del vampiro, enorme, mirándonos con los clásicos ojos inyectados ensangre. La modernidad exhibicionistamató al arte de la imaginación.. Apartir de aquí, no es de extrañar que la sutileza brille por su ausencia. En esta nueva versión, ya no es Charley (ycon él, el espectador) quien, poco a poco, y quién sabe si influenciado por elprograma televisivo al que es adicto, cree descubrir que su vecino es unchupasangre, sino que su defenestrado amigo Evil Ed se lo larga todo a lasprimeras de cambio, destrozando el factor sorpresa. Peter Vincent ya no es un entrañable actor deviejas películas venido a menos, sino un petulante showman de Las Vegas; y Jerry Dandridge ya no se apellida “Dandridge”(que vocalmente suena parecido a “Dandy”, es decir, “elegante y refinado”),sino que se llama escuetamente “Jerry”, apelativo nada refinado y a todas lucespoco elegante. No son muchos más loscambios introducidos, aunque eso sí, algunas escenas han sido cambiadas deorden cronológico, y otras nuevas han surgido de la “sangrienta” imaginación deNoxon. El resultado, en líneasgenerales, no puede decirse que sea despreciable, pero lo cierto y verdad esque la nostalgia es una mala consejera, y el corazoncito cinéfilo de uno lejuega habitualmente muchas malas pasadas. La estética ochentera, rescatada con tanto acierto por J.J. Abrams en “Super8”, deviene de tierna horterada en sucio verismo. Los efectos especiales de hoy en día, muysuperiores (¿por qué negarlo?) a los pedestres maquillajes de 1985, tienen lafrialdad aséptica del ordenador. Y,aunque Anton Yelchin (el nuevo Charley), Christopher Mintz-Plasse (el nuevoEd), Imogen Poots (la nueva Amy) y, sobre todo, Toni Collette (la nueva mamá)logran superar las creaciones de, respectivamente, William Ragsdale, Stephen Geoffreys,Amanda Bearse y Dorothy Fielding, el punto flaco que el fan de la “Nochde deMiedo” primigenia no puede perdonar son las presencias de Colin Farrell y DavidTennant. El primero, en unainterpretación que no se sabe si es cachonda o alucinada, se deja por el caminotoda la elegancia y la sensualidad del infravalorado Chris Sarandon (quien, porcierto, hace un pequeño cameo). Encuanto al segundo, la memorable creación del inolvidable Roddy McDowall (elhombre que solía esconderse bajo capas y capas de maquillaje en las películas ytelefilms de “El planeta de los simios”) parece ahora aún más fabulosa,mitificada por la vulgar presencia de su sustituto, un David Tennantcaricaturesco. No sé si, de no tener tanpresente el recuerdo de la “Noche de Miedo” original, mis impresiones sobre suremake serían ahora otras, pero es incuestionable que, muchas veces, laspelículas que, por una u otra razón, nos dejaron una huella sentimental, nodeberían ser reversionadas, sino simplemente remasterizadas: es decir, si se trata de actualizar un filmde hace casi 30 años, ¿por qué no conformarnos con remasterizarlo yreestrenarlo?. Desde que luego que así,los puristas y los viejos carrozas dormiríamos más tranquilos…

Luis Campoy

Lo mejor: el trío de jóvenes (Anton Yelchin, Imogen Poots y ChristopherMintz-Plasse) y, sobre todo, la ya casi veterana Toni Collette

Lo peor: la ausencia de sorpresas en el guión, la sosísima composición de DavidTennant

El cruce: “Noche de Miedo” (1985) + “El Día de la Bestia” + “Déjame entrar”

Calificación: 6 (sobre 10)

Cine actualidad/ "LO CONTRARIO AL AMOR"

2011-09-08T22:29:00.001+02:00

Apagandoincendios, encendiendo pasiones

Los protagonistas masculinos sonbomberos… pero “Lo contrario al amor”nada tiene que ver con “El coloso en llamas” o “Llamaradas”; de hecho es a ellas… casi lo contrario.

Merce es una chica hastiada desus sucesivos fracasos sentimentales. Raúl es un bombero cansado de noviazgos fallidos. Ambos se conocen por casualidad, y a trancasy barrancas inician una relación en la que ambos pretenden sentirse más librese independientes de lo que hasta entonces han sido. Pero claro, ¿no entraña el amor cierto gradode dependencia inevitable…?

Ví “Lo contrario al amor” conbastante agrado, y eso que el tráiler, que dejaba bastante que desear, cargabademasiado las tintas en un tipo de humor basto y soez que parece gustar mucho adeterminado sector del público. A pesarde esas concesiones a la galería, la película que ha dirigido elcortometrajista Vicente Villanueva cuenta con un guión también casero que seesfuerza por rodear a los protagonistas de un florido elenco de secundariosque, como a veces sucede, acaban por comerse a las teóricas estrellas. Los bomberos que flirtean con lahomosexualidad, la hermana ex cantante que intenta en vano volver a estar en elcandelero, el agente secretamente enamorado de su representada…. No hay duda de que no sólo sus personajesestán mejor escritos, sino que las interpretaciones de Alex Barahona, LuisCallejo, Guadalupe Lancho, Rubén Sanz y la veterana Kiti Manver sonnotoriamente superiores a las de las teóricas estrellas. Adriana Ugarte no resulta convincente lejosde un dramón de época como “La Señora”, y se empieza a intuir que no estáespecialmente dotada para la comedia. Yen cuanto a Hugo Silva, ciertamente tiene un gran físico y un carismaindudable, pero actuar también es vocalizar, y Silva se conforma con emitir balbuceosno siempre inteligibles.

No es una gran obra y ni siquierauna buena ópera prima, y no deja de ser una pena que se haya desaprovechado eltirón taquillera de uno de los pocos actores españoles que por sí solo puedeservir de gancho, pero “Lo contrario al amor” tampoco es un film totalmentedesaprovechable. Hay buenasinterpretaciones (secundarias), hay pequeñas historias paralelas interesantes… Hay que darle, por tanto, el beneficio de laduda a Vicente Villanueva, y esperar futuros y mejores trabajos.

Luis Campoy

Lo mejor: los personajes secundarios y sus divertidas subtramas

Lo peor: la poco creíble Adriana Ugarte, el abuso de lenguaje soez como recursohumorístico

El cruce: “Amor y otras drogas” + “Llamaradas”

Calificación: 6 (sobre 10)

Cine actualidad/ "DESTINO FINAL 5"

2011-09-06T23:27:00.001+02:00

La Muerteno se toma vacaciones

Hace bastante tiempo, y nisiquiera en cine, tuve ocasión de ver la primera y original (si es que asípuede denominarse a un film de terror que se parece a un millón de films deterror precedentes) “Destino Final”. En ella,el joven superviviente de un accidente del que había escapado a ultimísima horamerced a una premonición, veía, cómo, sin poder evitarlo, todos los que tambiénhabían sobrevivido iban muriendo uno tras otro, irreversiblemente y víctimas deabsurdos accidentes. La Muerte no estabadispuesta a renunciar a cobrarse sus presas…

Once años después del estreno dela primera parte, llega a los cines, y además en 3-D, como no podía ser de otramanera, el quinto capítulo de la saga, que, bajo el novedoso título de “DestinoFinal 5”, narra una historia de alucinante originalidad: un joven que ha sobrevivido a un accidentegracias a un extraño presentimiento, es incapaz de evitar que, uno detrás deotro, el resto de supervivientes vayan falleciendo en situaciones de lo másabsurdas. La Parca no se resigna aprescindir de las almas que estaba destinada a llevarse… Pero espera… ¿he dicho argumento original…? Esto… ¿No es la misma historia de la primeraentrega? ¿No será acaso que en cada unode los “Destinos Finales” se cuenta lo mismo una y otra vez y tan sólo varían losactores, los directores y algunas circunstancias inherentes a los cada vez másrocambolescos fallecimientos?.

Lo que más me llamó la atenciónde “Destino Final 5” no fue, lógicamente, lo archisabido de su historia, ni lasofisticación de los casuales asesinatos, ni el muy bien explotado 3-D, ni labelleza de sus jóvenes protagonistas… sino la presencia de uno de ellos, de quien no tenía ni la más remotaidea de su existencia. Se llama MilesFisher y podría pasar por hermano gemelo de Tom Cruise (eso sí, de cuandoCruise tenía como veinte años menos), y lo bueno es que el tipo lo sabe ygesticula exactamente igual que la estrella de “Misión: Imposible”. Todo un descubrimiento, este pescador (significado de “Fisher” eninglés) de talento ajeno. Los otrosintérpretes responden a nombres tan pintorescos como Nicholas D’Agosto (sí, yoví la peli en el mes de Agosto, ¿y qué?), Emma Bell (Campanita del lugar) oArlen Escarpeta (¿carpeta o libreta?). Elseñor encargado de mover la cámara y arrojar objetos mortíferos a los ojos del espectadorse llama Steven Quale… y yo feliz quale unaperdiz.

Luis Campoy

Lo mejor: el 3-D, de los más espectaculares que se han visto últimamente

Lo peor: la falta de originalidad; lainsípida falta de carisma de los actores; ¿qué más da que vivan o mueran?

El cruce: “Destino Final” + “Destino Final 2” + “Destino Final 3” + “Destino Final4”

Calificación: 6 (sobre 10)

Cine actualidad/ "ZOOLOCO"

2011-08-30T18:09:00.003+02:00

Los animales que susurraban al oído de un hombre

A veces pienso que el Cine es una de las peores drogas, o mejor dicho, lo es el hecho de sentirse como en ningún sitio en la oscuridad de una sala de cine. Te engancha tanto, y más aún en la acalorada época estival, que sólo asumiéndolo como una adicción se entiende que un tipo tan sensible como yo se permitiese caer en una sala en la que proyectaban una cosa como “Zooloco”.

Griffin es el más cachondo y amigable guardia del zoológico. Quiere realmente a los animales (más que a casi todas las personas), y los animales le quieren a él. Tanto le quieren, que no dudan en desvelarle su mayor secreto: ¡hablan!.

La primera vez que oí hablar del actor Kevin James fue cuando protagonizó “Superpoli de centro comercial”, que, obviamente, me abstuve muy mucho de ir a ver (se vé que, por suerte, por aquel entonces había en cartel muchas otras películas que merecían más la pena). James se curtió en la televisión, como tantos y tantos humoristas norteamericanos, y en España se le ha podido ver en títulos como “Hitch”, “Yo os declaro marido y marido” o “Niños grandes”. Por algún sitio he leído que se le conoce como “el amigo gordo de Adam Sandler”, y eso da fe del tipo de humor al que es adepto. Con “Zooloco”, traducción muy sui géneris del original “Zoo Keeper” (“El guardia del Zoo”), me he acordado de aquellos lejanos tiempos en que las comedias un poco desmadradas se rebautizaban aquí con el adjetivo “Loco”. Fue el caso de “Los locos de Cannonball”, “Loca academia de policía”, “Esos Zorros locos, locos, locos”, “La loca historia del Mundo”, “La loca historia de las Galaxias” o “Los locos del bisturí”, films que, en ninguno de los casos, contenían “Crazy”, “Mad” o “Fool” en su nomenclatura inglesa. En fin, el caso es que, en muchos sentidos, “Zooloco” es al humor bufo lo que “Super 8” al cine de Steven Spielberg: un viaje a los añorados años 80. Eso sí, mientras la cinta de J. J. Abrams consigue su objetivo de hacernos reverdecer bonitas sensaciones de hace veinticinco o treinta años, “Zooloco” lo que nos trae es la misma frustración e indignación que nos embargaban hace casi tres décadas. El guión es de una simplicidad que asusta (¿animales parlantes que no están dibujados por Walt Disney?), el mensaje no puede ser más pueril (el cariño de los animales compensa el fracaso en las relaciones humanas) y el desenlace de la trama romántica se ve venir desde el principio (hasta los animales se dan cuenta a los diez minutos de metraje de que Griffin va a acabar al lado de la fogosa Rosario Dawson, mal caracterizada bajo unas gafas poco disuasorias).

Frank Coraci es el encargado de orquestar este show de bichos digitalizados en el que de algunos se saca un notable partido (caso del gorila), pero en el que la mayoría de ellos son simplemente insoportables (el tití doblado por José Mota). Aparte de la campechanía de Kevin James (eso es innegable), absolutamente nada más que destacar en este inofensivo telefilm para niños que, con todo, me hizo bostezar un poquitín menos que “Los Pitufos”.

Luis Campoy

Lo mejor: Kevin James

Lo peor: el guión, la dirección, los actores… todo

El cruce: “Noche en el museo” + “Dr. Dolittle”

Calificación: 4,5 (sobre 10)

Cine actualidad/ "BETTY ANNE WATERS"

2011-08-25T19:39:00.001+02:00

Convicción, perseverancia y amor fraterno

Con un año de retraso, se estrena en España “Conviction”, película que, ni teniendo como protagonista a la doble ganadora del Oscar, Hillary Swank, ha logrado abrirse un hueco en nuestra cartelera… hasta ahora. En cualquier caso, se trata de uno más de esos muchos films que se presentan con la muy temible coletilla de “Basada en hechos reales”, coartada que, desgraciadamente, ha dado pie a no pocos bodrios en estos últimos tiempos, por no mencionar una caterva de deleznables telefilms.

En 1983, un hombre llamado Kenneth “Kenny” Waters fue condenado a cadena perpetua, acusado de un horrendo crimen que él siempre negó haber cometido. Su hermana Betty Anne, quizás la única persona que creyó siempre en su inocencia, no sólo no se rindió ante el peso de la Ley, sino que emprendió una cruzada personal que le costó su matrimonio e incluso la custodia de sus hijos, llegando hasta el punto de cursar la carrera de Derecho, convirtiéndose en abogada para ser ella misma la defensora del convicto…

A pesar de que el título original, “Conviction” supone en sí mismo un acertado juego de palabras entre “Convicto” (el reo) y “Convicción” (la fe de la hermana en probar la inocencia de éste), la distribuidora española ha optado por estrenar la película como “Betty Anne Waters”, es decir, el nombre y apellido de la protagonista. El director asignado al proyecto ha sido, oh, sorpresa, el también actor Tony Goldwyn, al que quizás pocos reconozcáis en primera instancia, pero que, como intérprete, alcanzó fama universal interpretando al villano de “Ghost” (el tristemente olvidado film con Patrick Swayze, Demi Moore y Whoopi Goldberg. Beneficiándose de un buen guión de Pamela Grey, Goldwyn intenta desmarcarse del clasicismo más rancio, y se esfuerza, y mucho, por ser original y creativo en la dirección. Hasta tres narraciones temporales llegan a entremezclarse (la niñez de los protagonistas, la época del ingreso en prisión de Kenny y el momento actual), y en todas ellas el realizador no sólo es escrupuloso en la ambientación y la caracterización de los personajes, sino que (algo que me encanta) cuida amorosamente los encuadres, las transiciones y el ritmo de cada secuencia.

También el reparto contribuye a hacer de “Betty Anne Waters” un drama bastante aceptable, y junto a Hilary Swank (muchísimo más entonada que en la fallida “La víctima perfecta”), destacan un estupendo Sam Rockwell (el hermano presidiario) y unos recuperados Minnie Driver, Peter Gallagher y Juliette Lewis, que últimamente se prodigan poco en la gran pantalla. No puede decirse que haya sido precisamente un éxito, pero, al menos, “Betty Anne Waters” supone una alternativa inteligente para el público maduro hastiado de pitufos, simios, animales parlantes y aventurillas en incómodo 3-D.

Luis Campoy

Lo mejor: la dirección de Tony Goldwyn; las escenas de bar, en las que se interpretan en directo “My Sharona” o “Long Train Running”

Lo peor: la poca convicción de la distribuidora en su potencial, estrenándola un año después y de tapadillo

El cruce: “Al filo de la sospecha” + “Acusados” + “Las dos caras de la verdad” + “Stone”

Calificación: 8 (sobre 10)

P.D.: Aunque en la película no se llega a contar, lo cierto es que, apenas seis meses después de salir de la cárcel tras una injusta condena de dieciocho años, Kenny Johnson falleció a causa de un estúpido accidente doméstico.

Veraneando (y II)

2011-08-23T19:03:00.003+02:00

El Hotel Jardines de Lorca se inauguró en los años 90, poco después de que lo hiciera el otro gran establecimiento hotelero de la ciudad, el Amaltea. En todo este tiempo, el Jardines ha sido una especie de hermano pequeño, de opción pelín menos elegante a la par que ligeramente más económica. Como es lógico, también su piscina es bastante más pequeña que la de su competidor, lo cual se traduce en que uno se cansa antes de chapuzarse y/o de broncearse en su entorno. Gracias a una providencial oferta 3x2, nos hospedamos de miércoles a viernes pero sólo abonamos dos noches, si bien cualquiera que se haya alojado en un hotel de cuatro estrellas puede hacerse cargo de todos los gastos colaterales que una estancia de ocho personas y personitas conlleva. El sábado, ya algo más expertos en la “jardinería” lorquina y considerablemente más relajados y ligeros, retornamos al hogar provisional (pero hogar al fin y al cabo), sólo para descubrir que tan sólo se había efectuado la tercera parte del derribo, y la porción de edificación que más cerca nos tocaba aún seguía allí, intacta. Un pesimista se hubiera cabreado hasta lo indecible, porque, a pesar del éxodo y del despilfarro, lo peor aún estaba por venir… pero ¿y esos días de lujo pasado por agua? Demonios, ¡que nos quitaran lo bailao!.

Con las primeras luces del martes posterior a la festividad de la Virgen, comenzaron también los primeros golpes y chirridos. Dos enormes grúas hambrientas de cemento y hormigón habían comenzado a devorar su presa, y, si bien ya no podíamos permitirnos otra escapada hacia el derroche, esa mañana sí la pasamos fuera, casi de bar en bar y casi empalmando el desayuno con el aperitivo, éste con la comida y aquélla con el helado. Entrada la tarde, sufrimos por fin la molestia que tanto nos temíamos. Ni siquiera viendo una película y escuchándola a toda caña a través del dolby surround pudimos abstraernos a la realidad de que los golpes demoledores no cesaban, y de que realmente el edificio comenzaba a temblar de arriba a abajo, provocando el pánico en algunos de nosotros, que optaron por bajar a la calle para no revivir más sísmicos recuerdos. Claro que, cuando los operarios vinieron corriendo y gritando que había un escape de gas, ni siquiera los más serenos pudimos resistirnos a la tentación de practicar la más honrosa de las huídas. Mi amigo Eugenio, recién llegado de nuestro Alicante, pudo comprobar de primera mano cómo se vivían los estertores del terremoto de Lorca, ¡y menos mal que pudimos respirar tranquilos cuando se comprobó que el gas, que parecía tan peligroso, apenas pertenecía a un acondicionador de aire mal regulado! Lo cierto es que, entre miedos y risas, de lo malo sólo quiero recordar lo bueno, de entre lo nefasto, apenas lo positivo.

Pero las mini vacaciones agosteñas languidecían, así que, como venimos haciendo de un tiempo a esta parte, la traca final quisimos prenderla a lo grande, nada menos que en el Balneario de Archena, lugar privilegiado del que en alguna otra ocasión ya he hablado en estas páginas. Entre sus aguas termales, lúdico tratamiento para la salud, disfruta uno tanto que se olvida de lo cotidiano y lo mundano. Tan olvidadizo puede llegar a estarse que, mi menda lerenda, embutido en uno de esos bañadores ultramodernos plagado de bolsillos, no se percató de que en uno de ellos cargaba nada menos que la cartera. En ella, había de todo menos donuts: billetes, fotos, carnets, tarjetas de crédito…. todos hechos unos zorros chorreantes. Sorprendentemente, los billetes se secaron sin más, la cartera recuperó su naturaleza y hasta las tarjetas volvieron a funcionar. Tras reimprimir las fotos borradas y derretidas, ya puedo narrar el incidente con el mismo buen humor que de costumbre.

Cine actualidad/ "SUPER 8"

2011-08-22T07:04:00.003+02:00

Regreso al pasado

A partir de 1982 y, gracias al descomunal éxito de sus películas, Steven Spielberg comenzó a producir cintas de otros realizadores, para los que ejerció de mecenas dándoles un espaldarazo a sus carreras y, obviamente, llenando sus propias arcas con el éxito inmediato de sucesivos proyectos, la mayoría de ellos aclamados por el público, pues el apellido Spielberg, llamado desde entonces “El Rey Midas de Hollywood” constituía una garantía de aventura y entretenimiento de tono casi siempre familiar. Fueron los años de “Gremlins”, “Poltergeist”, “Los Goonies”, “Regreso al futuro”, “Exploradores” o “El secreto de la Prámide”, cuya temática y estética casaban a la perfección con sus propias realizaciones, como “Encuentros en la tercera fase” o “E.T., El Extraterrestre”. Todavía Spielberg continúa ejerciendo de productor, y prueba de ello son películas como la trilogía de “Transformers”, la de “Parque Jurásico” o “La Máscara del Zorro” (versión Antonio Banderas) y su secuela, pero es obvio que los tiempos cambian y este tipo de films ya nada tienen que ver con la inocencia y aparente simplicidad de los títulos antes reseñados. Hasta ahora. J.J. Abrams, el creador de bombazos televisivos como “Perdidos”, “Alias” y “Fringe” y director de “Misión Imposible III” o la última génesis de “Star Trek”, se convierte en nuevo chico Spielberg, y el tiempo parece haber vuelto atrás…

Estamos en 1979. Un grupo de adolescentes que viven en un pueblo de Ohio está rodando una película de terror con la cámara de super 8 mm del padre de uno de ellos. Mientras graban una escena en una estación de tren, se produce un espectacular accidente ferroviario y a partir de ese momento comienzan a suceder hechos inexplicables y desapariciones de personas. ¿Quizás la clave estará en la cinta que continuó grabando la cámara cuando el trípode se volcó durante el incidente…?

Para toda una generación de cineastas, el super 8 fue mucho más que un formato doméstico en el que impresionar sus películas familiares. Difundido a principios de los años 60, gracias a él pudieron comenzar a desarrollar sus inquietudes jóvenes creadores como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese o el mismo Steven Spielberg. Sentido homenaje no sólo a una forma de iniciarse en el séptimo arte sino a toda una época que hoy recordamos con tierna nostalgia, “Super 8”, la película, denota en cada uno de sus fotogramas un cariño y un respeto supremos al pequeño subgénero al que se adscribe. Es, con todo derecho y merecimiento, “una producción de Steven Spielberg”, más aún que “un film de J.J. Abrams”. Abrams venera a Spielberg, y eso se traduce tanto en el tratamiento literario de la historia como en la cuidada realización técnica. Por momentos, parece que realmente estamos asistiendo a la proyección de una obra ochentera, surgida en un mundo sin video, sin DVD, sin tablets ni ordenadores personales, sin teléfonos móviles. Una era en la que aún quedaban millones de aventuras por vivir, en la que la niñez y la adolescencia podían hacerse casi eternas, en la que casi todo era posible. Para empezar, el poster lleva la impronta inequívoca de Drew Struzan (aunque en realidad parece que finalmente no ha sido éste su autor de facto), al igual que lo hicieran “Regreso al futuro” o “Los Goonies”. La música, compuesta por Michael Giacchino, sigue las pautas de las que solía escribir el maravilloso Jerry Goldsmith (en los films dirigidos por él, Steven Spielberg utilizaba a su compositor fetiche John Williams, mientras que los proyectos en los que sólo aparecía como productor los musicalizaba casi siempre Goldsmith). Además, Abrams y su operador Larry Fong filman con una fotografía deliberadamente granulada que contrasta con la pulcritud digitalizada de los films de nuestros días. Es decir: la sensación de estar viviendo un viaje en el tiempo es real y dura toda la película.

Justamente respaldada por el público al tiempo que bendecida por la crítica, “Super 8” se ha convertido en el fenómeno cinematográfico del verano, en la película que todo buen amante al cine debería querer ver. Méritos no le faltan. Compendia, una vez más, todos los aspectos positivos de la idiosincrasia spielbergiana (apabullante pericia técnica, ubicación en entornos poblacionales pequeños, defensa a ultranza de las estructuras familiares, glorificación de la amistad, mitificación de lo aventurero), aunque también, consecuentemente, recoge algunos de sus defectos. Demasiadas secuencias (el accidente ferroviario, la huída de la guarida de la criatura) son excesivamente aparatosas y ruidosas, como si Abrams, enfervorizado en su tributo al maestro, se hubiese propuesto multiplicar por dos la parafernalia visual y sonora que a éste caracteriza. Los jóvenes protagonistas son el alma y motor de la acción, pero no siempre están caracterizados con el encanto que se pretende. Y bueno, ¿qué decir del ridículo aspecto del alienígena? Abrams también ha heredado uno de los mayores errores de, por ejemplo, “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal”. No sólo no es necesario, en un planeta inmenso y todavía lleno de incógnitas como la Tierra, establecer el origen del misterio allende las estrellas, sino que siempre, siempre, es mejor dejar que el espectador se imagine el aspecto de la amenaza que visualizarla sin ninguna gracia ni inspiración.

Protagonizada por un elenco de intérpretes semi desconocidos (los únicos que podrían sonarnos serían Kyle Chandler, el padre del protagonista, Elle Fanning, la chica, y Ron Eldard, el padre de ésta), no dudo que “Super 8” puede constituir la plataforma de lanzamiento de un joven actor sensible y fotogénico que se llama Joel Courtney. Como el Elliott de “E.T.”, el Mikey de “Los Goonies” o el Ben de “Exploradores”, este Joe de “Super 8” es algo así como el alter ego de todos nosotros, el muchacho ansioso de aventura y necesitado de cariño ante cuyos asombrados ojos se despliega un universo de mágicas sensaciones.

Luis Campoy

Lo mejor: la fotografía, la música, la recuperación de una época que ya nos parece maravillosa

Lo peor: algunas secuencias excesivamente aparatosas, el diseño del monstruo

El cruce: “Los Goonies” + “E.T.” + “Exploradores” + “Encuentros en la tercera fase” + “Monstruoso” (nótese que son todas películas dirigidas y/o producidas por Spielberg o Abrams)

Calificación: 8,75 (sobre 10)

Cine actualidad/ "CONAN, EL BÁRBARO"

2011-08-21T09:13:00.004+02:00

Barbarie digital y previsible

Hace casi 30 años, en 1982, un sábado por la tarde acudí al Cine Navas de Alicante con mi amigo Josué y su hermana. La película, una adaptación de un comic que tiempo atrás había publicado la omnipresente Marvel, se titulaba “Conan, El Bárbaro”, y la protagonizaba un caballero cuyo apellido era absolutamente impronunciable. Pero en realidad ése no era el origen del mito, sino una serie de relatos que el escritor Robert E. Howard comenzó a publicar en 1932 y en los que se narraban las aventuras de un brutal guerrero cimmerio, en un entorno primitivo de espada y brujería. El film, que, sorprendentemente, contaba con un guión escrito por el más adelante prestigioso Oliver Stone, fue un considerable éxito de taquilla, y propició la realización de una secuela legítima y una apócrifa, además de imponer toda una moda basada en este género de machos alfa hiper musculados, violentos y apenas vestidos con una faldita o un taparrabos.

Han tenido que transcurrir casi tres décadas para que el bueno de Conan regrese a la gran pantalla, aunque el tiempo no perdona y, en lugar del ya ex-governator Arnold Schwarzenegger, quien empuña la espada salvaje es otro musculitos con mirada torva, Jason Mamoa. La historia también ha experimentado algunas mínimas diferencias con respecto a la que se narraba en el primer film de John Milius, pero, en líneas generales, se mantiene en torno a los patrones conocidos. Conan es el hijo del jefe de su tribu guerrera, y es tan guerrero que nació en pleno campo de batalla, merced a una de las cesáreas más veloces que se han visto en la pantalla. Cuando su aldea y su propio padre son masacrados por un villano megalómano con pretensiones de convertirse en dios, Conan escapa y, en el devenir del tiempo, se convierte en mercenario, pirata y ladrón. Sin embargo, es la idea de la venganza lo que le mantiene vivo, sabedor de que el destino le pondrá algún día en el camino del asesino de su padre…

Cuando se dio luz verde al nuevo “Conan The Barbarian”, muchos nos alegramos… pero cuando se supo que el director asignado era el alemán Marcus Nispel, casi todos nos echamos a temblar. Nispel tiene en su haber la realización de hasta ¡cuatro! remakes (“La matanza de Texas”, “Frankenstein”, “Pathfinder, El guía del desfiladero” y “Viernes 13”), y a esa nula originalidad temática se le ha venido sumando una considerable mediocridad artística. ¿Fue una sabia decisión que los productores de la película contrataran a un realizador a todas luces poco dotado? Bueno, como dije en el artículo sobre “Capitán América, El Primer Vengador”, a veces de lo que se trata es de que se ruede rápido, con un mínimo de profesionalidad, y con el presupuesto a salvo de malhadados dispendios. Pedirle peras al olmo no se puede o no se debe, y, ¿qué diablos?, tampoco cabe atribuir todo aquéllo que nos irrita de “Conan 2011” al pobre Marcus. Ya el guión peca de una simpleza que asusta, quizás para huir de la grandilocuencia del que escribiese Oliver Stone, y en la historia lo que priman son las batallas y batallitas, a cada cual más bárbara, hasta un desenlace que, obviamente, sabe a poco. No tengo nada que objetar a Jason Momoa, que, sin ser un actorazo, al menos sí le da a su personaje un punto de brutalidad casi inocente, justificada en su propia conciencia por el entorno bestial en el que le ha tocado vivir. Claro que ese determinismo podía haberse visualizado con menos decorados digitales y un poco más de ambición estética, ¿no?. La diferencia entre un artesano y un creador consiste en que el primero se limita a ubicar la cámara y dejar que los actores se muevan alrededor de ella, mientras que el segundo se esfuerza por crear belleza, crear innovaciones plásticas, crear personajes inolvidables, crear momentos memorables… crear al fin y al cabo. Como tantas veces he dicho antes, la realidad es que este “Conan El Bárbaro”, espadazo más, pixel menos, en poco se diferencia de aquéllos péplums con decorados de cartón piedra que veíamos en el salón de actos del colegio tantísimos años atrás. Incluso diría que el abuso de la tecnología digital y la poca imaginación de su realizador la convertirán muy pronto en carne de videoclub (es decir, si los videoclubs aún existieran) sin una sustancial pérdida de esencia, por no decir en pasto de desaprensivas televisiones, en cuyas emisiones bien poco nos dolerá que los interminables cortes publicitarios la masacren.

Ah, se me olvidaba, además de Jason Momoa (o “Mamona”, como empiezan a llamarle sus detractores), que al parecer es uno de los protagonistas de la celebrada serie “Juego de tronos”, otros actores que intervienen en “Conan El Bárbaro” son Stephen Lang (uno de los mejores villanos de la actualidad, pluriempleado desde que lo bordó en “Avatar”), Rose McGowan (que sigue igualmente “embrujada” aunque ahora aparece paliducha y medio calva), Rachel Nichols (en otro de esos ridículos papeles de heroína mona pero prescindible) y el gran Ron Perlman, una “bestia” haciendo de bestial padre del héroe. Qué diablos, si es que, además de a Schwarzie, incluso se echa de menos a Falconetti, a Jorge Sanz y hasta a la pobre Nadiuska... Aunque lo que más se añora del “Conan” de 1981 es la música que compusiera Basil Poledouris, simplemente una de las mejores partituras de la historia del cine, y ante la que la que ahora ha escrito Tyler Bates tiene muy poco que hacer.

Luis Campoy

Lo mejor: la violencia explícita, necesaria para comprender al personaje

Lo peor: la poco imaginativa realización, el exceso de efectos digitales, los tópicos diálogos, la supuesta protagonista femenina

El cruce: “Conan El Bárbaro” (1982) + “Conan El Destructor” + “El Señor de los Anillos” + “Centurión”

Calificación: 6 (sobre 10)

Cine actualidad/ "LA BODA DE MI MEJOR AMIGA"

2011-08-16T00:08:00.002+02:00

El show de Kristen Wiig

Hace catorce años, una comedia romántica titulada “La boda de mi mejor amigo” y protagonizada por Julia Roberts, Cameron Diaz, Rupert Everett y Dermot Mulroney se convirtió en un monumental éxito de taquilla, gracias al carisma de sus actores, al desparpajo de su guión y a cierta canción de Burt Bacharach. Ahora, casi tres lustros después, otra película relacionada con la amistad, el romance y una boda llega a nuestras pantallas, aunque con un planteamiento y unos objetivos bastante distintos.

Annie, una treintañera con problemas económicos y sentimentales, está segura de que, cuando su mejor amiga se case, ella va a ser su primera dama de honor (algo que al parecer es terriblemente importante en la cultura anglosajona). Las cosas, sin embargo, no salen exactamente como Annie se pensaba y, en medio de un sinfín de situaciones delirantes, sólo al final comprenderá el valor exacto de la amistad… y también del amor.

“La boda de mi mejor amiga” (“Bridesmaids”, “Damas de honor” en el original inglés) es una de esas películas en las que sus creadores pretenden lograr un difícil equilibro de géneros, mezclando unas gotitas de romance con algo de introspección psicológica, un estudio de la soltería forzosa y, sobre todo, unas generosas dosis de humor grueso y muy escatológico. Vamos, casi como la vida misma, una vida a veces llena de sinsabores pero en la que saber reírse un poco de uno mismo suele ser la mejor terapia posible. Claro que para reírse no hace falta regodearse tanto en las flatulencias, los vómitos y las cagaleras, ¿verdad? Con todo, por mucho que ese tono tan poco delicado pueda a veces resultar muy desagradable para estómagos sensibles, “La boda de mi mejor amiga” cuenta con una baza formidable. La interpretación de la protagonista absoluta, Kristen Wiig, es simplemente memorable, de ésas que no se olvidan nunca. Wiig, a quien tengo que reconocer que no había visto actuar nunca antes, procede de la cantera inagotable del “Saturday Night Live”, y ha intervenido en films como “Noche loca” o la reciente “Paul”. Su Annie es divertida, sincera, frágil, neurótica y adorable… todo en una. Nominación al Oscar, ya. Junto a ella, la ubicua Rose Byrne (vista este mismo año en “Insidious” y “X-Men: Primera Generación”), la tristemente fallecida Jill Clayburgh (en la que ha sido su interpretación póstuma), Maya Rudolph, Melissa McCarthy, Chris O’Dowd y el “Mad Men” Jon Hamm, en un corto y repelente papel.

Crítica a veces maloliente de las miserias de nuestra vacía sociedad, “La boda de mi mejor amiga” ha sido dirigida por Paul Feig, y entre sus guionistas está la propia Kristen Wiig, que se revela como la auténtica alma mater del proyecto, con permiso del productor Judd Apatow, el artífice de “Virgen a los 40”, “Lío embarazoso” o “Supersalidos”. Aparte del nombre, tiene muy poco que ver con “La boda de mi mejor amigo”, mucho más convencional y muchísimo menos gamberra. Los tiempos han cambiado, y la parafernalia de las bodas cinematográficas se asemeja más a “Resacón en Las Vegas” que a “El padre de la novia”. Para bien o para mal.

Luis Campoy

Lo mejor: Kristen Wiig, un verdadero hallazgo en el papel de su vida

Lo peor: una vez más, el exceso de chabacanería y particularmente de escatología

El cruce: “La boda de mi mejor amigo” + “Despedida de soltero” + “Resacón en Las Vegas”

Calificación: 7,5 (sobre 10)

Cine actualidad/ "LOS PITUFOS"

2011-08-14T20:13:00.003+02:00

Destrozando mitos de infancia

Allá por 1971, teniendo yo unos 8 años, cayó en mis manos, no sé muy bien cómo, un ejemplar de una revista llamada “Strong”, que no tenía tapas pero sí un contenido que me cautivó. En sus páginas me entretuve durante horas y horas con las aventuras de Lucky Luke, Gastón el Gafe, Quique y Lucio… y unos enanitos azules tocados con gorro y pantalones blancos que habían sido bautizados como “Los Pitufos”. “Strong” sucumbió muy pronto al poderío de la entonces imbatible editorial Bruguera, pero algunos de sus personajes tuvieron mejor suerte y, en concreto, los Pitufos fueron adquiridos por la mismísima Bruguera, que les dedicó una serie exclusiva en la colección “Olé”. Fueron así, poco a poco, haciéndose inmensamente populares en España y en toda Europa, hasta obtener un programa televisivo propio e incluso poco menos que un sello discográfico dedicado a ellos. Bastantes años después y, cuando parecía que dormían el injusto sueño de los justos, los Pitufos dan el salto a la gran pantalla, aunque no en una producción belga (nacionalidad de su creador, Peyo, fallecido en 1992) sino en una mastodóntica superproducción norteamericana.

Los Pitufos viven tranquilos y felices en su bucólica aldea campestre, ajenos a las malévolas intenciones del hechicero Gargamel, hasta que un vórtice espacio-temporal los traslada (¿cómo no?) a la mastodóntica ciudad de Nueva York, hasta donde Gargamel los perseguirá para hacerse con los mágicos secretos del patriarca, llamado muy originalmente… Papá Pitufo.

Casi diez años después de haber obtenido los derechos cinematográficos y en plena fiebre de traslaciones de añejas series televisivas, “Los Pitufos” tienen ya su propia adaptación a la gran pantalla… y, visto lo visto, bien felices que podríamos haber sido conformándonos con leer sus tebeos y viendo sus viejos telefilms. Como ya el nefasto tráiler presagiaba, el espectáculo que el inefable Raja Gosnell (autor de “Solo en casa 3”, “Esta abuela es un peligro” o las dos entregas de “Scooby Doo”, otra serie mítica no menos vergonzantemente convertida en engendro fílmico) ha perpetrado, es simplemente patético. La historia, una vez que los Schtroumpfs (nombre original en francés de esos personajillos) son arrancados de su entorno natural, aquél en que podían haber dado mucho más juego, es una aberrante sarta de estupideces. No sólo los actores humanos (Neil Patrick Harris, Hank Azaria, Sofia Vergara) están pésimamente dirigidos y su actuación es grotescamente vodevilesca, sino que los mismísimos pitufos son lo peor de su propia película. La textura de sus rostros, cuerpos y vestimentas es absolutamente irreal, pareciendo mismamente unos muñecajos en movimiento que ni por asomo desprenden una sensación de vida. A pesar de los increíbles avances de la tecnología digital que para bien o para mal nos inunda, pareciera que estos “smurfs” (traducción inglesa del vocablo francés) fueran meras figuras de peluche, animadas a la antigua usanza, que interactúan con unos intérpretes aleccionados para entretener, gesticulando como payasos sin maquillaje, a unos niños para quienes “La bola de cristal” era, comparativamente, un prodigio de inteligencia y madurez.

Luis Campoy

Lo mejor: que incluso las malas películas… se acaban

Lo peor: en pocas palabras, T-O-D-O (la historia, el sentido del humor zafio e infantiloide, los actores, la animación…)

El cruce: “Los Pitufos” (serie TV) + “Las aventuras de Enrique y Ana” + “Kika Superbruja y la máquina de hechizos” + “El aprendiz de brujo”

Calificación: 3,5 (sobre 10)

Veraneando

2011-08-12T04:07:00.006+02:00

Este verano de 2011 quedará marcado perpetuamente en mi memoria por el cáncer de mi madre y por el terremoto de Lorca, cuyos efectos no dejan de sentirse de mil y una maneras. Una y otra circunstancia han condicionado no sólo las extrañas y sesgadas vacaciones que estoy disfrutando, sino también el devenir futuro de esta única vida que nos toca vivir. Cuando nos dieron cita para la operación, necesariamente urgente según los protocolos oncológicos, lo primero que pensé, quizás egoístamente, fue que, por segundo año consecutivo, íbamos a pasar las vacaciones en el hospital, como ya sucediera entre mayo y agosto de 2010, cuando mi madre enlazó una rotura del codo con una neumonía, y ésta con un trastorno gástrico originado por un virus hospitalario galopante.

Mas de repente, se me ocurrió una gran idea: ¿por qué no fraccionar el verano en pequeñas porciones, de modo que un caramelo inicial endulzase los preliminares de la amargura posterior? Deprisa y corriendo conseguimos alquilar tres apartamentos en una urbanización de Aguilas que, por cierto, tiempo atrás, me causó no pocos problemas a la hora de agilizar los trámites para su electrificación. Los Collados está plagada de pequeños complejos turísticos, y en uno de ellos pasamos seis días en los que la vida discurría en torno a una hermosa piscina en forma de “S”. Hasta mi amigo Pablo vino a visitarnos, bañador en ristre. Lo peor eran los momentos en que no estábamos bañándonos, cuando había que plantearse dónde y qué comíamos y cenábamos, pues éramos ocho y difícilmente podíamos encontrar un sitio cercano hasta el que pudiésemos desplazarnos a pie y que aunase una cierta calidad gastronómica con un precio no del todo demencial. Con todo, el cargador funcionó correctamente y las pilas estaban más o menos a topes cuando dio comienzo la siguiente y decisiva semana.

El lunes, me reincorporé al trabajo, y el martes por la tarde ingresamos a mi madre, pues la operación estaba fijada para el miércoles a primera hora. Aquella jornada, en la que me concedieron permiso para ausentarme de la oficina, el tiempo pareció correr de otra manera. No sabría decir qué se me hizo más largo, si las dos horas que mi padre y yo estuvimos pegados a la cama de mi madre esperando que se la subieran al quirófano, o las más de tres que discurrieron hasta que los doctores nos llamaron. De verdad que uno hubiera agradecido unas palabras optimistas, una sonrisa pintada en sus caras, pero tan sesudos galenos sólo hicieron hincapié en la complejidad de la cirugía y en la necesidad de analizar todo lo que habían extirpado y algunas muestras de los tejidos y órganos de alrededor. Hasta que mi madre no se despertó y la bajaron a la habitación, no respiré más o menos tranquilo. Claro que aquella tarde hubo de todo menos tranquilidad. A la compañera de cama, una chica de veintipocos años a la que le habían quitado un quiste, la vinieron a visitar toda su familia, la mitad de sus amigos y al menos un tercio de sus vecinos, de modo que en la habitación llegó a haber hasta nueve visitantes, además de las enfermas y nosotros sus acompañantes. Sería bueno que un poco de solidaridad y sentido común hiciese que las personas se diesen cuenta de que la euforia de unos puede significar el desasosiego de otros. Con todo, la hospitalización apenas duró cinco días, que, a decir verdad, se pasaron en un suspiro. Mi madre mejoró ostensiblemente a partir de la segunda noche, y el hecho de estar ingresada en Maternidad, sección todavía muy concurrida aun en estos tiempos de crisis, propició que la falta de camas hiciera el resto. Claro que estar de vuelta en casa no presupone ni mucho menos la tranquilidad…

Tras una semana compaginando las mañanas laborales con las tardes hogareñas, viendo la plausible mejoría de la enferma, me decidí a solicitar otras dos semanas de vacaciones, que esperaba disfrutar con los niños, alternando una mañana de playa o piscina con una tarde de cine, y así sucesivamente. Pero, ¡ay!, el terremoto se inmiscuyó nuevamente en mi existencia, y una tarde vimos cómo unos obreros se aprestaban a iniciar los trabajos preparatorios para proceder a la demolición de un enorme edificio prácticamente contiguo (tan sólo uno, estrecho, nos separa) y bastante dañado, que la autoridad competente había decidido que no iba sobrevivir al temblor de hace tres meses. Los propios operarios nos sugirieron que, para evitar el ruido, el polvo y las vibraciones, no era desaconsejable ausentarse durante los dos o tres días que iba a durar el derribo. Con mi madre todavía convaleciente y sus puntos sin quitar, tuvimos que hacer las maletas en un pispás y, eso sí, en lugar de huir rumbo a Cartagena como hicimos en mayo, optamos por pensar a lo grande y alojarnos en uno de los dos hoteles lorquinos dotados de piscina y diversas otras comodidades. No hay mal que por bien no venga. Ni desgracia que cien años dure. Ni verano sin movidas y anécdotas dignas de ser regaladas a la posteridad.

Cine actualidad/ "EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS"

2011-08-08T20:21:00.003+02:00

Una monería

En 1963, el escritor francés Pierre Boulle, autor del argumento que sirvió de base a “El puente sobre el río Kwai”, publicó su novela “La Planete des Singes”, en la cual fantaseaba sobre un mundo al revés en el que los simios son la especie dominante y los humanos, animales a su merced. Cinco años después, se estrenaba “El Planeta de los Simios”, película dirigida por Franklin J. Schaffner y protagonizaba por Charlton Heston, que adaptaba la exitosa novela de Boulle y fue el inicio de una saga cinematográfica, una serie de televisión, una colección de comics y un sinfín de productos de merchandising. Más de 30 años después del film original, Tim Burton dirigió un remake con Mark Wahlberg, que, más que revitalizar la franquicia, lo que hizo fue finiquitarla en un mar de tópicos y puerilidad. Cuando parecía que la única alternativa que nos quedaba a los aficionados a esta saga de ciencia ficción zoo-antropológica era visualizar la peli clásica hasta desgastarla, llega, casi repentinamente, “El origen del Planeta de los Simios”, una nueva entrega que explica cómo pudieron llegar a suceder los acontecimientos a los que se enfrentaba Charlton Heston hace casi cinco décadas.

Un científico que trata de curar el Alzheimer por razones personales (su padre es víctima de esta enfermedad) experimenta un potente fármaco con varios chimpancés. Como consecuencia del experimento, el hijo recién nacido de una de ellos, César, posée desde su nacimiento una serie de facultades cognitivas mejoradas, llegando incluso a adquirir conciencia de sí mismo. César se erige en líder de una población de chimpancés, orangutanes y gorilas que se enfrentan a una sociedad humana que maltrata a los animales, a veces hasta por puro placer. Se ha plantado la simiente de lo que un día será… el Planeta de los Simios.

Sin hacer mucho ruido, el joven director británico Rupert Wyatt fue elegido por los ejecutivos de Twentieh Century Fox para resucitar, poco menos que en secreto, la famosa franquicia simiesca. Confieso que yo mismo, cuando leí hace algo más de un año que se estaba rodando una nueva película sobre el tema, me lo tomé poco menos que a guasa, y más cuando leí que al frente del reparto estaba James Franco, uno de esos actores a los que, sin saber por qué (¿alguien dijo “Gala de los Oscar”?) se les coge una manía persecutoria. Afortunadamente, el guión del film, como, por otra parte, no podía ser de otra manera, muy pronto va dejando de lado a los personajes humanos y se centra en César y sus congéneres, y lo hace siguiendo los parámetros originarios de la ciencia ficción, esto es, revistiendo de ciencia a lo fantástico. Lo que el film narra, básicamente, no es imposible en sí mismo. El Hombre no es sólo un lobo para el Hombre (Thomas Hobbes dixit), sino que es el verdugo y torturador de las otras especies que pueblan el planeta. Repentinamente, a raíz de un estímulo externo (el fármaco diseñado por el protagonista), un espécimen de primate homínido es capaz de dar un paso adelante en la cadena de la evolución, y de ahí pasa a liderar una auténtica revolución.

Mientras que, en todas las otras películas de la saga estrenadas hasta ahora, los “simios” no eran sino actores (Roddy McDowall, Kim Hunter, Tim Roth, Helena Bonham-Carter…) caracterizados merced a un pesadísimo maquillaje que revestía incontables horas de aplicación, los monos de “El origen del Planeta de los Simios” son ahora una creación digital de WETA, la factoría de efectos especiales que estuvo detrás de “El Señor de los Anillos” o “King Kong”. De entre todos ellos destaca, cómo no, el humanizado César, que se beneficia de una memorable actuación del gran Andy Serkis, actor especializado en la captura de movimiento (él gesticula y un millar de electrodos transmiten cada gesto a un ordenador) y que añade así otro gran personaje digital a su curriculum (fue él quien diera vida a Gollum y al propio King Kong, y quien estará bajo la apariencia animada del Capitán Haddock en la esperada “Tintín” de Steven Spielberg). La interpretación de Serkis e incluso de cualquier otro de los simios informatizados pero tremendamente reales, barre de largo al elenco humano, donde James Franco, Freida Pinto (”Slumdog Millionaire”) y Tom Felton (Draco Malfoy en la serie de “Harry Potter”) están tan desdibujados que parecen poco menos que humanos creados por ordenador. Con todo, se agradece la presencia siempre estimulante de Brian Cox y de un añorado John Lithgow al que hace tiempo que no veía.

Sorprendentemente lograda en casi todas sus facetes y digna de un indudable interés, “El origen del Planeta de los Simios” se permite homenajear a su ilustre predecesora de 1968 y así, los nombres y apellidos de algunos de sus personajes remiten a aquella mítica película. La madre de César se llama “Ojos claros”, que era el apodo que daba la Dra. Zira a Taylor/Charlton Heston; el jefe de la corporación farmacéutica se apellida Jacobs, en alusión al productor Arthur P. Jacobs; uno de los científicos que trabajan para él, Franklin, recuerda al director Franklin J. Schaffner; el orangután que se hace amigo de César se llama Maurice, clara alusión al actor Maurice Evans, que interpretaba al Dr. Zaius; una simia tiene por nombre Cornelia, en referencia al chimpancé Cornelius; en un momento dado, se habla de un viaje espacial en una nave comandada por un tal George Taylor; y, finalmente, el auténtico protagonista vuelve a llamarse César, como se llamaba el chimpancé libertador que, hijo de los viajeros temporales Zira y Aurelio, acaudillaba la sublevación de los primates en “La rebelión de los simios”, cuarto eslabón de la serie original y de la que “El origen del Planeta de los Simios” constituye una especie de remake sensiblemente mejorado: una auténtica monería.

Luis Campoy

Lo mejor: los simios generados por ordenador, en especial el protagonista, César, un prodigio de expresividad

Lo peor: los personajes humanos, con mención honorífica a James Franco y Freida Pinto

El cruce: “La rebelión de los simios” + “Frankenstein” + “Robin Hood”

Calificación: 8,5 (sobre 10)

Cine actualidad/ "CAPITÁN AMÉRICA, El Primer Vengador"

2011-08-07T13:07:00.005+02:00

Hazañas bélicas superheroicas

El avance inexorable de Adolf Hitler a través de Europa, su alianza con Mussolini y el Imperio nipón y, sobre todo, el ataque japonés a la base norteamericana de Pearl Harbor en diciembre de 1941 hicieron florecer en el pueblo estadounidense una beligerancia patriótica que hizo que todo hombre joven y sano quisiese alistarse para aplastar al nazismo y sobre todo para vengar la afrenta sufrida en su propio territorio. Steve Rogers es un muchacho enclenque y escuchimizado que una y otra vez trata en vano de enrolarse en el ejército, hasta que es elegido para ser el conejillo de indias en un proyecto militar ultrasecreto que, de salir bien, le convertirá en un supersoldado. Repentinamente hipermusculado, se convierte en ejemplo e inspiración para las tropas, y se le otorga un uniforme en el que luce orgulloso las barras y estrellas de la enseña nacional de su país. Ha nacido… el Capitán América.

Creado por Joe Simon (guión) y Jack Kirby (dibujo), el comic “Captain America” comenzó a ser publicado por la editorial Timely en plena Segunda Guerra Mundial, no sólo como entretenimiento sino como un elemento más de motivación patriótica para la juventud. Al acabar la gran Guerra, la colección fue languideciendo poco a poco hasta que fue clausurada, no siendo resucitada hasta los años 60, cuando Timely ya se había convertido en lo que hoy conocemos como Marvel Comics. Desde entonces hasta ahora ya ha habido varios intentos de llevar al Capitán América a la gran pantalla, con resultados tan nefastos y ridículos como el film que en 1990 dirigió el execrable Albert Pyun con un sosísimo Matt Salinger de protagonista. En plena fiebre por las adaptaciones cinematográficas de personajes de tebeo, llega por fin un film que pretende hacer justicia al mito, y lo hace pensando no sólo en sí mismo sino en una nueva franquicia, “Los Vengadores”, que a partir del año próximo aglutinará en una sola película nada más y nada menos que a Iron Man, Hulk, Thor, Nick Furia, la Viuda Negra, Ojo de Halcón y, obviamente… el Capitán América.

Una vez se dio luz verde a un proyecto multimillonario como éste, Marvel se lo pensó mucho a la hora de contratar a un director capaz de insuflar al futuro film el tono adecuado y, especialmente, de mantenerse dentro de un férreo presupuesto sin pasarse. No quisieron arriesgarse a dejar tan carísimo juguete en manos de un realizador demasiado audaz o creativo, así que el elegido fue un artesano discreto y sumiso como Joe Johnston, no por casualidad curtido en mil y una tareas técnicas y de producción a las órdenes de George Lucas y Steven Spielberg. Sin llegar nunca jamás a las cotas de sus maestros, Johnston tiene en su haber algunos éxitos como “Cariño, he encogido a los niños” o “Jumanji”, amén de decepciones más o menos frustrantes como “Rocketeer”, “Parque Jurásico III” o la reciente “El hombre lobo”. En “Capitán América, El Primer Vengador” (en alusión al referido grupo de superhéroes), Johnston se viste nuevamente de Spielberg (ya lo hizo en la tercera entrega de “Parque Jurásico” y éste suele ser el rasgo predominante de gran parte de su filmografía), y eso quiere decir que en ningún momento olvida que su público va a ser eminentemente familiar. Así pues, apenas se escuchan palabrotas, la violencia que se muestra es la mínima posible y el Bien triunfa claramente sobre el Mal. Pero, tópicos al margen, “Capitán América” sorprende por su clasicismo, por su factura preciosista, por una puesta en escena sublime (sobre todo durante la primera hora) apoyada en un diseño de producción perfecto, unos vestuarios encantadoramente vintage, una música vibrante de Alan Silvestri y una fotografía que será nominada al Oscar. Esa primera mitad nos recuerda a títulos inolvidables como “Los mejores años de nuestra vida”, “Qué bello es vivir” o “En busca del arca perdida”, y luego, poco a poco, va derivando en “Salvar al soldado Ryan” con toques de “Oficial y caballero”. Los últimos veinte minutos, que son los más “superheroicos”, son también los menos inspirados, si bien el doble epílogo final (antes y después de los títulos de crédito) nos vuelve a dejar con buen sabor de boca.

Tras haberse hablado de Brad Pitt o incluso de Will Smith (en una decisión que, de haberse llevado a cabo, me hubiese parecido totalmente equivocada, y no se trata de racismo sino de fidelidad), Chris Evans ha sido el elegido para dar vida al Capitán. Evans ya había sido la Antorcha Humana en las dos fallidas entregas de “Los Cuatro Fantásticos”, pero es ahora cuando da su justa medida en un personaje que está muy cerca de capturar toda la carga lírica, patriótica, romántica e inspiradora del Capi de las historietas. A pesar de que durante las primeras secuencias (cuando Steve Rogers es un chiquillo anoréxico) no fue él sino un doble de cuerpo quien interpretó físicamente al héroe, y el actor tan sólo puso las expresiones faciales, que posteriormente fueron insertadas por ordenador, podemos decir que Chris Evans da la talla y pasa la prueba con muy buena nota. El villano, Johann Schmidt/Cráneo Rojo, corre a cargo del excelente Hugo Weaving, poseedor de una voz portentosa y una gesticulación precisa. La chica es una muy adecuada Hayley Atwell, y el encantador elenco de secundarios se completa con Tommy Lee Jones, Stanley Tucci, Toby Jones o Dominic Cooper.

Sea uno fan o enemigo acérrimo de las películas de superhéroes, “Capitán América, El Primer Vengador” puede ser disfrutada sin rubor y sin prejuicios, pues tiene prácticamente de todo: acción, humor, melodrama y una buena dosis de hazañas bélicas al más puro estilo hollywoodiense.

Luis Campoy

Lo mejor: el arranque durante una Segunda Guerra mundial que mezcla lo cotidiano con el vodevil

Lo peor: no hay nada especialmente execrable

El cruce: “Los mejores años de nuestra vida” + “Oficial y caballero” + “Salvar al soldado Ryan”

Calificación: 8,75 (sobre 10)

Cine actualidad/ "TEMPLARIO"

2011-08-02T21:23:00.005+02:00

A Dios rogando y con la espada dando

Eran los Templarios unos monjes guerreros pertenecientes a la orden del Temple que, entre otras hazañas, son recordados por haber participado en las Cruzadas a Tierra Santa. Aquella mixtura de religiosidad y beligerancia ha dado pie a no pocas manifestaciones artísticas y culturales a lo largo de la historia, y este “Ironclad” (“Blindado” o “Acorazado”, sería la traducción literal), que aquí se he estrenado precisamente como “Templario”, no es sino una nueva muestra de que tales personajes siguen interesándonos tantísimos siglos después.

Allá por 1215, el Rey Juan II de Inglaterra, más conocido como Juan sin Tierra, presionado por una coalición de señores feudales, se ha visto obligado a firmar a regañadientes la Carta Magna (algo así como una especie de primitiva Constitución), merced a la cual cedía no poco poder y privilegios propios hasta entonces de la monarquía a los Barones territoriales (nada que ver con los homónimos del PSOE) que defendían la causa de la Libertad. Viéndose poco menos que derrocado, el Rey Juan cambió dramáticamente de opinión y decidió saltarse a la torera su compromiso y, mientras sus enemigos solicitaban la ayuda de los franceses, se dedicó a ir cepillándose poco a poco a todos los nobles que se le habían enfrentado, culminando con una cruenta batalla frente a la fortaleza de Rochester, en la que los sitiados contaban con el inestimable apoyo de un caballero templario…..

Quizás no os suene este argumento, pero el año pasado Ridley Scott lo utilizó para servir de soporte histórico a su versión seria (¿demasiado seria?) de “Robin Hood”, en la que Russell Crowe y Cate Blanchett fueron los protagonistas. Con todo, este “Templario”, más que parecerse al film de Scott, sigue la senda de péplums hiperviolentos como “Centurión” o “La Legión del Aguila”… sobre todo del primero, del que calca la fotografía y esa recreación bastante gore de la barbarie medieval. De hecho, diría que lo más llamativo de “Templario”, film que carece de un director prestigioso o siquiera famoso (Jonathan English es muy conocido… pero sólo en su casa y a la hora de comer) y de un reparto nutrido de estrellas, es precisamente el tratamiento visual y semántico de la violencia. Multitud de espadazos, flechazos, mutilaciones, decapitaciones y desmembramientos varios se ven directa o indirectamente reflejados en pantalla, para desolación de las almas cándidas más habituadas a las viejas películas de Walt Disney. Efectivamente, no todo van a ser blancas producciones familiares o directamente infantiles, de modo que de vez en cuando no viene mal un poco de sangre y excesos, siempre dentro de unos límites, claro está.

Como he dicho antes, ni el director de “Templario” ni sus actores son mínimamente populares. El protagonista, el monje guerrero del título, es James Purefoy, algo así como el clon rudo de Hugh Jackman y al que el año pasado vimos en “Solomon Kane” y anteriormente en “Resident Evil”. La chica, metida con calzador en la trama, es una imposible Kate Mara, más conocida por ser hermana de Rooney (la nueva Lisbeth Salander en la americanización de ”Millennium”) que por su propia carrera. El único aliciente dramático radica, pues, en los secundarios, con un histriónico Paul Giamatti que luce un pelucón de lo más ridículo, un soberbio Brian Cox que acaba siendo descuartizado y un cornudo Derek Jacobi (el eterno “Yo, Claudio”). Por cierto, qué alegría me dio ver a Vladimir Kulich, el líder vikingo de “El guerrero número 13” volviendo a hacer de… líder vikingo (o casi).

Las carencias presupuestarias de “Templario” no se manifiestan únicamente en la imposibilidad de contratar a un equipo artístico de relumbrón. Cada plano adolece de una evidente falta de medios, que se traduce en escenas de masas sin masas, en ejércitos anoréxicos y en decorados de cartón piedra. Con decir que pretenden convencernos de que un puñado de hombres liderados por un templario venido a menos son capaces de contener a las huestes reales durante semanas, queda todo dicho. O no. La música también es minimalista… pero está muy bien.

Luis Campoy

Lo mejor: los secundarios Brian Cox y, no siempre, Paul Giamatti

Lo peor: la evidente falta de medios

El cruce: “Robin Hood” (Ridley Scott) + “Centurión” + “Solomon Kane”

Calificación: 7 (sobre 10)

Cine actualidad/ "GREEN LANTERN (Linterna Verde)"

2011-08-01T21:10:00.004+02:00

Ni en el día más brillante, ni en la noche más oscura

Cuando yo era un crío que vivía en Alicante y los comics se llamaban “tebeos”, recuerdo que mi vecino Tomás Miguel guardaba bajo su cama una caja llena de ellos, concretamente de ediciones mejicanas de la Editorial Novaro, que era quien ostentaba los derechos de publicación del material de DC Comics. Allí, además de leer historias de Superman y Batman traducidas a un castellano bastante “sudaca”, descubrí a Linterna Verde, un tipo vestido con un uniforme verde y negro y un antifaz más bien ridículo, que volaba enganchado a un anillo que emitía un haz de luz… verde. Cuarenta años después, los chicos de DC Comics se han unido a su productora cinematográfica de cabecera, Warner Bros, para llevar a la pantalla grande las aventuras de Linterna Verde… que, lamentablemente, esta vez no ha tenido tanta suerte y su nombre no se ha hispanizado ni tanto así, quedándose simplemente en un frío y malsonante “Green Lantern”.

Hal Jordan es un piloto aeronáutico de pruebas bastante irresponsable y que, desde el accidente que le costó la vida su padre, no tiene demasiado apego a su integridad física. Un día, Hal es reclutado por los Green Lanterns (¿qué diablos?, ¡Linternas Verdes!, que esto es España), una especie de policías intergalácticos superpoderosos, y de la noche a la mañana, gracias a un anillo que dejaría en mantillas al “tesoro” de Gollum, se convierte en paladín y protector de nuestro planeta….

Si no fuese porque en la cartelería y en los títulos de crédito de “Green Lan…,” digo “Linterna Verde,” nos aseguran que el director es un tal Martin Campbell, uno no se lo podría creer. Campbell ha realizado pequeñas maravillas como “La máscara del Zorro” y ha conseguido, por dos veces, revitalizar la franquicia de James Bond, con títulos como “Goldeneye” (presentación de Pierce Brosnan) o, sobre todo, la excelente “Casino Royale”, entronización de Daniel Craig. Claro que también ha pergeñado pestiños como “La leyenda del Zorro”, “Amar peligrosamente” o, en menor medida, “Límite Vertical”, así que he de sentenciar que “Green L…”, o sea, “Linterna Verde” pertenece de lleno a esta categoría. Desde el mismísimo arranque, una memez hipercolorista que explicita en pocos segundos el inmenso daño que los efectos CGI (aquéllos diseñados por ordenador) están causando al Cine, me asombré incrédulo al ser incapaz de aceptar que un artesano como Campbell sea capaz de facturar escenas tan mal narradas, con personajes tan inaceptablemente inexpresivos, tan notoriamente infantiloides. Hay un cine de superhéroes bueno y malo, como tantas veces he afirmado en este blog, y títulos como “Superman” (1978) de Richard Donner, el primer “Batman” de Tim Burton, los dos de Christopher Nolan, la segunda “X-Men” de Bryan Singer, el segundo “Spiderman” de Sam Raimi, o producciones animadas como “Los Increibles” o “Megamind” serían los “buenos”, pero me temo que “Gree…”, perdón, “Linterna Verde” se unirá a “Daredevil”, “Los Cuatro Fantásticos”, “Superman IV” y los dos “Batman” de Joel Schumacher en el bando de los “malos”. Tiene todas las “virtudes” para ello: superpoblación de monstruos de lo más grotesco (el síndrome de la cantina de “Star Wars” elevado al infinito), desequilibrio entre lo dramático y lo cómico, ausencia de un villano de envergadura, y, sobre todo, un guión que más que hacer aguas es un auténtico océano y unos diálogos que no se sabe si dan pena o vergüenza ajena.

Ryan Reynolds (que, antes de ser sobrevalorado por la no menos sobrevalorada “Buried”, ya había dado vida fugazmente a otro superhéroe, Masacre, en “X-Men Orígenes: Lobezno”) hace lo que puede, que no es mucho, con su dualidad Hal Jordan/Linterna Verde, uno de los enmascarados más cutres y menos respetables que se recuerdan, más cercano a “El Gran Héroe Americano” o a George de la Jungla que a Superman. Blake Lively, ora rubia, ora morena, encarna a la chica de turno, Peter Sarsgaard se disfraza de Hombre Elefante para componer un villano más patético que temible y Tim Robbins realiza el papel más ridículo de toda su carrera. Me atrevería a destacar en lo positivo la banda sonora y la fotografía, pero el irritante caleidoscopio con el que se ilustra el planeta Oa (sede de los Gr…, ejem, Linternas Verdes) me hace arrepentirme antes de esbozar tal argumento. O cambian de guionistas y de diseñadores de producción, o que no me esperen en las próximas entregas de tan verdoso enmascarado.

Luis Campoy

Lo mejor: la música de James Newton Howard, la frescura de Blake Lively

Lo peor: el uso y abuso de CGI, la proliferación de bichos raros, la ausencia de un villano realmente amenazador

El cruce: “El Gran Héroe Americano” + “Thor” + “Star Wars”

Calificación: 5,5 (sobre 10)

Cine actualidad/ "LA VÍCTIMA PERFECTA"

2011-07-30T22:37:00.002+02:00

Víctima, sí, pero perfecta…

En los años 50, la productora británica Hammer Films emprendió una revisitación en clave modernista de los títulos de horror facturados dos décadas antes por la Universal estadounidense. Drácula, Frankenstein y otros mitos semejantes fueron sólo la punta del iceberg de una larga oleada de películas de terror y suspense en las que actores como Christopher Lee y Peter Cushing cuajaron algunos de sus mejores trabajos. Más de medio siglo después, una renacida Hammer reemprende la producción de este tipo de historias, reemplazando los monstruos abracadabrantes por villanos cuya psicopatía no resulta menos monstruosa.

La ganadora del Oscar por “Boys Don’t Cry” y “Million Dollar Baby”, Hilary Swank, interpreta a una psicóloga recién separada que se muda a un viejo edificio neoyorkino en el que apenas habitan un anciano apergaminado y su nieto, el propietario y mantenedor del inmueble. Naturalmente, no pasará ni una noche antes de que empiecen a sucederse los inevitables ruidos, chirridos y crujidos, agravados por la brusca intromisión de un tren nocturno que todo lo revoluciona a su paso. Pero no es nada cuando el espectador (que no la protagonista) comience a percibir la verdadera personalidad del amable casero….

Lo malo de “La víctima perfecta” es que todos y cada uno de los tópicos de este tipo de historias aparecen y se suceden de principio a fin y de cabo a rabo, pero no hay ni un solo elemento mínimamente novedoso. El director y guionista Antti Jokinen pretende cuajar un cóctel de “De repente, un extraño”, “El quimérico inquilino” y “La noche de Halloween”, pero la coctelera está llena de agujeros y por ellos se escapa lo mejor de la fuente, quedando dentro apenas un residuo con sabor agridulce. Me parece casi inconcebible que con un guión tan flojo y actores no tan taquilleros se haya podido levantar un producto como éste. Viéndola, se me venían a la mente docenas de películas de los años sesenta y setenta, todas ellas más interesantes y más terroríficas y protagonizadas por intérpretes más convincentes. Hilary Swank, a pesar del brillo de sus dos Oscar, es una actriz que nunca me ha gustado. No sólo no me parece nada guapa (cosa que aquí no es relevante por las características de su personaje pero sí chirriaba en “La Dalia negra”), sino que sus actuaciones no se me antojan convincentes; con todo, aquí se entrega totalmente a su creación, seguramente porque oficia asimismo de productora. En cuanto a su compañero de reparto Jeffrey Dean Morgan (el “Comediante” de “Watchmen”), no sabe dotar a su papel de las características de ambigüedad, malignidad y psicopatía requeridas. Gran parte del fracaso dramático del film se debe a que la supuesta amenaza no resulta convincentemente amenazadora. Por cierto que muchos espectadores me consta que confunden a Morgan nada menos que con Javier Bardem, y es cierto que existe cierto parecido entre ambos. El casi nonagenario Christopher Lee hace de puente con las viejas películas de la Hammer que, dicho sea de paso, tenían un encanto especial que “La víctima perfecta” no ha heredado.

Luis Campoy

Lo mejor: Hilary Swank

Lo peor: la falta de originalidad, la floja composición de Jeffrey Dean Morgan (su equivocado doblaje tampoco ayuda)

El cruce: “De repente, un extraño” + “El quimérico inquilino” + “La noche de Halloween”

Calificación: 5 (sobre 10)

Cine actualidad: "HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE - Parte 2"

2011-07-15T22:07:00.003+02:00

La varita se apaga

De verdad que hubiera querido (y en algún momento, mientras la veía, pensé seriamente en hacerlo) calificar a este último film de la saga de Harry Potter con un sobresaliente, un "9" como mínimo, quizás no tanto como condecoración a este episodio en sí mismo, sino como laureada consideración a una franquicia que ha mantenido unos parámetros de calidad más que dignos durante la friolera de diez años. Sin embargo, por las razones que más abajo detallaré, me temo que mi calificación final no pasará del notable justito…

Después de casi una década de magia y hechicería, Harry Potter y sus inseparables amigos Hermione Granger y Ron Weasley se enfrentan en una batalla, que saben será definitiva, al maléfico e implacable Lord Voldemort, con el viejo castillo Hogwarts como escenario, y apoyándose, respectivamente, en un ejército de brujos buenos y de malévolos mortífagos, que dejarán la escuela hecha ruinas y unos cuantos cadáveres yaciendo entre los escombros…

Admito que mis expectativas acerca de esta octava y última película eran altísimas, toda vez que, sorprendentemente, el frustrante David Yates había logrado facturar una estupenda séptima entrega, tras haber pergeñado la irregular “Harry Potter y la Orden del Fénix” y la insoportable “Harry Potter y el Príncipe Mestizo”, el eslabón más débil de toda la cadena. Sin embargo, los indiscutibles logros de “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte 1” se quedan un pelín deslucidos en un capítulo final que no tiene entidad propia, que es lógica pero inevitablemente dependiente de su predecesora. “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte 2” pretende ser lo que fue “El Retorno del Rey” a la trilogía de “El Señor de los Anillos”, pero más se acerca a “Las Dos Torres”: una historia que empieza abruptamente y que es imposible entender si no has visto el film anterior; un desarrollo que carece de sentido, temática y emocionalmente, si no conoces a fondo los libros o al menos las películas previas; y un doble final que, diciéndolo con suavidad, decepciona bastante. Yates tiene la fortuna de contar con un reparto de secundarios de lujo (y una vez más reivindico a Chris Columbus, que, al fin y al cabo, fue el iniciador de la andadura y quien dio el visto bueno no sólo a la selección de actores sino también el que marcó el tono general de sus actuaciones), y, en esta ocasión, un resucitado Michael Gambon, el megavillano Ralph Fiennes y, por fin, un sensacional Alan Rickman, están que se salen. Pero también se pasea por allí la grotescamente sobreactuada Helena Bonham Carter, elección personal de Yates, ya que sólo interviene en los cuatro films que él ha dirigido, señal de que el objetivo del director ha sido crear secuencias inolvidables y no emociones imperecederas. En este sentido, escenas como la de la fuga del banco Gringotts a lomos del dragón, la huída de la biblioteca en llamas y el asedio a Hogwarts (que en algunos planos se adivina calcado a la batalla de los Campos de Pelennor de “El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey” son ciertamente portentosas, pero los momentos más intimistas parece que cumplan una mera función de relleno, los inevitables diálogos entre los tres jóvenes protagonistas pecan de tedio y monotonía y, sobre todo, el enfrentamiento final entre Harry y Voldemort no colma las necesidades dramáticas de tantos años de tensión, quedando reducido, una vez más, a ese deplorable cruce de rayitos de colorines de los que tanto se ha abusado en los últimos tiempos.

Todo parece indicar (ya no hay más novelas pendientes de adaptación, ni parece que vaya a haberlas en un futuro) que Harry Potter se despide para siempre, y lo hace en un epílogo en el que él y sus amigos aparecen un poco envejecidos para presentarnos a sus hijos… sus herederos. En el andén 9 ¾ de la Estación de Kings Cross se despide una saga durante cuyo transcurso nuestro hijos han crecido y nosotros nos hemos hecho un poco más maduros. Para mí, el balance es indudablemente positivo, si bien el broche de oro podría haber brillado un pelín más. Se me hubiera ocurrido el retorno de John Williams a la música, una fotografía que de vez en cuando, en algún instante aislado, hubiera sido algo menos lúgubre, y una menor evidencia de que se pretendía lograr una obra trascendental casi a cualquier precio. Por cierto, el 3-D que encarece exactamente dos euros el precio de la entrada es de los más innecesarios y menos logrados que jamás he visto. Y una última pregunta, sólo para iniciados: ¿alguien más cree percibir que en algunos pasajes se deja caer que Harry Potter es en realidad hijo del Profesor Snape…?

Luis Campoy

Lo mejor: Alan Rickman, Ralph Fiennes, el asedio a la Escuela Hogwarts

Lo peor: Helena Bonham-Carter, el descafeínado duelo final

El cruce: “Harry Potter y la Piedra Filosofal” + “Harry Potter y la Orden del Fénix” + “El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey”.

Calificación: 7,5 (sobre 10)

Cine actualidad/ "BAD TEACHER"

2011-07-14T16:58:00.018+02:00

Cachonda pero menos

Una vez más, lo mejor de una película ya lo hemos visto… antes de que la película comience. Fui a ver “Bad Teacher” no precisamente por la belleza ya un pelín marchita de Cameron Diaz, sino por la audacia de algunos gags que aparecían en un tráiler ciertamente hilarante. También me interesó, ¿por qué negarlo?, la presencia tras las cámaras de Jake Kasdan, hijo del ilustre Lawrence Kasdan, guionista de “El Imperio Contraataca” y “En busca del Arca Perdida” y director de “Reencuentro”, “Fuego en el cuerpo” y “Silverado”. Pero este interés se transmutó muy pronto en franca decepción, a medida que todo lo rupturista y audaz del tráiler se va desarrollando de una manera tópica, convencional y sosísima.

La profesora Elizabeth Halsey (Diaz), hedonista y vividora compulsiva, que no duda en robar, seducir y embaucar para conseguir al hombre de sus sueños, acaba conformándose con quien en principio nada tenía que ver con ella, prueba de que, tras su fachada alegre y despendolada, no hay sino una señorita vulgar y tan convencional como laque más. Jake Kasdan, que no ha tomado parte en la elaboración del guión, dota al film de una realización plana y televisiva, basada en las audacias de Cameron Diaz, las caras de pánfilo que pone Justin Timberlake, los mohínes de Lucy Punch y la campechanía de Jason Segel, estos dos últimos los mejores del reparto. Por fortuna para todos, Jake Kasdan sólo tiene 37 años y, por tanto, muchas probabilidades de mejorar.

Luis Campoy

Lo mejor: Jason Segel

Lo peor: la forma sosa y convencional en la que se desarrolla un relato que parecía audaz y rupturista

El cruce: “Mentes peligrosas” + “Ahora los padres son ellos” + “Atrapado en el tiempo”

Calificación: 5,5 (sobre 10)

P.D-: ¿Ya os había dicho que “Bad Teacher” significa simplemente “Mala Profesora”?

Cine actualidad/ "CARS 2"

2011-07-13T17:11:00.002+02:00

Coches que pinchan

Perece que está de moda homenajear a las viejas películas de James Bond. La reciente “X-Men, Primera Generación” ya lo hacía, y ahora “Cars 2” se suma a esta misma tendencia. A pesar de que el resto de la cinta parece más bien un refrito de “La vuelta al mundo en 80 días” en clave automovilística, el arranque de “Cars 2” (lo mejor del film) presenta a un par de personajes nuevos, el super espía Finn McMissile y el villano autodenominado Profesor X, en el transcurso de un inspiradísimo teaser que constituye casi una película dentro de la película. A partir de ese momento, reaparecen los ya conocidos coches parlantes, con un Rayo McQueen a la cabeza que está a punto de enrolarse en una carrera a lo largo y ancho del mundo. En el año en que se cumple el vigésimo quinto aniversario de la fundación de la compañía, los chicos de Pixar nos traen la primera secuela de su éxito de 2006, en un verano que sucede a otros veranos en los que producciones como “Toy Story 3”, “Up”, Wall-E”, “Ratatouille”, “Los Increíbles”, “Buscando a Nemo” y un ya largo etcétera de títulos bendecidos a la par por público y crítica.
No seré yo quien diga que “Cars 2” es un producto indigno que no merece la pena ser visualizado, pero sí que hay que admitir que durante muchos momentos uno se pregunta a qué tipo de ficción se está enfrentando, ya que el tratamiento de algunos personajes y situaciones es de lo más pueril. Sólo la singular maestría de los animadores de Pixar diluye el aburrimiento en más de una secuencia, pues cuando los diálogos se ponen ñoños y las situaciones derivan hacia el más repelente infantilismo, siempre llegan al rescate el gag chispeante o la virguería tecnológica de turno. ¿Por qué es notoriamente inferior la secuela a su predecesora? Pienso que en gran parte porque, como digo, acontece en un escenario radicalmente diferente, lejos de los parámetros más entrañables de Radiator Springs, pero también y sobre todo porque se pierde el foco, al pasar el protagonismo del pizpireto Rayo McQueen a su inefable ayudante, la grúa Mate. Retomando el tópico inicial acerca de James Bond, una aventura de espías protagonizada por Mate es prácticamente una astracanada al estilo de “Johnny English”, por mucha parafernalia informática que la envuelva.

Luis Campoy

Lo mejor: el proverbial virtuosismo técnico inherente a Pixar

Lo peor: el tono general del film, que parece dirigido a una parroquia de niños pequeños

El cruce: “Cars” + “La vuelta al mundo en 80 días” + “James Bond contra Goldfinger”

Calificación: 6,5 (sobre 10)

Cine actualidad/ "TRANSFORMERS: El lado oscuro de la Luna"

2011-07-11T16:17:00.002+02:00

Lo nunca visto

Una crítica de "Transformers: El lado oscuro de la Luna" (más conocida simplemente como "Transformers 3") no puede extenderse mucho. Todos o casi todos conocemos los juguetes robóticos de la compañía Hasbro, sabemos que hubo un comic y una serie de televisión y quizás hayamos visto alguna de las dos películas que el director Michael Bay ha realizado sobre el tema, con producción ejecutiva del "Rey Midas" Steven Spielberg. Tanto en una como en otra, Bay había dispuesto de un presupuesto extraordinario y, fiel a sí mismo, había facturado un par de productos de consumo rápido, que se disfrutan con placer merced a su espectacular puesta en escena pero se olvidan enseguida a causa de su vacío espiritual. "Transformers 3" es absolutamente más de lo mismo. Un poco más ambiciosa cinematográficamente (dicho ésto con el mayor de los reparos) que sus dos predecesoras, cuenta con un prólogo francamente bueno en el que se nos cuenta cómo la carrera espacial emprendida por los Estados Unidos (en la época en que John F. Kennedy era Presidente) tuvo a los Transformers como principal objetivo. Utilizando imágenes documentales y otras recreadas digitalmenete, el propio Kennedy (y, posteriormente, Nixon) aparecen en el Depacho Oval tratando de conceder una apariencia algo más adulta a esta saga a la que todos hemos tachado de excesivamente infantil. No es que ahora las cosas vayan a ser distintas, pero es cierto que la comicidad grotesca y estúpida que lastraba las dos primeras películas aquí está un pelín más contenida, si bien los diálogos siguen constituyendo sonoros monumentos a la estupidez. En cualquier caso, ya he dicho al principio que si por algo se caracteriza esta trilogía es por una puesta en escena espectacular, que en este caso aun excedió mis mejores expectativas. Lo que, visualmente hablando, Michael Bay y Steven Spielberg han conseguido en "Transformers: El lado oscuro de la Luna" no se puede describir con palabras. Efectos visuales que rayan la perfección, escenas de acción concebidas, filmadas y montadas con una pericia deslumbrante y un montaje digno de Oscar son las señas de identidad de este film que, aunque adolece de una deprimente carencia de alma, posée un cuerpo sencillamente fascinante. Hablando de cuerpo, si bien repiten Shia LaBeouf, John Turturro, Josh Duhamel, Tyrese Gibson y compañía y se incorporan unos entregados John Malkovich, Patrick Dempsey y Frances McDormand con muchas ganas de marcha, lo más destacable a nivel ¿artístico? es que la bellísima Megan Fox ha sido sustituída por Rosie Huntington Whiteley... y no puede decirse que la nueva moza salga perdiendo en la comparación.

Luis Campoy

Lo mejor: las escenas de acción, de lo más espectacular que jamás se ha visto en una pantalla de cine

Lo peor: todo aquéllo que no son escenas de acción

El cruce: "Transformers" + "Transformers 2" + "Spiderman 3"

Calificación: 9,5 (para las escenas de acción), 4 (para los momentos dramáticos y cómicos, que, mira por dónde, casi se confunden).

Cine actualidad/ "HANNA"

2011-07-06T17:28:00.001+02:00

Adolescencia asesina

De la reciente película "Kick-Ass" (2010), basada, por cierto, en un cómic catalogado para adultos debido a su extrema violencia, los personajes (secundarios) que mejor recuerdo son Big Papi y Hit-Girl: un expolicía resentido y su hija de 10 años, a la que aquél ha educado para ejercer de justiciera sin escrúpulos, manejando pistolas y cuchillos y ejecutando a aquellos criminales que le parecían merecedores de ser exterminados. Es para mí evidente que Seth Lockhead, argumentista y co-guionista de "Hanna", vio "Kick-Ass" o al menos se leyó el cómic en que se basaba, porque las dos historias tienen no pocas similitudes. En el caso que nos ocupa, un ex-agente de la CIA ha criado en secreto a Hanna, una adolecente de 16 años, y la ha entrenado para convertirse en el arma perfecta: experta en todas las técnicas de lucha, fría e implacable aun a pesar de la aparente debilidad de la víctima a aniquilar. Pero ambos saben que ni siquiera entre los recónditos hielos de Finlandia están a salvo del mundo y de un pasado al que habrán de enfrentarse, cada uno de ellos por separado, si quieren tener derecho a luchar por un futuro a salvo de la violencia que ha constituído su razón de ser hasta ese momento...

Parecía impensable que el sensible director de "Orgullo y prejuicio" y "Expiación", el londinense Joe Wright, fuese capaz de dar el salto a una película de estas características. Cuando se estrenó su preciosa versión de "Orgullo y prejuicio", una de las mejores y más famosas novelas de Jane Austen, yo fui uno de los que se quedaron deslumbrados ante aquel virtuoso ejercicio de clasicismo romántico y bucólico. "Expiación" fue un poco más allá, narrando una historia mucho más dramática y utilizando un lenguaje cinematográfico más elaborado e imaginativo. No ví "El solista", su siguiente trabajo, pero lo cierto es que sentía curiosidad por averiguar lo que era capaz de hacer con un material tan aparentemente lejos de su mundo como el de "Hanna". El resultado oscila entre lo excelente y lo ridículo, con un arranque sensacional e impactante que, a través de un largo y tortuoso camino, acaba deviniendo en un thriller de acción más bien predecible y vulgar. Naturalmente, lo mejor de todo es la elección de la sobresaliente Saoirse Ronan, a la que hemos visto precisamente en "Expiación" o en "The Lovely Bones (Desde mi cielo)", probablemente la mejor actriz joven del momento, que resulta creíble y convincente tanto como adolescente desvalida como asesina despiadada. También es un gustazo tropezarse con actores de una pieza como el tímido Eric Bana o la gélida Cate Blanchett, aquí oficiando de secundarios de lujo, pero todo lo bueno que ambos consiguen se esfuma cuando interviene un desenfocado Jason Flemyng, quien interpreta a un pérfido asesino que, junto a otros secuaces, mata sin piedad mientras silba las canciones más ridículas y exhibe los ropajes más chillones. La intromisión absurda de los postulados de la comedia en el terreno de lo que debería ser un drama de acción resulta de lo más chocante y equivocado, y, cómo no, el resultado final se resiente un poco. También chirría bastante la banda sonora a cargo de los Chemical Brothers, cuya base rítmica, más que acompañar, incordia, y parece salida de alguna discoteca cercana. Joe Wright presenta sus credenciales como realizador también cualificado para otro tipo de cine ajeno al drama romántico, pero deberá cuidar más los guiones si quiere demostrar todo su potencial.

Luis Campoy

Lo mejor: Saoirse Ronan, Cate Blanchett, los sensacionales primeros quince minutos

Lo peor: la música, los personajes de comedia en un entorno dramático

El cruce: "Kick-Ass" + "Salt" + "Memoria letal" + "Smilla, misterio en la nieve"

Calificación: 8,5 (sobre 10)

El día que mi madre cambió de signo

2011-07-05T17:37:00.003+02:00

Mi madre siempre presumía de ser una "Géminis" de manual, de ésas que coinciden con todos los parámetros de su signo astrológico. Sin embargo, el otro día, cuando le dijeron el resultado de las pruebas que le habían hecho, no pude evitar pensar en un chiste que me contaron... "¿Qué fue lo que me dijo, doctor? ¿Libra? ¿Piscis? ¿Sagitario?" "No, señora... cáncer". Naturalmente, cuando le dijeron a mi madre que tenía cáncer, lo último que sentí fueron deseos de reirme, y lo primero, lo primerísimo que todos sentimos fue... incredulidad. La doctora aprovechó que la enfermera estaba examinándola en el cuarto contiguo para decirnos, a mi padre y a mí, así como en secreto, que en las pruebas se había descubierto la existencia de un tumor, aparentemente poco avanzado y aparentemente poco extendido, de ésos que pueden ser operados con razonables garantías de éxito... pero tumor, y de los malos, al fin y al cabo. "¿Qué hacemos? ¿Se lo decimos a ella o no?", peguntó la ginecóloga. Yo ni siquiera lo dudé. No sé si fue por respeto a la inteligencia de la enferma o por pura aunque comprensible cobardía, por no tener que ser yo quien se lo dijera ni tampoco quien, sabiendo su realidad, se inventara otra enfermedad menos... aterradora, pero enseguida respondí que sí. Que se lo dijera.

A mi madre le sucedió exactamente lo mismo que a nosotros: aturdida, se preguntó si no habría otra paciente más en la consulta, otra que sí pudiera ser víctima de ese cangrejo homicida que a ella no podía haberle atacado. Cuando te dicen que tienes una insuficiencia cardíaca, el tétanos o incluso la tuberculosis, sufres un shock ciertamente impactante, pero tiendes a confiar en la pericia de los médicos para lograr una curación completa. Cuando te dicen que tienes cáncer, lo primero que piensas es que te vas a morir, que de ésta no vas a salir. Pero ése es sólo el primer e inevitable pensamiento. El pesimismo inicial es un accidente arraigado en nuestra debilidad humana, pero ¿quién no está dispuesto a que le inyecten una buena dosis de esperanza? La joven doctora, para variar, no sólo poseía conocimientos de medicina ginecológica... sino también acerca de psicología práctica y, sobre todo, de Humanidad. Nos lo pintó todo tan bonito, tan fácil, que casi pareció que nos hacía un favor al planificar que nuestras vacaciones de verano iban a tener lugar, por segundo año consecutivo, en las refrigeradas dependencias del Hospital Rafael Méndez de Lorca. Porque, eso sí, por mucho que hubiera tratado de convencernos de que nos enfrentábamos a uno de los cánceres menos mortales y más fácilmente subsanables, la incluyó en lista de espera con Prioridad 1.

Si me paro a pensarlo con frialdad, creo que conozco más casos de conocidos que han superado el cáncer que de desafortunados que han sucumbido a él. La Medicina ha avanzado, las detecciones son cada vez más precoces y, obviamente, unos tumores son menos asesinos que otros. Mi tío Angel y mi Tío Pepe perdieron su batalla y ya no están aquí para contarlo, pero, si dijese que el miedo campa a sus anchas por mi casa, estaría mintiendo. Crédulos, confiados o hipnotizados, hemos elegido la opción más positiva: la esperanza. Todo va a salir bien, lo sé, lo presiento. Será como cualquier otra intervención, independientemente de que en los órganos a extirpar pululen unas u otras células. Lo único que realmente me preocupa es... la anestesia. Mi madre ha cumplido 79 años, lleva 25 de ellos padeciendo una serie de dolencias crónicas y su organismo está debilitado por la acción de incontables medicamentos. ¿Hasta qué punto es seguro y sensato someterla a una operación que requiere una sedación completa? Creo que hasta que no hable con el anestesista no me voy a quedar tranquilo, y, claro está, la verdad es que no lo estaré hasta que se despierte y los doctores nos digan que todo ha salido bien y el cangrejito se quede en una jofaina esterilizada y mi madre pueda volver a presumir de ser simplemente una Géminis de manual…

Cine actualidad/ "RESACÓN 2, Ahora en Tailandia"

2011-06-28T20:10:00.002+02:00

Visito lo visto

Hace un par de años, "The Hangover", aparentemente una más de esas comedietas provocadoras e irreverentes que el cine norteamericano produce casi como churros, rompió taquillas en Yanquilandia, y, por ende, en el resto del mundo. En España la conocimos como "Resacón en Las Vegas", y narraba las consecuencias de una brutal despedida de soltero en el seno de un grupo de amigos empeñados en disfrutar al máximo todo lo que la ciudad del juego podía ofrecerles. Dos veranos más tarde, el grupo salvaje formado por Phil, Stu, Alan y Doug vuelve a la carga dispuesto a liarla parda una vez más, sólo que en esta ocasión se traslada a Bangkok, la tumultuosa metrópoli de Oriente. Obviamente, teniendo en cuenta que regresan el equipo técnico y artístico en pleno del original, todas las virtudes y todos los defectos de "Resacón en Las Vegas" se repiten en "Resacón 2: Ahora en Tailandia", y, de hecho, "repetir" es la palabra clave. Porque, como suele suceder cuando un film tiene un éxito mucho mayor del esperado, a la hora de plantearse una continuación, sus responsables se abandonan a la tendencia del onanismo fácil, ésto es, se conforman con pisar sobre seguro y copiarse a sí mismos en una operación que tiene más de remake que de secuela. Por supuesto que todos dábamos por hecho que Todd Phillips iba a estar nuevamente al frente de la inevitable continuación, y que Bradley Cooper, Ed Helms y Zach Galifianakis iban a ponerse de nuevo ante a las cámaras, pero ¿era necesario repetir, acto por acto, punto por punto, el mismo esquema argumental? ¿No podía haberse urdido otra trama igualmente cómica sin que tuviera que haber una despedida de soltero, una resaca de la hostia, una amnesia etílica del copón, una desaparición, un gangster oriental, una boda final y unos títulos de crédito jalonados por fotos nuevamente bizarras? ¿Era nuevamente Mike Tyson el único famosete sin pudor al que se podía recurrir? Personalmente, sentí una inmensa decepción viendo "Resacón 2". Sigue siendo una comedia mucho más trabajada de lo que parece, filmada con ambición e inventiva, fotografiada con primor e interpretada por tres actores que lo bordan y que poséen una química conjunta superlativa. Pero volver a ver lo mismo que ya tenemos visto, revivir idénticas desventuras tan sólo cambiando el escenario, recorrer un itinerario emocional ya recorrido y que culmina en la más predecible meta final...... no me parecen los mimbres más adecuados para construir una obra con independencia e identidad propia. "Resacón 2" sería una comedia gamberra e iconoclasta filmada con cinismo e inteligencia... si no fuese porque en realidad se trata de una autocopia consentida de una comedia gamberra filmada con cinismo e inteligencia. Yo, desde luego, hubiera preferido volver a ver la original, ¿y vosotros?.

Luis Campoy

Lo mejor: el trío protagonista, la exuberante puesta en escena

Lo peor: la total e hiriente falta de originalidad

El cruce: "Resacón en Las Vegas" + "Karate Kid 2"

Calificación: 5 (sobre 10)